SINFÓNICA DE GALICIA

TEMPORADA 30

Programa 11, viernes 28 y sábado 29 de enero 2022 - 20h.

PROGRAMA 11

I

FERNANDO BUIDE (1980) Tropos (7´) [Primera vez por la OSG]

ANTONÍN DVORÁK (1841-1904) Concierto para violonchelo y orquesta en si menor, op. 104 (40’) Allegro Adagio ma non troppo Finale. Allegro moderato – Andante – Allegro vivo

II

DMITRI SHOSTAKÓVICH (1906-1975) Lady Macbeth de Mtsensk – Suite para orquesta de James Conlon (42’) [Primera vez por la OSG]

En la corte de los Ismaelov Tensión peligrosa Katerina y Serguéi I Passacaglia Katerina y Serguéi II El borracho La llegada de la policía En el exilio EDGAR MOREAU, violonchelo

KEREM HASAN, director

Palacio de la Ópera de A Coruña Viernes, 28 de enero de 2022 – 20h.

Sábado, 29 de enero de 2022 – 20h.

Notas

Fernando Buide: Tropos Fernando Buide (Santiago, 1980) se formó primero en los conservatorios de Oviedo y su ciudad natal y luego en la Universidad de Yale y en la Universidad Carnegie Mellon de Pittsburgh. Entre sus maestros de composición destacan Leonardo Balada, Martin Bresnick, Ezra Ladermann o Aaron Kernis. Estudió piano con Tsiala Kvernadze y Lidia Stratulat y órgano con Antonio Díaz Corveiras y Donald Wilkins. Fue compositor en residencia de la Real Academia de España en Roma y becario de la Fundación Barrié de la Maza y del Instituto de Estudios Internacionales. Entre otros, ha recibido galardones como el Premio AEOS-BBVA en su séptima edición, el premio Michael Friedmann de Investigación de la Universidad de Yale o el premio Harry Archer de composición orquestal. Entre sus obras destacan Such Places as Memory (2005), Fragmentos del Satiricón (2013), Pasaxes (2016), el Concierto para órgano y orquesta (2020) y las óperas A amnesia de Clío, estrenada en 2019 y A sombra de cristal, dada por vez primera a finales de 2021.

Sobre Tropos, estrenada por la Real Filharmonía de Galicia, dirigida por Maximino Zumalave, el 10 de enero de 2007 en el Auditorio de Galicia en Santiago de Compostela, y revisada en 2013, escribe el propio Buide: La obra toma el título de los tropos musicales medievales. Partiendo de una interpretación muy libre de la idea, más como inspiración poética que como procedimiento técnico, vendría a ser un gran tropo de una pequeña célula o conjunto de notas que se muestran en su arranque. Estas cuatro notas, fa-fa sostenido-sol-sol sostenido (tetracordio cromático) son la base de diferentes configuraciones melódicas y armónicas que se despliegan a lo largo de la pieza.

Esta constante transformación de una pequeña configuración musical también nos remite al sentido literario de los tropos. En cierto modo, a medida que volvemos a escuchar esta célula original reinterpretamos su sentido y la contemplamos desde un punto de vista diverso; nos trasmite un carácter y una sensación diferente.

Tropos se desarrolla en dos secciones sin solución de continuidad. La primera, de un carácter mas improvisatorio, con ritmos desdibujados incorpora varios solos instrumentales. La segunda sección, mucho más rítmica y violenta, constituye una suerte de movimiento imparable hacia el clímax final de la obra.

Respecto a la revisión realizada fue relativamente pequeña, pues no llega a constituir una sección nueva. En realidad, alargué la primera sección (los compases 75-77 que no existían antes). Simplemente anticipo un poco alguno de los elementos de la segunda: el diseño de las trompas que aparece en forte se expone antes en piano en el arpa, sonando sobre la atmósfera suave en que devino el clímax de la sección anterior.

Antonín Dvorák: Concierto en si menor para violonchelo y orquesta, op. 104

Obra del periodo americano de su autor —que dio lugar a piezas como la Sinfonía del Nuevo Mundo, el Cuarteto, op. 96 o el Quinteto op. 97—, el Concierto en si menor, op. 104 fue compuesta en Nueva York entre el 8 de noviembre de 1894 y el 9 de febrero de 1895. Curiosamente, Dvorák no acababa de encontrar el violonchelo adaptado a sus posibilidades creadoras y fue la insistencia de su amigo, y virtuoso del instrumento, Hanus Wiham la que consiguió que el compositor se pusiera manos a la obra. Pensaba en Wiham para estrenarlo pero desavenencias entre los dos a cuenta de una cadencia en el último movimiento hicieron que el autor decidiera que no lo escribiría para él. Wiham, sin embargo, no lo tomó a mal y lo interpretaría muchas veces, la primera en La Haya, en 1899, bajo la dirección de Willem Mengelberg.

Se abre el concierto —Allegro— con una amplia introducción orquestal en cuyo principio aparece el primer tema enunciado por el clarinete. La orquesta lo recoge con intensidad —marcado Grandioso en la partitura— y lo desarrolla introduciendo una suerte de motivo intermedio hasta que las maderas retoman el del inicio y la trompa enuncia el segundo tema, muy lírico, con algo de brahmsiano, que pasa al clarinete apoyado por el oboe. Tras el motivo de transición —aquí con reminiscencias de danza— el solista hace su entrada —Quasi improvisando— con el primer tema y ya afirma una presencia enérgica y lírica. A lo largo de todo el movimiento el violonchelo dialogará con la orquesta —a destacar el episodio con la flauta marcado Molto sostenuto— e impondrá su ley virtuosística —a pesar de que no encontremos una cadenza propiamente dicha en él— en un discurso perfectamente articulado, desde la intimidad de lo meditativo a la decidida afirmación sonora.

El Adagio ma non troppo comienza con un tema pleno de calma enunciado por oboe, flauta y clarinete antes de que a este último se le unan los violonchelos. Un segundo tema, en contraste dramático, irrumpe desde la orquesta y es tomado por el solista. Se trata del procedente de la primera de las canciones del Op. 82 del autor, la titulada Déjame vagar solo con mis sueños. La razón de la cita es un asunto trágico y doméstico, el recuerdo de una de sus cuñadas, enferma a la sazón, de la que estuvo enamorado antes de casarse con Anna Cermakova y a quien gustaba especialmente esa melodía. A la muerte de ella, en mayo de 1895, Dvorák la incluyó también en el final del último movimiento del concierto como un homenaje implícito. Tras la evocación volverá el primer tema en las trompas —otra vez la conexión brahmsiana— con el pizzicati de las cuerdas hasta desembocar en una melancólica quasi cadenza para el solista que, con el apoyo de las maderas, da paso a un final pleno de serenidad en el que el violonchelo entonará las últimas frases.

El Finale (Allegro moderato-Andante-Allegro vivo) es —como señala Richard Freed— un «jubiloso, vigoroso y, según algunos comentaristas, robusto rondó no lejano del espíritu de las Danzas eslavas». Se ha visto en él el anhelo por la vuelta a la patria. Trompas y cuerda aportan el memorable tema principal y el violonchelo lo retoma. Un segundo, de leve sabor popular, va apareciendo hasta que el solista lo desarrolla con el apoyo de las maderas antes de volver al primero. Le sigue un Andante —tercer motivo— en el que la flauta dialoga con el violonchelo, luego apoyado en los violines. Poco a poco vamos entrando en la coda anunciada por las trompas como una fanfarria que usa el tema principal. El solista entra en ella en pianissimo y los clarinetes recuerdan el inicio del primer movimiento mientras el violín solo introduce la canción citada en el segundo. Crece la dinámica a partir del violonchelo, se suma la orquesta y todo termina en un clima de alegría. El propio Dvorák lo describió así: «El Finale se cierra con un diminuendo gradual, como un aliento con reminiscencias del primer y segundo movimientos. El solista baja hasta pp. Entonces el sonido empieza a crecer y los últimos compases son tomados por la orquesta para ofrecer una tempestuosa conclusión».

Dmitri Shostakóvich: Lady Macbeth del distrito de Mtsensk, op. 29 (suite de James Conlon) Dmitri Shostakóvich comenzó a componer la ópera Lady Macbeth del distrito de Mstensk, con un libreto que había preparado, junto con Alexander Preys, basándose en un relato de Nikolai Leskov (1831-1895), en el otoño de 1930. La terminó en diciembre de 1932 y la estrenó en Leningrado el 22 de enero de 1934. Inicialmente considerada como la gran ópera de la época soviética, el éxito del estreno se trasladó a la escena internacional hasta que el 28 de enero 1936, dos días después de que Stalin asistiera a una representación en el Bolshoi, aparecía en Pravda un artículo, claramente inspirado por el propio Jossif Vissariónovich, titulado Caos en lugar de música que parecía firmar la sentencia de muerte de Shostakóvich como compositor. Ya sabemos que seguiría componiendo —aunque a la vista de los acontecimientos dejara para mejor ocasión el estreno de la Cuarta sinfonía—, pero viviría en el temor, la aceptación de la realidad de ser oficialmente «un enemigo del pueblo», la conciencia del genio propio y la necesidad de sobrevivir. No habría más óperas y en 1963 transformaría la partitura inicial de Lady Macbeth en Katerina Ismailova.

El asunto de Lady Macbeth podría resumirse así: Katerina, su personaje principal, es una mujer asfixiada por las circunstancias en las que debe vivir con su marido, el comerciante Zinovi Ismailov, que la ignora, y su suegro, el déspota y borracho Boris. Un día aparecerá un nuevo empleado, Serguéi, del que se enamorará. Más adelante envenenará con matarratas a su suegro y entre ella y Boris asesinarán a Zinovi. Finalmente, convictos ella y Serguéi, arrojará al río a la nueva amante de este, Sinetka, siguiéndola ella misma y ahogándose las dos. Todo muy truculento, pero también todo con ese punto determinista propio de unas circunstancias que aquí, sin embargo, se apresuraron a aplicar la ley del embudo. Shostakóvich, al parecer, pretendía hacer, en óperas sucesivas, un retrato del padecer y la esperanza de la mujer rusa y soviética pero, como era de esperar, Stalin no tuvo paciencia —la mezcla de tragedia y sátira era demasiado para él— ni ante semejante argumento —y eso que no hay lector u oyente que no sienta piedad por Katerina, una víctima del machismo más demoledor— ni ante semejante música. Y mandó parar.

El director James Conlon realizó en 1991 una suite orquestal de Lady Macbeth que llevaría al disco para el sello Capriccio. La suite comienza con una cita del momento culminante del cuarto acto antes de entrar en la descripción del negocio del marido y el suegro de Katerina que abre la segunda escena de la ópera. Continúa con el reflejo del peligroso tedio en el que vive la protagonista. Katerina y Serguéi I nos lleva a la violación de Katerina por Serguéi, representada por lo que la revista Time llamara en su día «pornofonía» y que seguramente fue la escena —última del acto I— que Stalin definitivamente no pudo soportar. Seguirá la Passacaglia del intermedio del segundo acto entre los asesinatos del suegro y el marido. Katerina y Serguéi II es una escena de amor a la que no le falta el lirismo que se supone en tales casos, más aún después de lo explícito del encuentro anterior. El borracho representa el descubrimiento del cadáver de Boris en el tercer acto y La llegada de la policía el momento de la detención de la pareja. En el exilio, sobre la escena final de la ópera, es la desoladora conclusión del drama.

En un artículo para la revista Opera News, Conlon escribía en 1994: La orquesta de Shostakóvich se vuelve positivamente desagradable. Grita, atormenta, repele, excita, muerde. Pasa a voluntad de la expresividad a la parodia. Aparte de Katerina, sólo el Viejo Convicto en el acto final escapa a sus mordaces comentarios. Mientras que la orquesta de Wagner ha sido comparada con la voz inarticulada del subconsciente, Peter Conrad escribe que «el foso de la orquesta de Shostakóvich es el sótano donde el apestoso cuerpo... ha sido desechado». Su violencia furiosa es similar a la de los primeros e iconoclastas Stravinski y Bartók. Es una orquesta destinada a abrumar, golpear el escenario hasta la sumisión. Pero también puede evocar un profundo patetismo, la soledad, el anhelo, la desesperación.

Y en sus notas a la grabación citada: Después de una sola cita del momento del cataclismo en el acto final, la historia es contada como si fuera un flashback, en su secuencia apropiada. No se han compuesto puentes ni música adicional, y sólo se han transferido ciertas líneas vocales a la orquesta. He intentado a través del arreglo de los extractos, siguiendo su disposición en la partitura original, capturar al menos una parte del escalofriante poder dramático de la que es seguramente una de las obras más grandes del siglo XX.

Luis Suñén

Notas (Galego)

Fernando Buide: Tropos

Fernando Buide (Santiago, 1980) formouse primeiro nos conservatorios de Oviedo e a súa cidade natal e despois na Universidade de Yale e na Universidade Carnegie Mellon de Pittsburgh. Entre os seus mestres de composición salientan Leonardo Balada, Martin Bresnick, Ezra Ladermann ou Aaron Kernis. Estudou piano con Tsiala Kvernadze e Lidia Stratulat e órgano con Antonio Díaz Corveiras e Donald Wilkins. Foi compositor en residencia da Real Academia de España en Roma e bolseiro da Fundación Barrié de la Maza e do Instituto de Estudos Internacionais. Entre outros, recibiu galardóns como o Premio AEOS-BBVA na súa sétima edición, o premio Michael Friedmann de Investigación da Universidade de Yale ou o premio Harry Archer de composición orquestral. Entre as súas obras destacan Such Places as Memory (2005), Fragmentos do Satiricón (2013), Pasaxes (2016), o Concerto para órgano e orquestra (2020) e as óperas A amnesia de Clío, estreada en 2019 e A sombra de cristal, dada por vez primeira a finais de 2021.

Sobre Tropos, estreada pola Real Filharmonía de Galicia, dirixida por Maximino Zumalave, o 10 de xaneiro de 2007 no Auditorio de Galicia en Santiago de Compostela, e revisada en 2013, escribe o propio Buide: A obra toma o título dos tropos musicais medievais. Partindo dunha interpretación moi libre da idea, máis como inspiración poética que como procedemento técnico, viría a ser un gran tropo dunha pequena célula ou conxunto de notas que se amosan no seu arranque. Estas catro notas, fa-fa díese-sol-sol díese (tetracordio cromático) son a base de diferentes configuracións melódicas e harmónicas que se despregan ao longo da peza.

Esta constante transformación dunha pequena configuración musical tamén nos remite ao sentido literario dos tropos. En certo modo, segundo volvemos a escoitar esta célula orixinal reinterpretamos o seu sentido e contemplámola desde un punto de vista diverso; transmítenos un carácter e unha sensación diferentes.

Tropos desenvólvese en dúas seccións sen solución de continuidade. A primeira, dun carácter máis improvisatorio, con ritmos esvaecidos incorpora varios solos instrumentais. A segunda sección, moito máis rítmica e violenta, constitúe unha especie de movemento imparable cara ao clímax final da obra.

Respecto da revisión realizada foi relativamente pequena, pois non chega a constituír unha sección nova. En realidade, alonguei a primeira sección (os compases 75-77 que non existían antes). Simplemente anticipo un pouco algún dos elementos da segunda: o deseño das trompas que aparece en forte exponse antes en piano na arpa, soando sobre a atmosfera suave en que deveu o clímax da sección anterior.

Antonín Dvorák: Concerto en si menor para violonchelo e orquestra, op. 104

Obra do período americano do seu autor —que deu lugar a pezas como a Sinfonía do Novo Mundo, o Cuarteto, op. 96 ou o Quinteto op. 97—, o Concerto en si menor, op. 104 foi composta en Nova York entre o 8 de novembro de 1894 e o 9 de febreiro de 1895. Curiosamente, Dvorák non acababa de atopar o violonchelo adaptado ás súas posibilidades creadoras e foi a insistencia do seu amigo, e virtuoso do instrumento, Hanus Wiham a que conseguiu que o compositor se puxese mans á obra. Pensaba en Wiham para estrealo pero desavinzas entre os dous a conta dunha cadencia no derradeiro movemento fixeron que o autor decidise que non o escribiría para el. Wiham, no entanto, non o tomou a mal e haberíao de interpretar moitas veces, a primeira en La Haya, en 1899, baixo a dirección de Willem Mengelberg.

Ábrese o concerto —Allegro— cunha ampla introdución orquestral en cuxo principio aparece o primeiro tema enunciado polo clarinete. A orquestra recólleo con intensidade —marcado Grandioso na partitura— e desenvólveo introducindo unha sorte de motivo intermedio ata que as madeiras retoman o do inicio e a trompa enuncia o segundo tema, moi lírico, con algo de brahmsiano, que pasa ao clarinete apoiado polo óboe. Tras o motivo de transición —aquí con reminiscencias de danza— o solista fai a súa entrada —Quasi improvisando— co primeiro tema e xa afirma unha presenza enérxica e lírica. Ao longo de todo o movemento o violonchelo dialogará coa orquestra —onde hai que destacar o episodio coa frauta marcado Molto sostenuto— e imporá a súa lei virtuosística —malia que non haberemos de atopar unha cadenza propiamente dita nel— nun discurso perfectamente articulado, dende a intimidade do meditativo á decidida afirmación sonora.

O Adagio ma non troppo comeza cun tema pleno de calma enunciado por óboe, frauta e clarinete antes de que a este último se lle unan os violonchelos. Un segundo tema, en contraste dramático, irrompe desde a orquestra e é tomado polo solista. Trátase do procedente da primeira das cancións do Op. 82 do autor, a titulada Déixame vagar só cos meus soños. A razón da cita é un asunto tráxico e doméstico, a lembranza dunha das súas cuñadas, enferma á sazón, da que estivo namorado antes de casar con Anna Cermakova e a quen lle gustaba especialmente esa melodía. Á morte dela, en maio de 1895, Dvorák incluíuna tamén no final do derradeiro movemento do concerto coma unha homenaxe implícita. Tras a evocación volverá o primeiro tema nas trompas —outra vez a conexión brahmsiana— co pizzicati das cordas ata desembocar nunha melancólica quasi cadenza para o solista que, co apoio das madeiras, dá paso a un final pleno de serenidade no que o violonchelo entoará as derradeiras frases.

O Finale (Allegro moderato-Andante-Allegro vivo) é —como sinala Richard Freed— un «xubiloso, vigoroso e, segundo algúns comentaristas, robusto rondó non afastado do espírito das Danzas eslavas». Viuse nel o anhelo pola volta á patria. Trompas e corda achegan o memorable tema principal e o violonchelo retómao. Un segundo, de leve sabor popular, vai aparecendo ata que o solista o desenvolve co apoio das madeiras antes de volver ao primeiro. Ségueo un Andante —terceiro motivo— no que a frauta dialoga co violonchelo, logo apoiado nos violíns. Pouco a pouco imos entrando na coda anunciada polas trompas como unha fanfarra que usa o tema principal. O solista entra nela en pianissimo e os clarinetes lembran o inicio do primeiro movemento mentres o violín só introduce a canción citada no segundo. Medra a dinámica a partir do violonchelo, súmase a orquestra e todo remata nun clima de alegría. O propio Dvorák describiuno así: «O Finale cérrase cun diminuendo gradual, coma un alento con reminiscencias do primeiro e segundo movementos. O solista baixa ata pp. Daquela o son comeza a medrar e os últimos compases son tomados pola orquestra para ofrecer unha tempestuosa conclusión».

Dmitri Xostacóvich: Lady Macbeth do distrito de Mtsensk, op. 29 (suite de James Conlon) Dmitri Xostacóvich comezou a compoñer a ópera Lady Macbeth do distrito de Mstensk, cun libreto que preparara, xunto con Alexander Preys, baseándose nun relato de Nikolai Leskov (1831-1895), no outono de 1930. Rematouna en decembro de 1932 e estreouna en Leningrado o 22 de xaneiro de 1934. Inicialmente considerada como a grande ópera da época soviética, o éxito da estrea trasladouse á escena internacional ata que o 28 de xaneiro de 1936, dous días despois de que Stalin asistise a unha representación no Bolshoi, aparecía en Pravda un artigo, claramente inspirado polo propio Jossif Vissariónovich, titulado Caos no canto de música que semellaba asinar a sentenza de morte de Xostacóvich como compositor. Xa sabemos que seguiría a compoñer —aínda que á vista dos acontecementos deixase para mellor ocasión a estrea da Cuarta sinfonía—, pero viviría no temor, na aceptación da realidade de ser oficialmente «un inimigo do pobo», a conciencia do xenio propio e a necesidade de sobrevivir. Non habería máis óperas e en 1963 transformaría a partitura inicial de Lady Macbeth en Katerina Ismailova.

O asunto de Lady Macbeth podería resumirse así: Katerina, a súa personaxe principal, é unha muller asfixiada polas circunstancias nas que debe vivir co seu marido, o comerciante Zinovi Ismailov, que a ignora, e o seu sogro, o déspota e borracho Boris. Un día aparecerá un novo empregado, Serguéi, do que namorará. Máis adiante envelenará con matarratas o seu sogro e entre ela e Boris asasinarán a Zinovi. Finalmente, convictos ela e mais Serguéi, guindará ao río a nova amante deste, Sinetka, que seguirá ela mesma para acabaren afogando as dúas. Todo moi truculento, pero tamén todo con ese punto determinista propio dunhas circunstancias que aquí, no entanto, se apresuraron a aplicar a lei do funil. Xostacóvich, segundo parece, pretendía facer, en óperas sucesivas, un retrato do padecer e a esperanza da muller rusa e soviética pero, como era de esperar, Stalin non tivo paciencia —a mestura de traxedia e sátira era demasiado para el— nin diante de semellante argumento —e iso que non hai lector ou oínte que non sinta piedade por Katerina, unha vítima do machismo máis demoledor— nin diante de semellante música. E mandou parar.

O director James Conlon realizou en 1991 unha suite orquestral de Lady Macbeth que levaría o disco para o selo Capriccio. A suite comeza cunha cita do momento culminante do cuarto acto antes de entrar na descrición do negocio do marido e o sogro de Katerina que abre a segunda escena da ópera. Continúa co reflexo do perigoso tedio no que vive a protagonista. Katerina e Serguéi I lévanos á violación de Katerina por Serguéi, representada polo que a revista Time dera en chamar no seu día «pornofonía» e que seguramente foi a escena —derradeira do acto I— que Stalin definitivamente non puido soportar. Seguirá a Passacaglia do intermedio do segundo acto entre os asasinatos do sogro e o marido. Katerina e Serguéi II é unha escena de amor á que non lle falta o lirismo que se supón en tales casos, máis aínda despois do explícito do encontro anterior. O bébedo representa o descubrimento do cadáver de Boris no terceiro acto e A chegada da policía o momento da detención da parella. No exilio, sobre a escena final da ópera, é a desoladora conclusión do drama.

Nun artigo para a revista Opera News, Conlon escribía en 1994: A orquestra de Xostacóvich tórnase positivamente desagradable. Berra, atormenta, repele, excita, morde. Pasa por vontade da expresividade á parodia. Á parte de Katerina, só o Vello Convito no acto final escapa aos seus mordaces comentarios. Mentres que a orquestra de Wagner foi comparada coa voz inarticulada do subconsciente, Peter Conrad escribe que «o foxo da orquestra de Xostacóvich é o soto onde o fedorento corpo... foi desbotado». A súa violencia furiosa é semellante á dos primeiros e iconoclastas Stravinski e Bartók. É unha orquestra destinada a abraiar, golpear o escenario ata a submisión. Pero tamén pode evocar un fondo patetismo, a soidade, o anhelo, a desesperación.

E nas súas notas á gravación citada: Despois dunha soa cita do momento do cataclismo no acto final, a historia é contada como se fose un flashback, na súa secuencia apropiada. Non se compuxeron pontes nin música adicional, e só se lle transferiron certas liñas vocais á orquestra. Intentei a través do arranxo dos extractos, seguindo a súa disposición na partitura orixinal, capturar cando menos unha parte do arrepiante poder dramático da que é seguramente unha das obras máis grandes do século XX.

Luis Suñén

EDGAR MOREAU

Violonchelo

Ganador del Concurso Rostropóvich, Concurso Chaikovski y del Joven Concertista 2014, Edgar Moreau, nacido en 1994, empezó a tocar el violonchelo a los cuatro años. Comenzó sus estudios con Philippe Muller en el Conservatorio Superior de Música de París y los continuó en la Academia Kronberg bajo la dirección de Frans Helmerson. A los once años debutó con la Orquesta del Teatro Regio de Turín, interpretando el Concierto para violonchelo de Dvorák.

Edgar actúa regularmente en las salas más prestigiosas del mundo: Carnegie Hall de Nueva York, Filarmónica de Berlín, Musikverein y Konzerthaus de Viena, Concertgebouw de Ámsterdam, Los Ángeles Hollywood Ball, Filarmónica de París y Théâtre des Champs-Elysées, Filarmónica del Elba de Hamburgo, Tokyo Suntory Hall, Centro de Artes de Seúl, Victoria Hall de Ginebra, Palau de la Música Catalana en Barcelona, Scala de Milán, La Fenice de Venecia, Wigmore Hall, etc. Además, es invitado con frecuencia a numerosos festivales como los de Verbier, Salzburgo, Gstaad, Montreux, Hamburgo, Edimburgo, Saint-Denis, Menton, Colmar, Lugano y Hamburgo entre otros.

Moreau colabora con directores de renombre internacional como Gustavo Dudamel, Valery Gergiev, Francois-Xavier Roth, Myung-Whun Cheng, Tugan Sokhiev, Manfred Honeck, Lahav Shani, Mikko Franck, Jakub Hrusa, Alain Altinoglu, Pablo-Heras Casado, Susanna Mälkki, Vasily Petrenko, Jukka- Pekka Saraste y Lionel Bringuier, y actúa con orquestas de fama internacional como Orquesta Santa Cecilia de Roma, Filarmonica della Scala de Milán, Sinfónica de Londres, Philharmonia, Royal Philharmonic, Filarmónica de Los Ángeles, Sinfónica de Seattle, Orquesta de Filadelfia, Sinfónica de Montreal, Mahler Chamber Orchestra, Filarmónica de Múnich, Filarmónica de Lucerna, Filarmónica de Israel, Orquesta de París, Filarmónica de Radio Francia, Orquesta Nacional de Francia, Filarmónica de San Petersburgo, Orquesta Simón Bolívar, Filarmónica de Malasia y Metropolitana de Tokio.

Apasionado de la música de cámara, colabora con artistas como Martha Argerich, Yo-Yo Ma, Renaud Capuçon, Khatia Buniatishvili, Daniil Trifonov, Nicholas Angelich, Andras Schiff, Emmanuel Pahud, Sergey Babayan, Lisa Batiashvili, Julian Rachlin, Alexey Volodin, Bertrand Chamayou y David Kadouch entre otros, así como sus hermanos Raphaëlle, David y Jérémie.

Artista exclusivo de Erato, Edgar Moreau lanzó su álbum debut Play en 2014 junto con el pianista Pierre-Yves Hodique. Su siguiente disco, Giovincello, incluye conciertos barrocos con el conjunto Il Pomo d'Oro y Riccardo Minasi (Premio ECHO Classic, 2016). También ha grabado las sonatas y tríos de Debussy, un álbum a dúo con David Kadouch con obras de Franck, Poulenc, Strohl y De la Tombelle. Su último lanzamiento discográfico recoge los conciertos de Gulda y Offenbach con Les Forces Majeures y Raphaël Merlin. Fue galardonado con Victoires de la Musique Classique en 2013 y 2015. Fue nombrado ECHO Rising Star en 2017. Edgar ha sido galardonado por la Fondation Banque Populaire, Premio Joven Solista de las emisoras de radio públicas francesas en 2013, Fundación Corporativa Safran y es Adami Révélation Classique 2012.

Edgar Moreau toca un violonchelo de David Tecchler de 1711. Su arco fue hecho por Dominique Peccate.

EDGAR MOREAU

Violonchelo

Gañador do Concurso Rostropóvich, do Concurso Chaikovski e do Novo Concertista 2014, Edgar Moreau, nado en 1994, comezou a tocar o violonchelo aos catro anos. Principiou os seus estudos con Philippe Muller no Conservatorio Superior de Música de París e continuounos na Academia Kronberg baixo a dirección de Frans Helmerson. Aos once anos debutou coa Orquestra do Teatro Regio de Turín, onde interpretou o Concerto para violonchelo de Dvorák.

Edgar actúa con regularidade nas salas máis prestixiosas do mundo: Carnegie Hall de Nova York, Filharmónica de Berlín, Musikverein e Konzerthaus de Viena, Concertgebouw de Ámsterdam, Los Ángeles Hollywood Ball, Filharmónica de París e Théâtre des Champs-Elysées, Filharmónica do Elba de Hamburgo, Tokyo Suntory Hall, Centro de Artes de Seúl, Victoria Hall de Xenebra, Palau de la Música Catalana en Barcelona, Scala de Milán, La Fenice de Venecia, Wigmore Hall, etc. Ademais, é convidado con frecuencia a numerosos festivais como os de Verbier, Salzburgo, Gstaad, Montreux, Edimburgo, Saint-Denis, Menton, Colmar, Lugano e Hamburgo entre outros.

Moreau colabora con directores de renome internacional como Gustavo Dudamel, Valery Gergiev, Francois-Xavier Roth, Myung-Whun Cheng, Tugan Sokhiev, Manfred Honeck, Lahav Shani, Mikko Franck, Jakub Hrusa, Alain Altinoglu, Pablo-Heras Casado, Susanna Mälkki, Vasily Petrenko, Jukka- Pekka Saraste e Lionel Bringuier, e actúa con orquestras de sona internacional como a Orquestra Santa Cecilia de Roma, a Filharmonica della Scala de Milán, a Sinfónica de Londres, a Philharmonia, a Royal Philharmonic, a Filharmónica de Los Ángeles, a Sinfónica de Seattle, a Orquestra de Filadelfia, a Sinfónica de Montreal, a Mahler Chamber Orchestra, a Filharmónica de Múnic, a Filharmónica de Lucerna, a Filharmónica de Israel, a Orquestra de París, a Filharmónica de Radio Francia, a Orquestra Nacional de Francia, a Filharmónica de San Petersburgo, a Orquestra Simón Bolívar, a Filharmónica de Malasia e mais a Metropolitana de Tokio.

Apaixonado da música de cámara, colabora con artistas como Martha Argerich, Yo-Yo Ma, Renaud Capuçon, Khatia Buniatishvili, Daniil Trifonov, Nicholas Angelich, Andras Schiff, Emmanuel Pahud, Sergey Babayan, Lisa Batiashvili, Julian Rachlin, Alexey Volodin, Bertrand Chamayou e David Kadouch entre outros, así como os seus irmáns Raphaëlle, David e Jérémie.

Artista exclusivo de Erato, Edgar Moreau lanzou o seu álbum debut Play en 2014 xunto co pianista Pierre-Yves Hodique. O seu seguinte disco, Giovincello, inclúe concertos barrocos co conxunto Il Pomo d'Oro e Riccardo Minasi (Premio ECHO Classic, 2016). Tamén gravou as sonatas e tríos de Debussy, un álbum a dúo con David Kadouch con obras de Franck, Poulenc, Strohl e De la Tombelle. O seu último lanzamento discográfico recolle os concertos de Gulda e Offenbach con Les Forces Majeures e Raphaël Merlin. Foi galardoado con Victoires de la Musique Classique en 2013 e 2015. Foi nomeado ECHO Rising Star en 2017. Edgar foi galardoado pola Fondation Banque Populaire, Premio Solista Novo das emisoras de radio públicas francesas en 2013, Fundación Corporativa Safran e é Adami Révélation Classique 2012.

Edgar Moreau toca un violonchelo de David Tecchler de 1711. O seu arco foi feito por Dominique Peccate.

KEREM HASAN

Director

Kerem Hasan comienza su tercera temporada como director titular de la Tiroler Symphonieorchester Innsbruck, después de asumir este cargo en septiembre de 2019. En el verano de 2017, el joven director británico sentó las bases de una carrera internacional muy prometedora al ganar el premio Nestlé y Salzburg Young Conductors Award. Antes de esto, ya había atraído la atención como finalista en el Concurso de Dirección Donatella Flick en Londres y como director asociado de la Ópera Nacional de Gales.

Además de sus conciertos con la Tiroler Symphonieorchester, Kerem también regresa al Tiroler Landestheater en Innsbruck para dirigir L'italiana in Algeri de Rossini y La flauta mágica de Mozart. Otros aspectos destacados de la actual temporada incluyen producciones en la English National Opera (Così fan tutte) y en Glyndebourne (The Rake’s Progress), así como conciertos con Tonkünstlerorchester Niederösterreich, Borusan Philharmonic Orchestra y Antwerp Symphony Orchestra. Además, Hasan debuta con la Filarmónica de la BBC, Bournemouth Symphony y la Orquesta Sinfónica de Galicia y regresa a la ORF Radio Symphonieorchester de Viena, Orquesta Nacional del Capitolio de Toulouse, Royal Philharmonic Orchestra y Noord Nederlands Orkest. En junio de 2022 debutará en los Estados Unidos con la Sinfónica de Detroit, seguido de conciertos con la Orquesta de Minnesota y en el Festival de Música de Aspen.

Sus compromisos anteriores incluyen representaciones de ópera en Glyndebourne (La flauta mágica), con la Ópera Nacional de Gales (La forza del destino) y en el Tiroler Landestheater Innsbruck (Samson et Dalila, Rigoletto, The Rape of Lucretia). Ha dirigido conciertos con la Orquesta del Concertgebouw de Ámsterdam, Sinfónica de Londres, Royal Philharmonic Orchestra, SWR Symphonieorchester, MDR Sinfonieorchester, ORF Radio-Symphonieorchester de Viena, Sinfónica Nacional Danesa, Tampere Philharmonic Orchestra, Orquesta del Capitolio de Toulouse, La Fenice y Newica de Japón.

Hasan recibió clases magistrales y valiosos consejos de David Zinman, Edo de Waart, Gianandrea Noseda y Esa-Pekka Salonen. Por invitación de su mentor Bernard Haitink, fue asistente con la Orquesta Sinfónica de Chicago, Concertgebouw de Ámsterdam y Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks.

En el verano de 2016, Kerem Hasan asistió por primera vez a la Academia de Dirección del Festival de Música de Aspen, donde trabajó con Robert Spano. En 2017, regresó al festival como Conducting Fellow y posteriormente recibió el Aspen Conductor Prize. Como director asistente, estuvo nuevamente en Aspen en el verano de 2018.

Kerem Hasan, nacido en Londres en 1992, estudió piano y dirección en el Conservatorio Real de Escocia. Posteriormente, continuó su educación en la Universidad de las Artes de Zurich con Johannes Schlaefli.

KEREM HASAN

Director

Kerem Hasan comeza a súa terceira temporada como director titular da Tiroler Symphonieorchester Innsbruck, despois de asumir este cargo en setembro de 2019. No verán de 2017, o mozo director británico sentou as bases dunha carreira internacional moi prometedora ao gañar o premio Nestlé e Salzburg Young Conductors Award. Antes disto xa atraera a atención como finalista no Concurso de Dirección Donatella Flick en Londres e como director asociado da Ópera Nacional de Gales.

Ademais dos seus concertos coa Tiroler Symphonieorchester, Kerem tamén regresa ao Tiroler Landestheater en Innsbruck para dirixir L'italiana in Algeri de Rossini e A frauta máxica de Mozart. Outros aspectos destacados da actual temporada inclúen producións na English National Opera (Così fan tutte) e en Glyndebourne (The Rake’s Progress), así como concertos con Tonkünstlerorchester Niederösterreich, Borusan Philharmonic Orchestra e Antwerp Symphony Orchestra. Ademais, Hasan debuta coa Filharmónica da BBC, coa Bournemouth Symphony e mais coa Orquestra Sinfónica de Galicia e regresa á ORF Radio Symphonieorchester de Viena, á Orquestra Nacional do Capitolio de Toulouse, á Royal Philharmonic Orchestra e mais á Noord Nederlands Orkest. En xuño de 2022 debutará nos Estados Unidos coa Sinfónica de Detroit, seguido de concertos coa Orquestra de Minnesota e no Festival de Música de Aspen.

Os seus compromisos anteriores inclúen representacións de ópera en Glyndebourne (A frauta máxica), coa Ópera Nacional de Gales (La forza del destino) e no Tiroler Landestheater Innsbruck (Samson et Dalila, Rigoletto, The Rape of Lucretia). Dirixiu concertos coa Orquestra do Concertgebouw de Ámsterdam, a Sinfónica de Londres, a Royal Philharmonic Orchestra, a SWR Symphonieorchester, a MDR Sinfonieorchester, a ORF Radio-Symphonieorchester de Viena, a Sinfónica Nacional Danesa, a Tampere Philharmonic Orchestra, a Orquestra do Capitolio de Toulouse, La Fenice e Newica de Xapón.

Hasan recibiu clases maxistrais e valiosos consellos de David Zinman, Edo de Waart, Gianandrea Noseda e Esa-Pekka Salonen. Por invitación do seu mentor Bernard Haitink, foi asistente coa Orquestra Sinfónica de Chicago, a Concertgebouw de Ámsterdam e mais a Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks.

No verán de 2016, Kerem Hasan asistiu por primeira vez á Academia de Dirección do Festival de Música de Aspen, onde traballou con Robert Spano. En 2017, regresou ao festival como Conducting Fellow e posteriormente recibiu o Aspen Conductor Prize. Como director asistente, estivo novamente en Aspen no verán de 2018.

Kerem Hasan, nado en Londres en 1992, estudou piano e dirección no Conservatorio Real de Escocia. Posteriormente continuou a súa educación na Universidade das Artes de Zurich con Johannes Schlaefli.

Miembros de la OSG

ORQUESTA SINFÓNICA DE GALICIA

VIOLINES I

Massimo Spadano*****

Ludwig Dürichen****

Vladimir Prjevalski****

Iana Antonyan Ruslan Asanov Caroline Bournaud Gabriel Bussi Carolina Mª Cygan Witoslawska Dominica Malec Andruszkiewicz Dorothea Nicholas Mihai Andrei Tanasescu Kadar Florian Vlashi Roman Wojtowicz

VIOLINES II

Fumika Yamamura***

Adrián Linares Reyes***

Gertraud Brilmayer Lylia Chirilov Marcelo González Kriguer Deborah Hamburger Enrique Iglesias Precedo Helle Karlsson Gregory Klass Stefan Marinescu

VIOLAS

EEugenia Petrova***

Francisco Miguens Regozo***

Andrei Kevorkov*

Raymond Arteaga Morales Alison Dalglish Despina Ionescu Jeffrey Johnson Jozef Kramar Luigi Mazzucato Karen Poghosyan Wladimir Rosinskij

VIOLONCHELOS

Rouslana Prokopenko***

Raúl Mirás López***

Gabriel Tanasescu*

Berthold Hamburger Scott M. Hardy Florence Ronfort Ramón Solsona Massana

CONTRABAJOS

Risto Vuolanne***

Diego Zecharies***

Todd Williamson*

Mario J. Alexandre Rodrigues Douglas Gwynn Jose F. Rodrigues Alexandre

FLAUTAS

Claudia Walker Moore***

Mª José Ortuño Benito**

Juan Ibáñez Briz*

OBOES

Casey Hill***

David Villa Escribano**

CLARINETES

Juan Antonio Ferrer Cerveró***

Iván Marín García**

Pere Anguera Camós*

FAGOTES

Steve Harriswangler***

Mary Ellen Harriswangler**

Alex Salgueiro *

TROMPAS

Nicolás Gómez Naval***

David Bushnell**

Manuel Moya Canós*

Amy Schimelmann*

TROMPETAS

Thomas Purdie**

Michael Halpern*

TROMBONES

Jon Etterbeek***

Eyvind Sommerfelt*

Óscar Vázquez Valiño***

TUBA

Jesper Boile Nielsen***

PERCUSIÓN

José A. Trigueros Segarra***

José Belmonte Monar**

Alejandro Sanz Redondo*

ARPA

Celine C. Landelle***

MÚSICOS INVITADOS TEMPORADA 21-22

VIOLINES I

Ángel Enrique Sánchez Marote

VIOLINES II

Natalia Cid Iriarte Rebeca Maseda Longarela Elena Pérez Velasco

VIOLONCHELO

Mª Victoria Pedrero Pérez

OBOE

Carolina Rodríguez Canosa*

TROMPETA

Alejandro Vázquez Lamela***

Notas: ***** Concertino **** Ayuda de Concertino *** Principal ** Principal-Asistente * Coprincipal MÚSICOS INVITADOS PARA

ESTE PROGRAMA

VIOLIN I

Joanna Wronko*****

Sara Areal Martínez Paloma García Fernández de Usera Virginia González Leondhart

VIOLIN II

Elías Lleó Pérez-Abadín Clara Vázquez Ledesma

VIOLA

Inés Picado Molares

VIOLONCHELO

Virginia del Cura Miranda

CONTRABAJO

Sergio González Cariñana

OBOE

Celia Olivares Pérez-Bustos*

CLARINETE

Virginia Rosalía Lis Alvárez

TROMPA

Marcos Cruz Pardeiro***

Millán Molina Varela*

TROMPETA

Iván Crespo Montoto***

Pedro Antonio Martínez López*

Jorge Martínez Méndez*

Miguel Ángel Rojo García*

TROMBÓN TENOR

David Manuel Rodríguez Álvarez*

PERCUSIÓN

Isabel Diego Calviño*

Ana Gayoso Taboada*

Noé Rodrigo Gisbert*

Irene Rodríguez Rodríguez*

Consorcio para la Promoción de la Música Inés Rey

Presidenta

Anxo M. Lorenzo

Vicepresidente

EQUIPO TÉCNICO - ADMINISTRATIVO

Andrés Lacasa Nikiforov

Gerente

Olga Dourado González

Secretaria-interventora María Salgado Porto

Jefa de gestión económica Ángeles Cucarella López

Coordinadora general

José Manuel Queijo

Jefe de producción

Javier Vizoso

Jefe de prensa y comunicación Alberto García Buño

Contable

Zita Kadar

Archivo musical

Iván Portela López

Programas didácticos

José Antonio Anido Rodríguez

Angelina Déniz García

Noelia Roberedo Secades

Administración

Inmaculada Sánchez Canosa

Gerencia y coordinación Nerea Varela

Secretaría de producción Lucía Sández Sanmartín

Prensa y comunicación

José Manuel Ageitos Calvo

Daniel Rey Campaña

Regidores

Diana Romero Vila

Auxiliar de archivo

PRÓXIMOS CONCIERTOS

Sábado 29 enero 2022 - 20h

Palacio de la Ópera de A Coruña

FERNANDO BUIDE

Tropos

ANTONÍN DVORÁK

Concierto para violonchelo en si menor, op. 104

DMITRI SHOSTAKÓVICH

Lady Macbeth von Mzensk (Suite de James Conlon) EDGAR MOREAU violonchelo KEREM HASAN director Sábado 29 enero 2022 - 12h

Palacio de la Ópera de A Coruña

CONCIERTO EN FAMILIA

Vaia circo!

CON MÚSICA DE: BIZET – RAVEL – MOZART – OFFENBACH

ODAIKO

Jueves 3 febrero 2022 - 20.30h

Auditorio de Ferrol Concierto en colaboración con la Sociedad Filarmónica Ferrolana Viernes 4 febrero 2022 - 20h

Palacio de la Ópera de A Coruña

CHRISTOPH WILLIBALD GLUCK

Orfeo ed Euridice

SARA MINGARDO mezzosoprano - Orfeo JONE MARTÍNEZ soprano - Euridice BERIT NORBAKKEN soprano - Amor

CORO DE LA OSG

JAVIER FAJARDO director del coro CARLOS MENA director Jueves 10 febrero 2022 - 20h

Auditorio Afundación de Vigo Concierto en colaboración con Afundación y la Sociedad Filarmónica de Vigo Viernes 11 febrero 2022 – 20h.

Palacio de la Ópera de A Coruña SERGUÉI RACHMÁNINOV

Concierto para piano nº 2 en do menor, op. 18

PAUL HINDEMITH

Mathis der Maler

ULADZISLAU KHANDOHI piano STANISLAV KOCHANOVSKY director Jueves 17 febrero 2022 – 20h.

Palacio de la Ópera de A Coruña Viernes 18 febrero 2022 – 20h.

Auditorio Príncipe Felipe de Oviedo

JOHANNES BRAHMS

Doble concierto en la menor, op. 102

ROBERT SCHUMANN

Sinfonía nº 4 en re menor, op. 120

CLARA JUMI-KANG violín ASIER POLO violonchelo JUANJO MENA director Entradas a la venta en entradas.abanca.com

sinfonicadegalicia.com

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El consorcio para la Promoción de la Música cuenta con la financiación de:

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Programa 11 OSG_Andres_27.01.22