TEMPORADA 30

Programa 03, viernes 22 de octubre 2021 - 20h.

S I N F Ó N I C A D E G A L I C I A

PROGRAMA 03

I

DMITRI SHOSTAKÓVICH (1906-1975)

Concierto para piano, trompeta y orquesta de cuerda en do menor, op. 35 (21’)

Allegro moderato

Lento

Moderao

Allegro con brio

II

MIECZYSŁAW WEINBERG (1919-1996)

Sinfonía de cámara nº 4, op. 153 (35’) [primera vez por la OSG]

Lento

Allegro molto – Moderato

Adagio – Meno mosso

Andantino – Doppio più lento (Adagissimo) DMITRI SHOSTAKÓVICH

Concierto para piano nº 2 en fa mayor, op. 102 (20’) [primera vez por la OSG]

Allegro

Andante

Allegro

Barry Douglas, piano*

Jerome Berwaerts, trompeta

Dima Slobodneiouk, director

*El pianista Barry Douglas sustituye al previamente anunciado Yevgeny Subdin, quien se ha visto obligado a suspender su presencia en A Coruña por enfermedad.

Palacio de la Ópera de A Coruña

Viernes, 22 de octubre de 2020 – 20h.

Notas

¿Quieres hacer el favor de callarte, por favor?

Las dictaduras mantienen complejas y ambiguas relaciones con las palabras porque las palabras pueden ser peligrosas incluso mientras esperan en la recámara de la garganta al disparo de la lengua.

Las palabras arman ideas con las que disparar: y puedes dispararte con ellas en el pie y arrui-narte así tu futuro o dar de lleno en la cabeza de alguien y cambiarle para siempre la vida y las certezas. Siempre ha habido quienes darían cualquier cosa por eliminar la existencia de algunas palabras y ponen en ello el mismo empeño con el que se intentan eliminar los plásticos y los dolores de cabeza.

A los integrantes de esa sopa de psicópatas y paletos que supervisaban el pensamiento, la palabra, la obra y la omisión del pueblo soviético no les gustaban muchas palabras, gran cantidad de ideas no afines y, en muchas ocasiones, tampoco Shostakóvich, Dimitri, a quien no permitían hablar de nada más allá de lo admitido en el guion oficial. Por lo demás, y salvo determinadas y muy significativas ocasiones, lo único que se esperaba de él es que perma-neciese callado.

Las ocasiones en las que habló, Shostakóvich lo hizo con las palabras que el régimen le había prestado días antes para decir lo que tenía que decir y ahora quieres hacer el favor de callarte, por favor, si no te quieres perder de camino a casa.

Shostakóvich dijo casi siempre lo que de él se esperaba para a continuación callarse y seguir a sus cosas. Esta supuesta falta de compromiso moral y/o ético de Shostakóvich es algo que, por lo general, la musicología –que tampoco es una ciencia real pero que, en cambio, cuida mucho de todas sus palabras– no deja de recordarnos una y otra vez, aunque casi nadie haya preguntado nunca por ello y a otros simplemente no nos importe. A la musicología le habría gustado mucho más un Shostakóvich mitológico que hubiese militado en la defensa de la libertad –sección comprometida, apartado transversal– y que arriesgara mucho, su vida o la de quien hiciese falta, en la línea comprometida de esas tesis doctorales subversivas, socialmente comprometidas y muy valientes escritas al cobijo de sociedades opulentas cuyo etnocentrismo, por otra parte, la propia musicología y la sociología –y cualquier día también la odontología– no dejan de denunciar.

El periodismo musical de vuela tecla y programita impreso, en cambio, gusta de referirse a Shostakóvich, Dimitri, como si de una especie mitológica también se tratase y que se dedi-cara a sembrar su música de disidencia ideológica.

Al final, Shostakóvich es como esos huevos del desayuno a los que el propio Dimitri se refería para describir el trabajo de los musicólogos y que extendemos aquí a quienes hablamos en un lado u otro de todo esto: no los hemos cocinado, no los hemos comido, pero no deja-mos de hablar de ellos.

De qué hablamos cuando hablamos de Shostakóvich Por lo general se habla de Shostakóvich y se escribe sobre Shostakóvich como si Shostakóvich jamás hubiese escrito música y lo único que interesase de él fuesen las pruebas inculpatorias que lo señalan bien como parásito, bien como entusiasta colaboracionista de una dictadura atroz.

A Shostakóvich se le juzga más por lo que dijo –o dejó de decir, o dejó de hacer– que por su música, que por otra parte no es más que otra forma de ficción –una asombrosa forma de ficción– en la que está todo lo que en realidad Shostakóvich tenía que decir. A día de hoy, los juicios sumarísimos contra Shostakóvich están presididos por quienes lo más peligroso a lo que han asistido a lo largo de sus vidas fue aquella vez en la que no llegaron a tiempo a una subvención o aquella aventura en la que una grapa saltó como un tigre furioso al ojo derecho cuando alguien intentaba grapar a papel abierto los justificantes de los gastos de un último congreso.

Con la obra de Shostakóvich sucede algo parecido a lo que en una ocasión relató Nikolái Gógol sobre la suya: Gógol había recibido una tarde la visita de Pushkin. Hasta bien entrada la madrugada leyó los primeros capítulos de su novela Almas muertas a su buen amigo.

Cuando terminó la lectura, Pushkin exclamó «¡Dios mío! ¡Qué triste es nuestra Rusia!». Gógol entendió que Pushkin no había advertido que todo aquello «¡no era más que invención…!»

Los dos conciertos para piano de Shostakóvich pueden servir como muestra de la perenne y feroz contradicción del Shostakóvich y lo que viene siendo, en realidad, su forma de invención:

El primer concierto para piano y orquesta ni es un concierto para piano, ni está escrito para orquesta –de la que únicamente deja con vida en la partitura lo que viene siendo la sección de las cuerdas– ni semeja ser lo que se espera de un primer acercamiento al género. No cabe imaginar mejor ejemplo del principio de contradicción que anima a todo Shostakóvich: El primer concierto para piano (de 1933) –y que pretendía ser para trompeta hasta que la idea del piano se le apareció ahí en medio como una avispa desplazando la hora de la sies-ta– parecería el segundo por invención y audacia, mientras el segundo (de 1957), tan formal y correcto y sin el riesgo de la aventura, tiene toda la pinta de ser un primero.

En cuatro movimientos, el Concierto para piano, trompeta y orquesta de cuerdas está escrito tras el fiasco de La nariz –por cierto: sobre un relato de Gógol que, junto con Músorgski, fue uno de los grandes amores de Shostakóvich. Estrenado por el propio compositor como solista y con la Filarmónica de Leningrado, el concierto está sembrado de desolación y melancolía, citas de Beethoven y Bach y referencias al jazz, y culmina en un movimiento en el que parece que todo el escenario se ha llenado de avispas.

A la originalidad y la chispa de este primer trabajo concertístico para el piano contrapone un montón de años más tarde su Segundo concierto para piano y orquesta, ideado para que su hijo Maxim de diecinueve años lo estrenase en el Conservatorio de Moscú.

La obra es sencilla y directa, sin complicaciones para su hijo y también parece escrita para agrado del público que, por lo general, no suele estar para muchas tonterías. Se abre con un alegre Allegro (si vale de algo la redundancia en estos casos) escrito en forma sonata, le sigue un Andante onírico o romántico según quien lo describa y finaliza en lo que viene siendo la estampida alegre de un rondó.

Mieczysław Weinberg y el canal del sufrimiento Hay seres que pese a su extraordinaria mala suerte jamás hacen ostentación de ella. Tener muy mala suerte y no presumirla por ahí supone un gran triunfo de la voluntad (y por muy malas referencias que tenga semejante expresión) para no sucumbir a la tentación de dar pena y mostrar al mundo que al menos eres el mejor en algo, aunque solo sea en tu extraordinaria capacidad para fracasar a lo grande.

Pero lo de Mieczysław Weinberg traspasa lo que cualquiera de nosotros podría considerar como mala suerte: ser un judío polaco en 1939 –el año en el que a Adolf Hitler le entraron ganas de invadir Polonia tras interminables sesiones escuchando a Richard Wagner– podría considerarse el colmo de la desdicha si no fuese porque, además, en su huida apresurada de Varsovia perdió a sus padres y a su hermana por la insoportable levedad de unos cordones mal atados. Ellos murieron asesinados poco más tarde en un campo de concentración nazi mientras él había conseguido asilo en la Unión Soviética, que entonces parecía el último muro de contención frente al monstruo teutón y el colmo de la esperanza y la libertad.

Y si ya era una desdicha ser judío y polaco en la Polonia de 1939, las cosas no mejoraron para Weinberg tras el fin de la Segunda Guerra Mundial: a finales de los cuarenta, los judíos fueron acusados de traición y pasaron a considerarse como los nuevos apestados del régimen estalinista, que comenzó a ponerles las cosas realmente difíciles: arrestos con torturas en los interrogatorios, juicios sumarísimos, condenas a muerte, deportaciones…

Pese a las dificultades, Weinberg no se sentó en un rincón a lamerse las heridas y a lamentar su excelente mala suerte. Tampoco puso en marcha un Canal del Sufrimiento 24 horas convirtiendo toda su obra en mire usted pero qué vida llevo.

Lo único que hizo Weinberg fue escribir su música con mayor o con menor acierto. Y aunque no abrió el Canal del Sufrimiento, sí dejó para la penúltima de sus obras una suerte de reflexión sobre lo que fue toda su vida. Se trata de la Sinfonía de cámara nº 4.

Al lado del rascacielos de la obra de su amigo Shostakóvich, Dimitri, la obra de Weinberg podría parecer poco más que una pequeña vivienda unifamiliar con jardín adosado. Pero nada más alejado de la realidad y esta Sinfonía de cámara nº 4, su penúltima obra, es una prueba no solo de ello si no de que uno puede adaptarse a los cambios porque es un río y al mismo tiempo no desfallecer porque su naturaleza es la naturaleza de la roca.

Señala Weinberg que la obra –compuesta en Moscú como una especie de suspiro entre el 30 de abril y el 12 de mayo de 1992– es algo así como un resumen de su vida: desde su primera sinfonía, una especie de coral lo había acompañado a lo largo de su vida y durante todo el tiempo: «me dije a mí mismo que Dios se encuentra en todas partes».

Tal vez por ello hay un clarinete que deambula como un funámbulo a lo largo de toda la sinfonía que se inicia precisamente con unos corales y que transita, sin solución de continuidad, por la duda, la introspección, el diálogo y el recogimiento para, finalmente, alcanzar la paz serena de quien, pese a todo, descansa en la palabra de aquel que «se encuentra en todas partes».

Javier Vizoso

Notas (Galego)

Queres facer o favor de calar, por favor?

As ditaduras manteñen complexas e ambiguas relacións coas palabras porque as palabras poden ser perigosas mesmo mentres agardan na recámara da gorxa o disparo da lingua.

As palabras arman ideas coas que disparar: e podes dispararte con elas no pé e arruinar así o teu futuro ou dar de cheo na cabeza de alguén e cambiarlle para sempre a vida e as certezas. Sempre houbo os que darían calquera cousa por eliminar a existencia dalgunhas palabras e poñen niso o mesmo empeño co que se intentan eliminar os plásticos e as dores de cabeza.

Aos integrantes desa sopa de psicópatas e paifocos que supervisaban o pensamento, a palabra, a obra e a omisión do pobo soviético non lles gustaban moitas palabras, gran cantidade de ideas non afíns e, en moitas ocasións, tampouco Xostacóvich, Dimitri, a quen non permitían falar de nada máis alá do admitido no guión oficial. Polo demais, e agás determinadas e moi significativas ocasións, o único que se esperaba del era que permanecese calado.

As ocasións nas que falou, Xostacóvich fíxoo coas palabras que o réxime lle prestara días antes para dicir o que tiña que dicir e agora queres facer o favor de calar, por favor, se non te queres perder de camiño á casa.

Xostacóvich dixo case sempre o que del se agardaba para a continuación calar e seguir ás súas cousas. Esta suposta falta de compromiso moral e/ou ético de Xostacóvich é algo que, polo xeral, a musicoloxía –que tampouco é unha ciencia real pero que, pola contra, coida moito de todas as súas palabras– non deixa de recordarnos unha e outra vez, aínda que case ninguén preguntase nunca por iso e a outros simplemente non nos importe. Á musicoloxía teríalle gustado moito máis un Xostacóvich mitolóxico que militase na defensa da liberdade –sección comprometida, apartado transversal– e que arriscase moito, a súa vida ou a de quen fixese falta, na liña comprometida desas teses de doutoramento subversivas, socialmente comprometidas e moi valentes escritas ao abeiro de sociedades opulentas cuxo etnocentrismo, doutra banda, a propia musicoloxía e a socioloxía –e calquera día tamén a odontoloxía– non deixan de denunciar.

O xornalismo musical de voa tecla e programiña impreso, pola contra, gusta de se referir a Xostacóvich, Dimitri, como se dunha especie mitolóxica tamén se tratase e que se dedicase a sementar a súa música de disidencia ideolóxica.

Ao final, Xostacóvich é coma eses ovos do almorzo aos que o propio Dimitri se refería para describir o traballo dos musicólogos e que espallamos aquí aos que falamos nun lado ou noutro de todo isto: non os cociñamos, non os comemos, mais non deixamos de falar deles.

De que falamos cando falamos de Xostacóvich Polo xeral fálase de Xostacóvich e escríbese sobre Xostacóvich coma se Xostacóvich endexa-mais escribise música e o único que interesase del fosen as probas inculpatorias que o sina-lan ben como parasito, ben como entusiasta colaboracionista dunha ditadura atroz.

A Xostacóvich xúlgaselle máis polo que dixo –ou deixou de dicir, ou deixou de facer– que pola súa música, que doutra banda non é máis ca outra forma de ficción –unha abraiante forma de ficción– na que está todo o que en realidade Xostacóvich tiña que dicir. Na actua-lidade, os xuízos sumarísimos contra Xostacóvich están presididos por aqueles que o máis perigoso ao que asistiron ao longo das súas vidas foi aquela vez na que non chegaron a tempo a unha subvención ou aquela aventura na que unha grampa saltou coma un tigre furioso ao ollo dereito cando alguén intentaba grampar a papel aberto os xustificantes dos gastos dun último congreso.

Coa obra de Xostacóvich acontece algo parecido ao que nunha ocasión relatou Nikolái Gógol sobre a súa: Gógol recibira unha tarde a visita de Pushkin. Ata ben entrada a madrugada leulle os primeiros capítulos da súa novela Almas mortas ao seu bo amigo. Cando rematou a lectura, Pushkin exclamou «Meu Deus! Que triste é a nosa Rusia!». Gógol entendeu que Pushkin non advertira que todo aquilo «non era máis que invención…!»

Os dous concertos para piano de Xostacóvich poden servir como mostra da perenne e feroz contradición do Xostakóvich e o que vén sendo, en realidade, a súa forma de invención: O primeiro concerto para piano e orquestra nin é un concerto para piano, nin está escrito para orquestra –da que unicamente deixa con vida na partitura o que vén sendo a sección das cordas– nin semella ser o que se espera dun primeiro achegamento ao xénero. Non cabe imaxinar mellor exemplo do principio de contradición que anima a todo Xostacóvich: O primeiro concerto para piano (de 1933) –e que pretendía ser para trompeta ata que a idea do piano se lle apareceu alí no medio coma unha avespa desprazando a hora da sesta– parecería o segundo por invención e audacia, mentres o segundo (de 1957), tan formal e correcto e sen o risco da aventura, ten toda a pinta de ser un primeiro.

En catro movementos, o Concerto para piano, trompeta e orquestra de cordas está escrito logo do fiasco do título O nariz –por certo: sobre un relato de Gógol que, xunto con Músorgski, foi un dos grandes amores de Xostacóvich. Adestrado polo propio compositor como solista e coa Filharmónica de Leningrado, o concerto está cheo de desolación e melancolía, citas de Beethoven e Bach e referencias ao jazz, e culmina nun movemento no que semella que todo o escenario se encheu de avespas.

Á orixinalidade e mais á chispa deste primeiro traballo de concerto para o piano contrapón unha morea de anos máis tarde o seu Segundo concerto para piano e orquestra, ideado para que o seu fillo Maxim de dezanove anos o estrease no Conservatorio de Moscova.

A obra é sinxela e directa, sen complicacións para o seu fillo e tamén semella escrita para agrado do público que, polo xeral, non adoita estar para moitas parvadas. Ábrese cun alegre Allegro (se vale de algo a redundancia nestes casos) escrito en forma sonata, séguelle un Andante onírico ou romántico segundo quen o describa e finaliza no que vén sendo a des-bandada alegre dun rondó.

Mieczysław Weinberg e a canle do sufrimento Hai seres que malia a súa extraordinaria mala sorte xamais fan ostentación dela. Ter moi mala sorte e non presumila por aí supón un gran triunfo da vontade (e por moi malas referencias que teña semellante expresión) para non sucumbir á tentación de dar pena e mos-trarlle ao mundo que cando menos es o mellor en algo, aínda que só sexa na túa extraordinaria capacidade para fracasar ao grande.

Pero o de Mieczysław Weinberg traspasa o que calquera de nós podería considerar como mala sorte: ser un xudeu polaco en 1939 –o ano no que a Adolf Hitler lle entraron ganas de invadir Polonia logo de interminables sesións escoitando a Richard Wagner– podería considerarse o colmo da desdita se non fose porque, ademais, na súa fuxida apresurada de Varsovia perdeu os seus pais e a súa irmá pola insoportable levidade duns amallós mal atados.

Eles morreron asasinados pouco máis tarde nun campo de concentración nazi mentres el conseguira asilo na Unión Soviética, que daquela semellaba o derradeiro muro de contención fronte ao monstro teutón e o colmo da esperanza e da liberdade.

E se xa era unha desdita ser xudeu e polaco na Polonia de 1939, as cousas non melloraron para Weinberg tras a fin da Segunda Guerra Mundial: a finais dos corenta, os xudeus foron acusados de traizón e pasaron a se considerar como os novos apestados do réxime stalinista, que comezou a poñerlles as cousas realmente difíciles: arrestos con torturas nos interrogatorios, xuízos sumarísimos, condenas á morte, deportacións…

Malia as dificultades, Weinberg non sentou nun recuncho a lamber as feridas e a lamentar a súa excelente mala sorte. Tampouco puxo en marcha unha Canle do Sufrimento 24 horas convertendo toda a súa obra en mire vostede que vida levo.

O único que fixo Weinberg foi escribir a súa música con maior ou con menor acerto. E aínda que non abriu a Canle do Sufrimento, si deixou para a penúltima das súas obras unha especie de reflexión sobre o que foi toda a súa vida. Trátase da Sinfonía de cámara nº 4.

Ao carón do rañaceos da obra do seu amigo Xostacóvich, Dimitri, a obra de Weinberg podería parecer pouco máis ca unha pequena vivenda unifamiliar con xardín pegado. Pero nada máis afastado da realidade e esta Sinfonía de cámara nº 4, a súa penúltima obra, é unha proba non só diso senón de que un se pode adaptar aos cambios porque é un río e ao mesmo tempo non desfalecer porque a súa natureza é a natureza da rocha.

Sinala Weinberg que a obra –composta en Moscova como unha especie de suspiro entre o 30 de abril e o 12 de maio de 1992– é algo así coma un resumo da súa vida: desde a súa pri-meira sinfonía, unha especie de coral acompañárao ao longo da súa vida e durante todo o tempo: «díxenme a min mesmo que Deus se atopa en todas partes».

Se cadra por iso hai un clarinete que deambula coma un funámbulo ao longo de toda a sinfonía que se inicia precisamente cuns corais e que transita, sen solución de continuidade, pola dúbida, a introspección, o diálogo e o recollemento para, finalmente, acadar paz serena de quen, malia todo, descansa na palabra daquel que «se atopa en todas partes».

Javier Vizoso

DIMA SLOBODENIOUK

Director

Alabado por su inteligente liderazgo artístico, Dima Slobodeniouk ocupa el cargo de director titular de la Orquesta Sinfónica de Galicia desde 2013, puesto que combina con sus más recientes compromisos como director de la Orquesta Sinfónica de Lahti y director artístico del Festival Sibelius tras su nombramiento en 2016. Vinculando sus raíces rusas nativas con la influencia cultural de su tierra natal —Finlandia—, se apoya en el poderoso patrimonio musical de ambos países.

Trabaja además con orquestas como la Filarmónica de Berlín, Gewandhausorchester de Leipzig, Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, Rundfunk-Sinfonieorchester de Berlín, ORF Radio-Symphonieorchester de Viena, Orquesta Filarmónica de Londres, Orquesta Sinfónica de Londres, Orquesta Sinfónica de la Radio Finlandesa, Orquesta Filarmónica de Rotterdam, las orquestas sinfónicas de Chicago, Houston y Baltimore, así como la Orquesta Sinfónica de Sídney.

La discografía de Slobodeniouk se amplió recientemente con grabaciones de las suites de Prokófiev con la Orquesta Sinfónica de Lahti, con la que previamente había grabado las obras de Kalevi Aho (BIS), recibiendo este último trabajo el premio BBC Music Magazine 2018. Ha grabado obras de Stravinski con la Orquesta Sinfónica de Galicia (BIS), Perttu Haapanen y Lotta Wennäkoski con la Orquesta Sinfónica de la Radio Finlandesa (Ondine) y obras de Sebastian Fagerlund con la Orquesta Sinfónica de Gotemburgo (BIS).

Dima Slobodeniouk, nacido en Moscú, estudió violín en la Escuela Central de Música de Moscú con Zinaida Gilels y Jevgenia Chugajev; en el Conservatorio de Finlandia Central así como en la Academia Sibelius con Olga Parhomenko. Sus estudios de dirección continuaron con Atso Almila bajo la guía de Leif Segerstam y Jorma Panula en la Academia Sibelius, y también estudió con Ilya Musin y Esa-Pekka Salonen. En su afán por inspirar a los jóvenes músicos del futuro, Slobodeniouk ha trabajado en los últimos años con estudiantes en la Academia del Festival Verbier y, además, comenzó una iniciativa de dirección de orquesta con la Sinfónica de Galicia, brindando una oportunidad para que los estudiantes trabajen en el podio con una orquesta profesional.

DIMA SLOBODENIOUK

Director

Loado polo seu intelixente liderado artístico, Dima Slobodeniouk ocupa o cargo de director titular da Orquestra Sinfónica de Galicia desde 2013, posto que combina cos seus máis recentes compromisos como director da Orquestra Sinfónica de Lahti e director artístico do Festival Sibelius tras o seu nomeamento en 2016. Vinculando as súas raíces rusas nativas coa influencia cultural da súa terra natal —Finlandia—, apóiase no poderoso patrimonio musical de ambos os dous países.

Traballa ademais con orquestras como a Filharmónica de Berlín, a Gewandhausorchester de Leipzig, a Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, a Rundfunk-Sinfonieorchester de Berlín, a ORF Radio-Symphonieorchester de Viena, a Orquestra Filharmónica de Londres, a Orquestra Sinfónica de Londres, a Orquestra Sinfónica da Radio Finlandesa, a Orquestra Filharmónica de Rotterdam, as orquestras sinfónicas de Chicago, Houston e Baltimore, así como a Orquestra Sinfónica de Sidney.

A discografía de Slobodeniouk ampliouse recentemente con gravacións das suites de Prokófiev coa Orquestra Sinfónica de Lahti, coa que previamente gravara as obras de Kalevi Aho (BIS), traballo que recibiu o premio BBC Music Magazine 2018. Gravou obras de Stra-vinsqui coa Orquestra Sinfónica de Galicia (BIS), Perttu Haapanen e Lotta Wennäkoski coa Orquestra Sinfónica da Radio Finlandesa (Ondine) e obras de Sebastian Fagerlund coa Orquestra Sinfónica de Gotemburgo (BIS).

Dima Slobodeniouk, nado en Moscova, estudou violín na Escola Central de Música de Moscova con Zinaida Gilels e Jevgenia Chugajev; no Conservatorio de Finlandia Central así como na Academia Sibelius con Olga Parhomenko. Os seus estudos de dirección continuaron con Atso Almila baixo a guía de Leif Segerstam e Jorma Panula na Academia Sibelius, e tamén estudou con Ilya Musin e Esa-Pekka Salonen. No seu afán por inspirar os mozos músicos do futuro, Slobodeniouk traballou nos últimos anos con estudantes na Academia do Festival Verbier e, ademais, comezou unha iniciativa de dirección de orquestra coa Sinfónica de Galicia, que brinda unha oportunidade para que os estudantes traballen no podio cunha orquestra profesional.

BARRY DOUGLAS

Piano

Barry Douglas disfruta de una excepcional carrera internacional desde que en 1986 ganó la medalla de oro en el Concurso Chaikovski de Moscú. Como director artístico de Camerata Ireland y del Clandeboye Festival, continúa celebrando su ascendencia irlandesa, a la vez que mantiene un ocupado calendario de giras internacionales.

En enero de 2021, Barry Douglas fue nombrado Comandante de la Orden del Imperio Británico por sus servicios a la música y las relaciones comunitarias en la 2021 New Year Honours List.

Recientemente, Barry actuó con numerosas orquestas entre las que se incluyen la London Symphony, St. Petersburg Philharmonic, las orquestas sinfónicas Russian National, Vancou-ver y Colorado así como la Halle Orchestra. En la temporada 16/17, Barry conmemoró el 30

aniversario de su Medalla de Oro en el Concurso Internacional Tchaikovsky con ciclos de todos los Conciertos para piano Tchaikovsky con la RTÉ National Symphony Orchestra en Dublín y la Ulster Orchestra en Belfast. También reconocido por su labor de promoción del repertorio contemporáneo, interpretó el estreno del cuarto concierto para piano de Kevin Volans con el Birmingham Contemporary Music Group y el estreno europeo del Concierto para piano de Penderecki.

Dentro de sus apariciones recientes podemos encontrar una importante gira por el Reino Unido con la Russian State Symphony Orchestra, y actuaciones con las orquestas sinfónica de RTVE, Barcelona y Sydney, así como una continuación de su colaboración con el Borodin String Quartet, Barry Douglas es un pianista solista y músico de cámara muy solicitado lo que le ha llevado a ofrecer conciertos en todo el mundo; desde el Royal Albert Hall, Barbican

y Wigmore Hall o el Verbier Festival hasta la Forbidden City Concert Hall en Beijing, el Gran Teatro de Shanghai y otras ciudades de China.

Anteriormente actuó con las orquestas BBC Scottish Symphony, London Symphony, Cin-cinnati Symphony, Singapore Symphony, Berlin Radio Symphony, Staatskapelle, Halle, Or-chestre National de France, Seattle Symphony, Melbourne Symphony, Royal Liverpool Philharmonic y Hong Kong Philharmonic, entre otras.

Barry es un artista en exclusividad del sello Chandos. Recientemente concluyó la grabación de la obra completa para piano de Brahms. International Record Review publicó: ”this is indeed Brahms playing of the utmost integrity and authority... this cycle looks set to become a benchmark version”. Su actual proyecto de grabación se centra en la obra completa para piano solo de Schubert y Tchaikovsky. También con Chandos, Barry está explorando la música folk irlandesa con sus propios arreglos, trabajando con melodías antiguas a través de piezas de escritores de canciones contemporáneos.

Barry Douglas fundó Camerata Ireland en 1999 para celebrar y cultivar lo mejor de los músicos jóvenes tanto de Irlanda del Norte como de la República de Irlanda. Además de la búsqueda de la excelencia musical, uno de los objetivos de la orquesta es promover el proceso de paz en Irlanda, favoreciendo el diálogo y la colaboración a través de sus programas de educación musical. Barry realiza regularmente giras por todo el mundo con Camerata Ireland. Algunos de los acontecimientos más destacados de temporadas pasadas fueron el debut de Camerata Ireland en los BBC Proms de Londres y un estreno mundial de una nueva cantata encargada por The Honourable The Irish Society, “At Sixes and Sevens”, junto a la London Symphony Orchestra para celebrar que Derry - Londonderry se convirtió en la Ciudad de la Cultura 2013.

Barry Douglas recibió la Orden del Imperio Británico (OBE) en la 2002 New Year’s Honours List por sus servicios a la música.

BARRY DOUGLAS

Piano

Barry Douglas goza dunha excepcional carreira internacional desde que en 1986 gañou a medalla de ouro no Concurso Chaikovski de Moscova. Como director artístico de Camerata Ireland e do Clandeboye Festival, continúa a celebrar a súa ascendencia irlandesa, á vez que mantén un ocupado calendario de xiras internacionais.

En xaneiro de 2021, Barry Douglas foi nomeado Comandante da Orde do Imperio Británico polos seus servizos á música e as relacións comunitarias na 2021 New Year Honours List.

Recentemente, Barry actuou con numerosas orquestras entre as que se inclúen a London Symphony, a St. Petersburg Philharmonic, as orquestras sinfónicas Russian National, a Van-couver e mais a Colorado así como a Halle Orchestra. Na temporada 16/17, Barry conme-morou o 30 aniversario da súa Medalla de Ouro no Concurso Internacional Tchaikovsky con ciclos de todos os Concertos para piano Tchaikovsky coa RTÉ National Symphony Orchestra en Dublín e a Ulster Orchestra en Belfast. Tamén recoñecido polo seu labor de promoción do repertorio contemporáneo, interpretou a estrea do cuarto concerto para piano de Kevin Volans co Birmingham Contemporary Music Group e a estrea europea do Concerto para piano de Penderecki.

Dentro das súas aparicións recentes podemos atopar unha importante xira polo Reino Unido coa Russian State Symphony Orchestra e actuacións coas orquestras sinfónicas de RTVE, Barcelona e Sydney, así como unha continuación da súa colaboración co Borodin String Quartet, Barry Douglas é un pianista solista e músico de cámara moi solicitado o que o levado a ofrecer concertos en todo o mundo; desde o Royal Albert Hall, Barbican e Wigmore Hall ou o Verbier Festival ata a Forbidden City Concert Hall en Beijing, o Gran Teatro de Shanghai e outras cidades da China.

Anteriormente actuou coas orquestras BBC Scottish Symphony, London Symphony, Cincin-nati Symphony, Singapore Symphony, Berlin Radio Symphony, Staatskapelle, Halle, Orches-tre National de France, Seattle Symphony, Melbourne Symphony, Royal Liverpool Philharmonic e Hong Kong Philharmonic, entre outras.

Barry é un artista en exclusividade do selo Chandos. Recentemente concluíu a gravación da obra completa para piano de Brahms. International Record Review publicou: “this is indeed Brahms playing of the utmost integrity and authority... this cycle looks set to become a benchmark version”. O seu actual proxecto de gravación céntrase na obra completa para piano solo de Schubert e Chaicovsqui. Tamén con Chandos, Barry está a explorar a música folk irlandesa cos seus propios arranxos, traballando con melodías antigas a través de pezas de escritores de cancións contemporáneos.

Barry Douglas fundou Camerata Ireland en 1999 para celebrar e cultivar o mellor dos músicos novos tanto de Irlanda do Norte como da República de Irlanda. Ademais da procura da excelencia musical, un dos obxectivos da orquestra é promover o proceso de paz en Irlanda, favorecendo o diálogo e a colaboración a través dos seus programas de educación musical.

Barry realiza con regularidade xiras por todo o mundo con Camerata Ireland. Algúns dos acontecementos máis destacados de temporadas pasadas foron o debut de Camerata Ireland nos BBC Proms de Londres e unha estrea mundial dunha nova cantata encargada por The Honourable The Irish Society, “At Sixes and Sevens”, xunto a London Symphony Orchestra para celebrar que Derry - Londonderry se converteu na Cidade da Cultura 2013.

Barry Douglas recibiu a Orde do imperio Británico (OBE) na 2002 New Year’s Honours List polos seus servizos á música.

JEROEN BERWAERTS

Trompeta

El trompetista belga Jeroen Berwaerts tiene una gran fuerza musical. Su amor por la música lo abarca todo y no conoce fronteras. Alabado por sus destacadas capacidades técnicas y sensible musicalidad, su repertorio abarca todas las épocas, desde el barroco hasta la música contemporánea y jazz.

Berwaerts ha colaborado con importantes orquestas como la Sinfónica NHK, Sinfónica de Viena, Konzerthausorchester de Berlín, NDR Symphony Orchestra o la Orquesta Filarmónica de Estrasburgo y Luxemburgo, con directores como Alan Gilbert, Yakov Kreizberg, Jun Märkl y Matthias Pintscher. Es un invitado habitual de grandes festivales como el Festival de Música de Schleswig-Holstein, Niedersächsische Musiktage, Festival Internacional de Takefu de Música en Japón, Ars Musica en Bélgica, Festspiele Mecklenburg-Vorpommern y Festival de música de Rheingau.

Renovar el repertorio habitual para trompeta con programas ingeniosos y en contextos in-usuales se ha convertido en una de sus señas de identidad. Un claro ejemplo de este tipo de programas es la combinación de Música para los Reales Fuegos artificiales con danzas de la ópera Dardarus de Rameau con canciones de Jacques Brel. Los papeles de canto en estos programas son asumidos, por lo general, por él mismo, pues además de su activa carrera como trompetista, Berwaerts completó estudios vocales de jazz en el Real Conservatorio de Gante.

Su extraordinario compromiso con la música contemporánea es evidente en el número de estrenos mundiales que ha ofrecido, incluido el concierto para trompeta Im Nebel, de Toshio Hosokawa, Im Nebel y Carnevale de Francesco Filidei. Después de Håkan Hardenberger fue el segundo trompetista del mundo en añadir Busking (2007), de HK Gruber, a su repertorio.

La temporada pasada interpretó Nigredo: The Dark Night of the Soul de Tobias Broström por tercera vez junto con Håkan Hardenberger y la Orquesta Sinfónica de la Radio Sueca bajo la dirección de Daniel Harding. Entre otros compromisos destacados figuran su aparición en el Ludwigsburger Schlossfestspiele así como conciertos con el Ensemble Resonanz y Alexander Melnikov en el Elbphilharmonie Hamburg y en la Pierre Boulez Saal en Berlín.

Sus principales compromisos para la presente temporada le llevarán a la Orquesta de Cámara de Múnich, la Sinfónica de Bochum Orchestra y la WDR Radio House Orchestra, entre otras.

La discografía de Jeroen Berwaerts incluye Signals from Heaven, grabada con Salaputia Brass, donde es trompetista, vocalista de jazz así como director del conjunto. Su grabación de la Sonata para trompeta de Hindemith con Alexander Melnikov fue publicada en Harmonia Mundi en 2015. En 2012 grabó el Concierto para piano, trompeta y orquesta de Shostakóvich con la Mahler Chamber Orchestra y bajo la dirección de Teodor Currentzis. Ese mismo año grabó Voyage VII de Toshio Hosokawa con la Filarmónica de Luxemburgo.

Berwaerts estudió con el célebre virtuoso Reinhold Friedrich en Karlsruhe. Desde 2008 es profesor de trompeta en la Hochschule für Musik de Hannover. También es profesor residente en la Royal Academy of Music de Londres y artista oficial de Yamaha.

JEROEN BERWAERTS

Trompeta

O trompetista belga Jeroen Berwaerts ten unha gran forza musical. O seu amor pola música abrángueo todo e non coñece fronteiras. Loado polas súas destacadas capacidades técnicas e sensible musicalidade, o seu repertorio abrangue todas as épocas, desde o barroco ata a música contemporánea e jazz.

Berwaerts colaborou con importantes orquestras como a Sinfónica NHK, a Sinfónica de Viena, a Konzerthausorchester de Berlín, a NDR Symphony Orchestra ou a Orquestra Filharmónica de Estrasburgo e Luxemburgo, con directores como Alan Gilbert, Yakov Kreizberg, Jun Märkl e Matthias Pintscher. É un convidado habitual de grandes festivais como o Festival de Música de Schleswig-Holstein, o Niedersächsische Musiktage, o Festival Internacional de Takefu de Música no Xapón, o Ars Musica en Bélxica, o Festspiele Mecklenburg-Vorpommern e mais o Festival de música de Rheingau.

Renovar o repertorio habitual para trompeta con programas enxeñosos e en contextos nada usuais converteuse nun dos seus sinais de identidade. Un claro exemplo deste tipo de programas é a combinación de Música para os Reais Fogos artificiais con danzas da ópera Dardarus de Rameau con cancións de Jacques Brel. Os papeis de canto nestes programas son asumidos, polo xeral, por el mesmo, pois ademais da súa activa carreira como trompetista, Berwaerts completou estudos vocais de jazz no Real Conservatorio de Gante.

O seu extraordinario compromiso coa música contemporánea é evidente no número de estreas mundiais que ofreceu, incluído o concerto para trompeta Im Nebel, de Toshio Hosokawa, Im Nebel e Carnevale de Francesco Filidei. Despois de Håkan Hardenberger foi o segundo trompetista do mundo en engadir Busking (2007), de HK Gruber, ao seu repertorio.

A temporada pasada interpretou Nigredo: The Dark Night of the Soul de Tobias Broström por terceira vez xunto con Håkan Hardenberger e a Orquestra Sinfónica da Radio Sueca

baixo a dirección de Daniel Harding. Entre outros compromisos destacados figuran a súa aparición no Ludwigsburger Schlossfestspiele así como concertos co Ensemble Resonanz e Alexander Melnikov no Elbphilharmonie Hamburg e mais na Pierre Boulez Saal en Berlín.

Os seus principais compromisos para a presente temporada levarano á Orquestra de Cámara de Múnic, á Sinfónica de Bochum Orchestra e mais á WDR Radio House Orchestra, entre outras.

A discografía de Jeroen Berwaerts inclúe Signals from Heaven, gravada con Salaputia Brass, onde é trompetista, vocalista de jazz así como director do conxunto. A súa gravación da Sonata para trompeta de Hindemith con Alexander Melnikov foi publicada en Harmonia Mundi en 2015. En 2012 gravou o Concerto para piano, trompeta e orquestra de Xostacóvich coa Mahler Chamber Orchestra e baixo a dirección de Teodor Currentzis. Ese mesmo ano gravou Voyage VII de Toshio Hosokawa coa Filharmónica de Luxemburgo.

Berwaerts estudou co célebre virtuoso Reinhold Friedrich en Karlsruhe. Desde 2008 é profesor de trompeta na Hochschule für Musik de Hannover. Tamén é profesor residente na Royal Academy of Music de Londres e artista oficial de Yamaha.

Miembros de la OSG

ORQUESTA SINFÓNICA

DE GALICIA

VIOLINES I

Massimo Spadano*****

Ludwig Dürichen****

Vladimir Prjevalski****

Iana Antonyan

Ruslan Asanov

Caroline Bournaud

Gabriel Bussi

Carolina Mª Cygan Witoslawska

Dominica Malec Andruszkiewicz

Dorothea Nicholas

Mihai Andrei Tanasescu Kadar

Stefan Utanu

Florian Vlashi

Roman Wojtowicz

VIOLINES II

Fumika Yamamura***

Adrián Linares Reyes***

Gertraud Brilmayer

Lylia Chirilov

Marcelo González Kriguer

Deborah Hamburger

Enrique Iglesias Precedo

Helle Karlsson

Gregory Klass

Stefan Marinescu

VIOLAS

Eugenia Petrova***

Francisco Miguens Regozo***

Andrei Kevorkov*

Raymond Arteaga Morales

Alison Dalglish

Despina Ionescu

Jeffrey Johnson

Jozef Kramar

Luigi Mazzucato

Karen Poghosyan

Wladimir Rosinskij

VIOLONCHELOS

Rouslana Prokopenko***

Raúl Mirás López***

Gabriel Tanasescu*

Mª Antonieta Carrasco Leiton

Berthold Hamburger

Scott M. Hardy

Florence Ronfort

Ramón Solsona Massana

CONTRABAJOS

Risto Vuolanne***

Diego Zecharies***

Todd Williamson*

Mario J. Alexandre Rodrigues

Douglas Gwynn

Jose F. Rodrigues Alexandre

FLAUTAS

Claudia Walker Moore***

Mª José Ortuño Benito**

Juan Ibáñez Briz*

OBOES

Casey Hill***

David Villa Escribano**

CLARINETES

Juan Antonio Ferrer Cerveró***

Iván Marín García**

Pere Anguera Camós*

FAGOTES

Steve Harriswangler***

Mary Ellen Harriswangler**

Alex Salgueiro *

TROMPAS

Nicolás Gómez Naval***

David Bushnell**

Manuel Moya Canós*

Amy Schimelmann*

TROMPETAS

Thomas Purdie**

Michael Halpern*

TROMBONES

Jon Etterbeek***

Eyvind Sommerfelt*

Óscar Vázquez Valiño***

TUBA

Jesper Boile Nielsen***

PERCUSIÓN

José A. Trigueros Segarra***

José Belmonte Monar**

Alejandro Sanz Redondo*

ARPA

Celine C. Landelle***

MÚSICOS INVITADOS TEMPORADA 21-22

VIOLINES I

Ángel Enrique Sánchez Marote

VIOLINES II

Natalia Cid Iriarte

Rebeca Maseda Longarela

Elena Pérez Velasco

VIOLONCHELO

Mª Victoria Pedrero Pérez

OBOE

Carolina Rodríguez Canosa*

TROMPETA

Alejandro Vázquez Lamela***

Notas:

***** Concertino

**** Ayuda de Concertino

*** Principal

** Principal-Asistente

* Coprincipal

MÚSICOS INVITADOS PARA

ESTE PROGRAMA

PERCUSIÓN

Irene Rodríguez Rodríguez***

Consorcio para la Promoción de la Música Inés Rey

Presidenta

EQUIPO TÉCNICO - ADMINISTRATIVO

Andrés Lacasa Nikiforov

Gerente

Olga Dourado González

Secretaria-interventora

María Salgado Porto

Jefa de gestión económica

Ángeles Cucarella López

Coordinadora general

José Manuel Queijo

Jefe de producción

Javier Vizoso

Jefe de prensa y comunicación

Alberto García Buño

Contable

Zita Kadar

Archivo musical

Iván Portela López

Programas didácticos

José Antonio Anido Rodríguez

Angelina Déniz García

Noelia Roberedo Secades

Administración

Inmaculada Sánchez Canosa

Gerencia y coordinación

Nerea Varela

Secretaría de producción

Lucía Sández Sanmartín

Prensa y comunicación

José Manuel Ageitos Calvo Daniel Rey Campaña

Regidores

Diana Romero Vila

Auxiliar de archivo

Montse Bonhome

Auxiliar de regidor

PRÓXIMOS CONCIERTOS

Viernes 29 octubre 2021 · Sábado 30 octubre 2021 - 20h Palacio de la Ópera de A Coruña

DMITRI SHOSTAKÓVICH

Concierto para violín nº 2, op. 129

ROGELIO GROBA

Sinfonía nº 1*

VADIM GLUZMAN violín

DIMA SLOBODENIOUK director

Jueves 11 noviembre 2021 · Viernes 12 noviembre 2021 - 20h Palacio de la Ópera de A Coruña

JEAN SIBELIUS

Rakastava, op. 14

CLARA SCHUMANN

Concierto para piano en la menor, op. 7*

RALPH VAUGHAN WILLIAMS

Sinfonía nº5 en re mayor

MARIANNA PREJEVALSKAYA piano

RUMON GAMBA director

Jueves 18 noviembre 2021 · Viernes 19 noviembre 2021 - 20h Palacio de la Ópera de A Coruña

BERND ALOIS ZIMMERMANN

Giostra Genovese*

CAMILLE SAINT-SAËNS

Concierto para piano nº 2, en sol menor, op. 22

FRANZ JOSEPH HAYDN

Sinfonía nº 60, en sol mayor, «Il distratto»

DENNIS KOZHUKHIN PIANO

NUNO COELHO director

Jueves 25 noviembre 2021 - 20h Palacio de la Ópera de A Coruña

GUSTAV MAHLER

Blumine

MAURICE RAVEL

Mi madre la Oca: 5 piezas infantiles (suite) RICHARD STRAUSS (ARR. OCHOA)

Sinfonía – Suite de «Ariadne auf Naxos»*

GIANCARLO GUERRERO director

Viernes 26 noviembre 2021 - 20h

Auditorio de Ferrol

GUSTAV MAHLER

Blumine

MAURICE RAVEL

Mi madre la Oca: 5 piezas infantiles (suite) RICHARD STRAUSS (ARR. OCHOA)

Sinfonía – Suite de «Ariadne auf Naxos»*

GIANCARLO GUERRERO director

Viernes 3 diciembre 2021 · Sábado 4 diciembre 2021 - 20h Palacio de la Ópera de A Coruña

JUAN CRISÓSTOMO DE ARRIAGA

Sinfonía en re

RALPH VAUGHAN WILLIAMS

Five Variants of Dives and Lazarus

LOUISE FARRENC

Sinfonía nº 3, en sol menor, op. 36*

CARLOS MENA director

Martes 21 diciembre 2021 - 20h Teatro Principal Ourense

PROGRAMA A DETERMINAR

JOSÉ TRIGUEROS director

Jueves 13 enero 2022 - 20h

Auditorio Ferrol

DMITRI SHOSTAKÓVICH

Concierto para violín nº 1, en la menor, op. 77

JEAN SIBELIUS

Lemminkäinen suite, op. 22*

MARÍA DUEÑAS violín

DIMA SLOBODENIOUK director

Viernes 14 enero 2022 - 20h

Palacio de la Ópera de A Coruña

DMITRI SHOSTAKÓVICH

Concierto para violín nº 1, en la menor, op. 77

JEAN SIBELIUS

Lemminkäinen suite, op. 22*

MARÍA DUEÑAS violín

DIMA SLOBODENIOUK director

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