Programa

Programa 19

FRÉDÉRIC CHOPIN (1810-1849)

Concierto para piano y orquesta nº 1, en mi menor, op. 11 (39’)

Allegro maestoso

Romance – Larghetto

Rondo – Vivace

DMITRI SHOSTAKÓVICH (1906-1975)

Sinfonía nº 9, op. 70 (27’)

Allegro

Moderato

Presto

Largo

Allegretto - Allegro

Rafal Blechacz, piano

Víctor Pablo Pérez, director

Orquesta Sinfónica de Galicia

Coliseum de A Coruña

Viernes, 9 de abril 2021 – 20h.

Notas

¿Que no hay dos sin tres?

Fryderyk Franciszek Chopin (Żelazowa Wola, Gran Ducado de Varsovia, 01.03.1810; París, 17.10.1849)

Chopin fue el segundo hijo de Nicolas Chopin y Tekla Justyna Krzyżanowska. Con 16 años (en 1787) Nicolás emigró de Francia a Polonia donde trabajaba como profesor de lengua y literatura francesa para hijos de la nobleza polaca en Żelazowa Wola, (Gran Ducado de Varsovia). También era preceptor de los hijos del conde Skarbek, en cuya casa trabajaba como gobernanta Tekla, descendiente de una familia noble venida a menos. Pocos meses después del nacimiento de Fryderyck se mudaron a Varsovia, coincidiendo con el nombramiento de Nicolas como profesor de lengua francesa en el Liceo de la ciudad. Fryderick recibió sus primeras lecciones de piano de mano de su madre, criándose junto a sus tres hermanas en un buen ambiente cultural, especialmente en el terreno de la música.

La devoción por la música de Bach de su primer profesor de piano, Wojciech Żywny, fue decisiva en la formación de Fryderyck, que compuso su primera Polonesa a los siete años, obra que en pocos meses fue seguida por unas cuantas más. En 1818 tocó su primer concierto público en el palacio de la familia Radziwill de Varsovia, adquiriendo inmediatamente fama como niño prodigio —«El pequeño Chopin» y «El segundo Mozart» lo llamaban— en los ambientes aristocráticos y musicales de la ciudad.

Las vacaciones de verano de 1824, durante sus estudios de enseñanza media en Szafarnia (Dobrzyń) en casa de un amigo, alumno de su padre, marcaron en buena medida su personalidad como compositor. Allí entró en contacto con los campesinos del lugar y la música que estos hacían dejó una profunda huella en quien habría de ser conocido en buena medida por sus composiciones basadas en esas músicas del pueblo.

Acabado el Bachillerato, ingresó en la Escuela Superior de Música de Varsovia —en aquel tiempo, una sección del Conservatorio de la ciudad— donde continuó sus estudios con Józef Elsner, quien lo liberó de las clases de piano pero a cambio fue muy exigente con él en las asignaturas de teoría. Durante este periodo escribió sus primeras grandes obras siguiendo formas clásicas como la sonata o las variaciones. La actuación de Paganini en Varsovia en mayo de 1829 le impresionó profundamente e influyó de forma decisiva en su carrera posterior como compositor e intérprete virtuoso que escribe para su propio lucimiento como tal.

Concierto para piano y orquesta en mi menor, op. 11

Chopin solo escribió dos conciertos para piano y orquesta. El Concierto en mi menor fue el segundo y último compuesto por Chopin, muy poco después del primero. La vieja costumbre de los editores de numerar las obras por el orden en que ellos las publicaban hizo que el primero que escribió —su Concierto para piano en fa menor, op. 21— fuera editado como Concierto nº 2. La orquestación de los conciertos de Chopin ha sido objeto de debate a lo largo de estos casi doscientos años: para algunos, la orquesta de Chopin en estas obras es solo un fondo sobre el que lucir sus cualidades interpretativas, pero no faltan quienes consideran que Chopin quería destacar el contraste entre esta sencillez orquestal con la complejidad armónica de la composición.

El concierto, de claro espíritu romántico, tiene una estructura firmemente clásica: el Allegro maestoso inicial, con una duración prácticamente igual a la de los dos siguientes movimientos, comienza con una larga introducción orquestal de unos cuatro minutos en la que se presentan los temas principales. Sin embargo, la exposición de estos por parte del piano y su desarrollo tienen ya toda la florida personalidad de arabescos y cambios progresivos en los temas de sus obras para piano solista.

Chopin decía que el segundo movimiento, Romance (Larghetto), tuvo su inspiración en la estudiante de canto Konstancja Gładkowska. El autor describe en carta de 15 de mayo de 1830 a su íntimo amigo Titus Woyciechowski cómo el movimiento está dedicado en secreto a ella con estas palabras: «Debería ser como soñar en la hermosa primavera a la luz de la luna».

En el tercero, Rondó-vivace, Chopin despliega todos los medios que se pueden esperar de un concierto escrito para el lucimiento del virtuosismo del intérprete —su propio virtuosismo, no lo olvidemos—. Pero no es el virtuosismo entre huero y pirotécnico presente en tantos conciertos instrumentales, sino que está lleno de esa sutil combinación de fuerza y delicadeza tan propia de la personalidad compositiva de su autor. Escrito en 1830, el concierto está dedicado al pianista alemán Friedrich Kalkbrenner y fue estrenado el 11 de octubre de ese mismo año en el Teatro Nacional de Varsovia, con el propio Chopin en la parte solista.

Sí. Hay dos sin tres

Dmitri Shostakóvich (San Petersburgo, 25.09.1906 - Moscú, 09.08.1975)

Sinfonía nº 9 en mi bemol mayor, op. 70

Algo así debieron pensar el 3 de noviembre de 1945 quienes asistieron sorprendidos al estreno de la Novena de Shostakóvich por la Filarmónica de Leningrado dirigida por Yevgueni Mravinski. Durante bastante tiempo se había esperado —y, como veremos más abajo, Shostakóvich no fue en absoluto ajeno a estas expectativas— la culminación gloriosa de una trilogía de las que ya se llamaban sus Sinfonías de guerra, una obra victoriosa acorde con «el espíritu del pueblo soviético». Pero como esta Novena sinfonía, según las autoridades artístico-políticas de la Nomenklatura, era opuesta a tal espíritu, para Shostakóvich volvieron los viejos y difíciles tiempos.

Recordemos: el llamado Realismo Socialista se convirtió en política oficial en la URSS tras la promulgación por Stalin del decreto de «reconstrucción de las organizaciones literarias y artísticas»; nueva «orientación» que fue consagrada por el I Congreso de Escritores Soviéticos de 1934 y que, a partir de entonces, fue aplicada con mano de hierro. Sin guante de seda, eso sí —para qué disimular, debió de pensar el camarada Iósif mientras ejercía su omnímodo poder—. Naturalmente, a partir de entonces este ya sacrosanto «realismo» se extendió como una mancha de aceite a todas las artes y en 1936 nuestro compositor vio cómo se prohibían algunas de sus obras.

Pero volvamos a los años de la Segunda Guerra Mundial. Durante la invasión de la URSS por las tropas nazis, Shostakóvich había escrito dos grandes sinfonías: la Séptima, «Leningrado», fue escrita en 1941 durante el cerco de la ciudad por el ejército alemán. El asedio duró cerca de 900 días, murieron casi un millón de habitantes y quienes sobrevivieron lo hicieron en las más espantosas condiciones. La obra fue ensayada y estrenada heroicamente en Kuibyshev, por entonces capital provisional de la URSS, el 5 de marzo de 1942 en terribles circunstancias a causa del hambre y los bombardeos nazis. Sufrimientos vividos también por los músicos de la orquesta, algunos de los cuales apenas podían sostener su instrumento por la debilidad derivada de la hambruna causada por el sitio alemán.

Shostakóvich escribió la Octava en Moscú, en 1943. Finalizada el 5 de septiembre, fue estrenada el 4 de noviembre por su dedicatario, Yevgueni Mravinski, dirigiendo la Orquesta Filarmónica de Leningrado. Su nada optimista final causó su rechazo por parte de la crítica oficial, lo que impulsó a Shostakóvich a subtitularla Stalingrado —ciudad en la que entonces se libraba otra fiera batalla contra los nazis, que cayeron finalmente derrotados el 2 de febrero—. Se dijo que la obra era «una oración fúnebre» dedicada a quienes murieron en el frente pero parece que este argumento no caló demasiado hondo en la jerarquía soviética. En 1948 fue prohibida por el decreto Zhdanov, que renovó las esencias del Realismo Socialista[1] y no fue repuesta hasta 1955, dos años después de la muerte del «Padrecito Stalin».

Tras estas dos primeras «sinfonías de guerra», la inminente victoria de la URSS sobre la Alemania nazi en 1945 invitaba a celebración; a una que en aquellos momentos y con aquellos dirigentes solo tendría que ser solemne (rimbombante) y grandiosa (grandilocuente). Expectativas a las que, como arriba queda dicho, no fue ajeno el autor. De hecho, este había anunciado así sus proyectos sobre la sinfonía: «me gustaría componerla para coro, solistas y gran orquesta, siempre que cuente con el material adecuado para el libreto y cuando esté seguro de no ser sospechoso de querer establecer inmodestas analogías». Se trataba de su novena sinfonía y ya conocemos ese temor entre supersticioso y reverencial de los sinfonistas posteriores a Beethoven a ser comparados con este y a que el número nueve fuera ese obstáculo infranqueable que les impediría seguir componiendo obras de este género[2].

El caso es que en enero-febrero de 1945 ya tenía y tocaba en privado al piano esbozos de lo que podría ser una creación majestuosa, como la calificaron los compañeros y alumnos a quienes la dio a conocer. Pero de repente, sin mediar explicación alguna conocida, abandona el proyecto para recomenzar en julio con un tipo de obra diametralmente opuesto. Durante un tiempo toca en el piano con Kabalevski reducciones a cuatro manos de sinfonías de Haydn y, tres meses después de abandonar la gran composición que había anunciado y todos esperaban, empieza a escribir una sinfonía de cierto corte clásico. Esta, por su ligereza y sus toques de humor, es claramente más deudora del llamado padre de la sinfonía que del autor de la primera Sinfonía Coral de la historia.

La obra recibió una crítica (acusación) que resucitó las de «formalismo burgués» y «anti-sovietismo» de diez años antes y le costó un nuevo ingreso en la lista negra, de la que solo saldría en 1963. Y es que a quién se le ocurre escribir una sinfonía llena de ligereza, en cinco movimientos que alternan sarcasmo y melancolía en vez de una grandiosa oda de loor y gloria al amado líder. Aunque la verdad es que nuestro autor ya había anticipado el contradictorio doble éxito de su obra, cuando dijo: «a los músicos les encantará tocarla, y los críticos se deleitarán destrozándola». Pues nada, todos contentos.

La Novena está estructurada en cinco movimientos y los tres últimos se tocan seguidos. Por su carácter camerístico y por su ligereza y brevedad es conocida a veces como «la clásica de Shostakóvich». Este estilo «clásico» es más que evidente en el primer movimiento, Allegro, un primer tiempo de sonata de un clasicismo estructural ortodoxo incluso en la repetición de la exposición. Esta es la única que se produce en sus quince sinfonías y en su estreno debió de ser la primera llamada de atención para los críticos. Su jovial carácter de danza solo se ve interrumpido en su sección central por unos motivos de carácter más sombrío. Un detalle característico de este movimiento es la interrupción aquí y allá, de forma un tanto cómica, de un motivo de dos notas de los metales que ha sido llamado por algunos críticos el «motivo de Stalin», suponiendo que el autor lo utilizó para ridiculizar al dictador. Pero claro, esta intención, como en tantas obras de Shostakóvich, quedará para siempre en el terreno de la especulación[3].

En el segundo movimiento, Moderato – Adagio, el aire como de vals lento del canto del clarinete se ve interrumpido regularmente con una especie de titubeo rítmico. Su carácter es muy moldeable por parte de quien lo interprete, pudiendo aparecer como lírico, trágico o melancólico y su ambiente puede variar por momentos entre cantable o danzante. Su progresivo desvanecimiento final, con un cierto aire de misterio, bien podría representar el desconcierto que el día de su estreno supuso esta obra.

Las distintas secciones de la orquesta inician un Scherzo (presto) lleno de entusiasmo y un aire cada vez más acelerado que, en vez de llegar a uno de sus habituales clímax sonoros, se enlentece y va muriendo poco a poco hasta enlazar con el cuarto, Largo. Este empieza con una especie de fanfarria algo fúnebre de los metales que precede a un solo de fagot de carácter intimista. Un solo que encuentra su respuesta en la vuelta de la fanfarria inicial de los metales a la que el instrumento, en un tono aterciopelado y convincente, vuelve a replicar antes de iniciar el último movimiento.

El fagot, tocado por la gracia, da comienzo a este Allegretto – Allegro final y nos vuelve a trasladar al clima alegre y jovial del primer movimiento, con un carácter de jubilosa y juguetona danza final apenas amenazado por unas escalas algo inquietantes de las cuerdas. Tras estas, es decisiva la intervención de la percusión, que nos lleva a un clímax como de fiesta popular cargada de sorna, aire que subrayan caja y pandereta. Un golpe de esta última pone a esta Novena un punto final tan inesperado y sorprendente como lo fue toda ella en el momento de su estreno.

Julián Carrillo Sanz

1 Durante la SGM el gobierno soviético había relajado su supervisión de las artes. Pasada esta, volvió a reprimir el que calificó como «formalismo elitista que atiende a las experiencias puramente individualistas de una pequeña camarilla de estetas y rechaza la herencia clásica, el carácter nacional, el servicio al pueblo, la veracidad, el realismo y la profunda conexión orgánica con el pueblo y su legado de música y canciones populares». La destacada posición de Shostakóvich y su popularidad lo convirtió, lo mismo que en 1936, en una diana tan fácil como útil para el Gobierno y el partido y, nuevamente, muchas de sus obras fueron prohibidas.

2 Temor que, por cierto, se cumplió literalmente en Dvořák o Bruckner e incluso en Mahler, si consideramos que la sinfonía a la que puso el nº 9 fue la última que completó, después de escribir la Sinfonía nº 8, «de los Mil» y no haber querido poner tal dígito «gafe» a la Sinfonía para tenor y contralto (de nombre definitivo La canción de la tierra).

3 Estas dos notas (fa/si bemol en su primera aparición, mi bemol/la bemol más tarde) están siempre separadas por un intervalo de cuarta justa, uno de los considerados como de consonancia perfecta. Y, puestos a especular, podríamos decir que por su estabilidad bien podía representar el poder inamovible del dictador. O no. Que como es sabido, con Shostakóvich nunca se sabe.

Notas (Galego)

Disque non hai dúas sen tres?

Fryderyk Franciszek Chopin (Żelazowa Wola, Gran Ducado de Varsovia, 01.03.1810; París, 17.10.1849)

Chopin foi o segundo fillo de Nicolas Chopin e Tekla Justyna Krzyżanowska. Con 16 anos (en 1787) Nicolás emigrou de Francia a Polonia onde traballaba como profesor de lingua e literatura francesa para fillos da nobreza polaca en Żelazowa Wola, (Gran Ducado de Varsovia). Tamén era preceptor dos fillos do conde Skarbek, en cuxa casa traballaba como gobernanta Tekla, descendente dunha familia nobre vida a menos. Poucos meses despois do nacemento de Fryderyck mudáronse a Varsovia, coincidindo co nomeamento de Nicolas como profesor de lingua francesa no Liceo da cidade. Fryderick recibiu as súas primeiras leccións de piano de man da súa nai, e criouse xunto as súas tres irmás nun bo ambiente cultural, especialmente no terreo da música.

A devoción pola música de Bach do seu primeiro profesor de piano, Wojciech Żywny, foi decisiva na formación de Fryderyck, que compuxo a súa primeira Polonesa aos sete anos, obra que en poucos meses foi seguida por unhas cantas máis. En 1818 tocou o seu primeiro concerto público no palacio da familia Radziwill de Varsovia, e adquiriu decontado sona como neno prodixio —«O pequeno Chopin» e «O segundo Mozart» chamábano— nos ambientes aristocráticos e musicais da cidade.

As vacacións do verán de 1824, durante os seus estudos de ensinanza media en Szafarnia (Dobrzyń) na casa dun amigo, alumno do seu pai, marcaron en boa medida a súa personalidade como compositor. Alí entrou en contacto cos campesiños do lugar e a música que estes facían deixou unha fonda pegada en quen habería de ser coñecido en boa medida polas súas composicións baseadas nesas músicas do pobo.

Rematado o Bacharelato, ingresou na Escola Superior de Música de Varsovia –naquel tempo, unha sección do Conservatorio da cidade— onde continuou os estudos con Józef Elsner, que o liberou das clases de piano mais a cambio foi moi esixente con el nas materias de teoría. Durante este período escribiu as súas primeiras grandes obras seguindo formas clásicas como a sonata ou as variacións. A actuación de Paganini en Varsovia en maio de 1829 causou nel unha fonda impresión e influíu de xeito decisivo na súa carreira posterior como compositor e intérprete virtuoso que escribe para o seu propio lucimento como tal.

Concerto para piano e orquestra en mi menor, op. 11

Chopin só escribiu dous concertos para piano e orquestra. O Concerto en mi menor foi o segundo e derradeiro composto por Chopin, moi pouco despois do primeiro. O vello costume dos editores de numerar as obras pola orde en que eles as publicaban fixo que o primeiro que escribiu —o seu Concerto para piano en fa menor, op. 21— fose editado como Concerto nº 2. A orquestración dos concertos de Chopin foi obxecto de debate ao longo destes case douscentos anos: para algúns, a orquestra de Chopin nestas obras é só un fondo sobre o que lucir as súas calidades interpretativas, pero non faltan os que consideran que Chopin quería destacar o contraste entre esta sinxeleza orquestral coa complexidade harmónica da composición.

O concerto, de claro espírito romántico, ten unha estrutura firmemente clásica: o Allegro maestoso inicial, cunha duración practicamente igual á dos dous seguintes movementos, comeza cunha longa introdución orquestral duns catro minutos na que se presentan os temas principais. No entanto, a exposición destes por parte do piano e o seu desenvolvemento teñen xa toda a florida personalidade de arabescos e cambios progresivos nos temas das súas obras para piano solista.

Chopin dicía que o segundo movemento, Romance (Larghetto), tivo a súa inspiración na estudante de canto Konstancja Gładkowska. O autor descríbelle nunha carta datada o 15 de maio de 1830 ao seu íntimo amigo Titus Woyciechowski como o movemento está dedicado en segredo a ela con estas palabras: «Debería ser como soñar na fermosa primavera á luz da lúa».

No terceiro, Rondó-vivace, Chopin desprega todos os medios que se poden agardar dun concerto escrito para o lucimento do virtuosismo do intérprete —o seu propio virtuosismo, non o esquezamos—. Pero non é o virtuosismo entre baleiro e pirotécnico presente en tantos concertos instrumentais, senón que está cheo desa sutil combinación de forza e delicadeza tan propia da personalidade compositiva do seu autor. Escrito en 1830, o concerto está dedicado ao pianista alemán Friedrich Kalkbrenner e foi estreado o 11 de outubro dese mesmo ano no Teatro Nacional de Varsovia, co propio Chopin na parte solista.

Si. Hai dúas sen tres

Dmitri Xostacóvich (San Petersburgo, 25.09.1906 - Moscova, 09.08.1975)

Sinfonía nº 9 en mi bemol maior, op. 70

Algo así deberon pensar o 3 de novembro de 1945 os que asistiron abraiados á estrea da Novena de Xostacóvich pola Filharmónica de Leningrado dirixida por Yevgueni Mravinski. Durante bastante tempo esperárase —e, como veremos máis abaixo, Xostacóvich non foi en absoluto alleo a estas expectativas— a culminación gloriosa dunha triloxía das que xa se chamaban as súas Sinfonías de guerra, unha obra vitoriosa acorde co «espírito do pobo soviético». Pero como esta Novena sinfonía, segundo as autoridades artístico-políticas da Nomenklatura, era oposta a tal espírito, para Xostacóvich volveron os vellos e difíciles tempos.

Lembremos: o chamado Realismo Socialista converteuse en política oficial na URSS logo da promulgación por Stalin do decreto de «reconstrución das organizacións literarias e artísticas»; nova «orientación» que foi consagrada polo I Congreso de Escritores Soviéticos de 1934 e que, a partir daquela, foi aplicada con man de ferro. Sen luva de seda, iso si —para que disimular, debeu de pensar o camarada Iósif mentres exercía o seu omnímodo poder—. Naturalmente, a partir daquela este xa sacrosanto «realismo» espallouse como unha mancha de aceite a todas as artes e en 1936 o noso compositor viu como se prohibían algunhas das súas obras.

Pero volvamos aos anos da Segunda Guerra Mundial. Durante a invasión da URSS polas tropas nazis, Xostacóvich escribira dúas grandes sinfonías: a Sétima, «Leningrado», foi escrita en 1941 durante o sitio da cidade polo exército alemán. O asedio durou preto de 900 días, morreu case un millón de habitantes e os que sobreviviron fixérono nas máis espantosas condicións. A obra foi ensaiada e estreada heroicamente en Kuibyshev, daquela capital provisional da URSS, o 5 de marzo de 1942 en terribles circunstancias por mor da fame e os bombardeos nazis. Sufrimentos vividos tamén polos músicos da orquestra, algúns dos cales apenas podían soster o seu instrumento pola debilidade derivada da gran fame causada polo sitio alemán.

Xostacóvich escribiu a Oitava en Moscova, en 1943. Rematada o 5 de setembro, foi estreada o 4 de novembro polo seu dedicatario, Yevgueni Mravinski, que dirixiu a Orquestra Filharmónica de Leningrado. A súa nada optimista final causou o seu rexeitamento por parte da crítica oficial, o que impulsou a Xostacóvich a subtitulala Stalingrado —cidade na que daquela se libraba outra fera batalla contra os nazis, que caeron finalmente derrotados o 2 de febreiro—. Díxose que a obra era «unha oración fúnebre» dedicada aos que morreron na fronte mais semella que este argumento non callou demasiado fondo na xerarquía soviética. En 1948 foi prohibida polo decreto Zhdanov, que renovou as esencias do Realismo Socialista[1] e non foi reposta ata 1955, dous anos despois da morte do «Pai Stalin».

Logo destas dúas primeiras «sinfonías de guerra», a inminente vitoria da URSS sobre a Alemaña nazi en 1945 invitaba á celebración; a unha que naqueles momentos e con aqueles dirixentes só tería que ser solemne (rimbombante) e grandiosa (grandilocuente). Expectativas ás que, como queda dito anteriormente, non foi alleo o autor. De feito, este anunciara así os seus proxectos sobre a sinfonía: «gustaríame compoñela para coro, solistas e grande orquestra, sempre que conte co material adecuado para o libreto e cando estea seguro de non ser sospeitoso de querer establecer inmodestas analoxías». Tratábase da súa novena sinfonía e xa coñecemos ese temor entre supersticioso e reverencial dos sinfonistas posteriores a Beethoven a ser comparados con este e a que o número nove fose ese obstáculo infranqueable que lles impediría seguir a compoñer obras deste xénero[2].

O caso é que en xaneiro-febreiro de 1945 xa tiña e tocaba en privado ao piano bosquexos do que podería ser unha creación maxestosa, como a cualificaron os compañeiros e alumnos aos que llela deu a coñecer. Pero de súpeto, sen mediar explicación coñecida ningunha, abandona o proxecto para recomezar en xullo cun tipo de obra diametralmente oposto. Durante un tempo toca no piano con Kabalevski reducións a catro mans de sinfonías de Haydn e, tres meses despois de abandonar a gran composición que anunciara e todos esperaban, comeza a escribir unha sinfonía de certo corte clásico. Esta, pola súa lixeireza e os seus toques de humor, é claramente máis debedora do chamado pai da sinfonía que do autor da primeira Sinfonía Coral da historia.

A obra recibiu unha crítica (acusación) que resucitou as de «formalismo burgués» e «anti sovietismo» de dez anos antes e lle custou un novo ingreso na lista negra, da que só sairía en 1963. E é que a quen se lle ocorre escribir unha sinfonía chea de lixeireza, en cinco movementos que alternan sarcasmo e melancolía no canto dunha grandiosa oda de loor e gloria ao amado líder. Aínda que a verdade é que o noso autor xa anticipara o contraditorio duplo éxito da súa obra, cando dixo: «aos músicos encantaralles tocala, e os críticos deleitaranse esnaquizándoa». Pois máis nada, todos contentos.

A Novena está estruturada en cinco movementos e os tres últimos tócanse seguidos. Polo seu carácter de cámara e pola súa lixeireza e brevidade é coñecida ás veces como «a clásica de Xostacóvich». Este estilo «clásico» é máis que evidente no primeiro movemento, Allegro, un primeiro tempo de sonata dun clasicismo estrutural ortodoxo mesmo na repetición da exposición. Esta é a única que se produce nas súas quince sinfonías e na súa estrea debeu de ser a primeira chamada de atención para os críticos. O seu xovial carácter de danza só se ve interrompido na súa sección central por uns motivos de carácter máis sombrío. Un detalle característico deste movemento é a interrupción aquí e alá, de xeito un tanto cómico, dun motivo de dúas notas dos metais que foi chamado por algúns críticos o «motivo de Stalin», supoñendo que o autor o utilizou para ridiculizar o ditador. Pero claro, esta intención, como en tantas obras de Xostacóvich, quedará para sempre no terreo da especulación[3].

No segundo movemento, Moderato – Adagio, o aire como de valse lento do canto do clarinete vese interrompido regularmente cunha especie de titubeo rítmico. O seu carácter é moi moldeable por parte de quen o interprete, podendo aparecer como lírico, tráxico ou melancólico e o seu ambiente pode variar por momentos entre cantable ou danzante. O seu progresivo esvaecemento final, cun certo aire de misterio, ben podería representar o desconcerto que o día da súa estrea supuxo esta obra.

As distintas seccións da orquestra inician un Scherzo (presto) cheo de entusiasmo e un aire cada vez máis acelerado que, no canto de chegar a un dos seus habituais clímax sonoros, enlentece e vai morrendo aos poucos ata enlazar co cuarto, Largo. Este comeza cunha especie de fanfarra algo fúnebre dos metais que precede a un solo de fagot de carácter intimista. Un solo que atopa a súa resposta na volta da fanfarra inicial dos metais á que o instrumento, nun ton aveludado e convincente, volve replicar antes de iniciar o derradeiro movemento.

O fagot, tocado pola graza, dálle comezo a este Allegretto – Allegro final e vólvenos trasladar ao clima alegre e xovial do primeiro movemento, cun carácter de xubilosa e xogadora danza final apenas ameazado por unhas escalas algo inquietantes das cordas. Tras estas, é decisiva a intervención da percusión, que nos leva a un clímax como de festa popular cargada de sorna, aire que subliñan caixa e mais pandeireta. Un golpe desta última ponlle a esta Novena un punto final tan inesperado e sorprendente como o foi toda ela no momento da súa estrea.

Julián Carrillo Sanz

1 Durante a SGM o goberno soviético relaxara a súa supervisión das artes. Pasada esta, volveu a reprimir o que cualificou como «formalismo elitista que atende as experiencias puramente individualistas dunha pequena camarilla de estetas e rexeita a herdanza clásica, o carácter nacional, o servizo ao pobo, a veracidade, o realismo e a fonda conexión orgánica co pobo e o seu legado de música e cancións populares». A destacada posición de Xostacóvich e a súa popularidade converteuno, o mesmo que en 1936, nunha diana tan fácil como útil para o Goberno e o partido e, de novo, moitas das súas obras foron prohibidas.

2 Temor que, por certo, se cumpriu literalmente en Dvořák ou Bruckner e mesmo en Mahler, de considerarmos que a sinfonía á que lle puxo o nº 9 foi a derradeira que completou, despois de escribir a Sinfonía nº 8, «dos Mil» e non lle ter querido poñer tal díxito «gafe» á Sinfonía para tenor e contralto (de nome definitivo A canción da terra).

3 Estas dúas notas (fa/si bemol na súa primeira aparición, mi bemol/la bemol máis tarde) están sempre separadas por un intervalo de cuarta xusta, un dos considerados como de consonancia perfecta. E, postos a especular, poderiamos dicir que pola súa estabilidade ben podía representar o poder inamovible do ditador. Ou se cadra non. Que como é sabido, con Xostacóvich nunca se sabe.

Biografía

Víctor Pablo Pérez, director

Víctor Pablo Pérez nace en Burgos y realiza sus estudios musicales en el Real Conservatorio de Música de Madrid y en la Hochschule für Musik de Múnich.

Señalado desde sus comienzos como uno de los grandes y precoces valores españoles en el campo de la dirección de orquesta, entre 1980 y 1988 es director artístico y titular de la Orquesta Sinfónica de Asturias y entre 1986 y 2005 director artístico y titular de la Orquesta Sinfónica de Tenerife, agrupación que se convierte rápidamente en un referente en el panorama musical español.

En 1993 toma las riendas de la Orquesta Sinfónica de Galicia, labor que lleva a cabo hasta agosto de 2013, consiguiendo en ese periodo un reconocimiento unánime por el nivel de excelencia alcanzado por el conjunto.

Sus distinciones han sido numerosas: Premio Ojo Crítico de Radio Nacional de España (1990), Premio Ondas (1992 y 1996), Premio Nacional de Música (1995), Medalla de Oro a las Bellas Artes (1999), Director Honorario de la Orquesta Sinfónica de Tenerife (2006), Director Honorario de la Orquesta Sinfónica de Galicia (2013), Hijo Adoptivo de la ciudad de Santa Cruz de Tenerife y de la Isla de Tenerife, Medalla de Oro del Gobierno de Canarias, Académico correspondiente de las Reales Academias de Bellas Artes de San Fernando (Madrid) y Nuestra Señora del Rosario (Galicia-A Coruña).

Víctor Pablo Pérez colabora de forma habitual con el Teatro Real de Madrid, el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, Festival Mozart de A Coruña, Festivales Internacionales de Música de Canarias, Perelada, Granada, Santander, Schleswig Holstein, Festival Bruckner de Madrid, Rossini Opera Festival, Festival de San Lorenzo del Escorial y Quincena Musical de San Sebastián. Además de dirigir habitualmente la práctica totalidad de las orquestas españolas, es llamado como director invitado por diferentes formaciones internacionales como HR-Sinfonieorchester –Frankfurt, Berliner Symphoniker, Münchner Symphoniker, Dresdner Sinfoniker, Royal Philharmonic, London Philharmonic, Orchestra del Maggio Musicale Fiorentino, Orchestra dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia di Roma, Orchestra Sinfonica Siciliana, Orchestra Sinfonica RAI di Roma, Orchestra Sinfonica di Milano Giuseppe Verdi, Orchestre National de Lyon, Orchestre National du Capitole de Toulouse, Orquesta Sinfónica de Jerusalem, Orquesta Nacional de Polonia, Helsingborgs Symfoniorkester y Trondheim Symfoniorkester.

Del mismo modo colabora con grandes solistas como C. Zimerman, G. Sokolov, A. Volodos, L. O. Andens, P. Lewis, R. Blechacz, F. P. Zimermann, J. Rachlin, L. Kavakos, A. S. Mutter, Midori, Gil Shaham, N. Zneider, S. Chang, A. Steinbacher, G. Kremer, M. Vengerov, R. Fleming, Mª Bayo, A. Arteta, N. Dessay, N. Stutzmman, E. Podles, V. Kasarova, F. Cedolins, I. Mula, P. Domingo, R. Villazón, C. Álvarez, J. Bros, Mª J. Moreno, A. Murray y M. Barrueco, entre otros.

Víctor Pablo Pérez es, desde septiembre de 2013, director artístico y titular de la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid.

Biografía (Galego)

Víctor Pablo Pérez, director

Víctor Pablo Pérez nace en Burgos e realiza os seus estudos musicais no Real Conservatorio de Música de Madrid e mais na Hochschule für Musik de Múnic.

Sinalado desde os seus comezos como un dos grandes e precoces valores españois no campo da dirección de orquestra, entre os anos 1980 e 1988 é director artístico e titular da Orquestra Sinfónica de Asturias e entre 1986 e 2005 director artístico e titular da Orquestra Sinfónica de Tenerife, agrupación que se converte rapidamente nun referente no panorama musical español.

En 1993 toma as rendas da Orquestra Sinfónica de Galicia, labor que leva a cabo ata agosto de 2013, e consegue nese período un recoñecemento unánime polo nivel de excelencia acadado polo conxunto.

As súas distincións foron numerosas: Premio Ojo Crítico de Radio Nacional de España (1990), Premio Ondas (1992 e 1996), Premio Nacional de Música (1995), Medalla de Ouro ás Belas Artes (1999), Director Honorario da Orquestra Sinfónica de Tenerife (2006), Director Honorario da Orquestra Sinfónica de Galicia (2013), Fillo Adoptivo da cidade de Santa Cruz de Tenerife e da Illa de Tenerife, Medalla de Ouro do Goberno de Canarias, Académico correspondente das Reales Academias de Bellas Artes de San Fernando (Madrid) e Nosa Señora do Rosario (Galicia-A Coruña).

Víctor Pablo Pérez colabora de xeito habitual co Teatro Real de Madrid, o Gran Teatre do Liceu de Barcelona, o Festival Mozart da Coruña, os Festivais Internacionais de Música de Canarias, Perelada, Granada, Santander, Schleswig Holstein, Festival Bruckner de Madrid, Rossini Opera Festival, Festival de San Lorenzo do Escorial e Quincena Musical de Donostia. Ademais de dirixir habitualmente a práctica totalidade das orquestras españolas, é chamado como director invitado por diferentes formacións internacionais como a HR-Sinfonieorchester-Frankfurt, a Berliner Symphoniker, a Münchner Symphoniker, a Dresdner Sinfoniker, a Royal Philharmonic, a London Philharmonic, a Orchestra do Maggio Musicale Fiorentino, a Orchestra dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia di Roma, a Orchestra Sinfonica Siciliana, a Orchestra Sinfonica RAI di Roma, a Orchestra Sinfonica di Milano Giuseppe Verdi, a Orchestre National de Lyon, a Orchestre National du Capitole de Toulouse, a Orquestra Sinfónica de Jerusalem, a Orquestra Nacional de Polonia, a Helsingborgs Symfoniorkester e mais a Trondheim Symfoniorkester.

Do mesmo modo colabora con grandes solistas como C. Zimerman, G. Sokolov, A. Volodos, L. O. Andens, P. Lewis, R. Blechacz, F. P. Zimermann, J. Rachlin, L. Kavakos, A. S. Mutter, Midori, Gil Shaham, N. Zneider, S. Chang, A. Steinbacher, G. Kremer, M. Vengerov, R. Fleming, Mª Bayo, A. Arteta, N. Dessay, N. Stutzmman, E. Podles, V. Kasarova, F. Cedolins, I. Mula, P. Domingo, R. Villazón, C. Álvarez, J. Bros, Mª J. Moreno, A. Murray e M. Barrueco, entre outros.

Víctor Pablo Pérez é, desde setembro de 2013, director artístico e titular da Orquestra e Coro da Comunidade de Madrid.

Biografía

Rafal Blechacz, piano

En octubre de 2005 surgió como indiscutible ganador del 15º Concurso Internacional de Piano Frédéric Chopin en Varsovia, Polonia (para subrayar su destacada actuación entre los restantes participantes en el Concurso, el jurado internacional decidió no otorgar el segundo premio). Todos los premios especiales del Concurso fueron para él: Premio Radio Polaca para la mejor interpretación de mazurcas, Premio Sociedad Frédéric Chopin a la mejor interpretación de polonesa, Premio de la Filarmónica Nacional de Polonia a la mejor interpretación de concierto y el Premio Krystian Zimerman por la mejor interpretación de sonata. También ganó el Premio del Público en el Concurso.

La victoria de 2005 en Varsovia le abrió las puertas de las más famosas y prestigiosas salas de conciertos del mundo, tocando con las mejores orquestas sinfónicas y bajo la dirección de maestros tan aclamados como Valery Gergiev, Mikhail Pletnev, Charles Dutoit, David Zinman, Fabio Luisi, Jerzy Semkow y Trevor Pinnock. En julio de 2010 recibió el prestigioso Premio Internazionale Accademia Musicale Chigiana (Siena, Italia).

En 2006 firmó un contrato exclusivo con Deutsche Grammophon, convirtiéndose en el segundo único artista polaco del sello alemán después de Krystian Zimerman. Su primer cedé con Deutsche Grammophon con todos los preludios de Chopin ganó el premio Echo Klassik y el Diapasond’Or. El disco con los dos conciertos de Chopin grabados con la Concertgebouw de Ámsterdam fue galardonado con el Preisder Deutschen Schallplattenkritik. En julio de 2012, con su último disco con obras de Debussy y Szymanowski recibió el premio ECHO-Klassik en la categoría de piano solo. En 2013 regresó a la música de Chopin con la grabación de siete polonesas para Deutsche Grammophon y con el que obtuvo el Preis der Deutschen Schallplattenkritik concedido por la crítica alemana.

En enero de 2014 Rafal Blechacz recibió en Nueva York el Gilmore Artist Award 2014. Este premio, muy apreciado en el mundo de la música de piano, se le otorga al artista más distinguido e incluye un apoyo financiero a su actividad artística.

En 2017 se lanzó un álbum con obras de Johann Sebastian Bach.

Su último disco, de 2019, incluye obras de Fauré, Debussy, Szymanowski y Chopin junto a la violinista Coreana Bomsori Kim.

Biografía (Galego)

Rafal Blechacz, piano

En outubro de 2005 xurdiu como indiscutible gañador do 15º Concurso Internacional de Piano Frédéric Chopin en Varsovia, Polonia (para subliñar a súa destacada actuación entre os restantes participantes no Concurso, o xurado internacional decidiu non outorgar o segundo premio). Todos os premios especiais do Concurso foron para el: Premio Radio Polaca para a mellor interpretación de mazurcas, Premio Sociedade Frédéric Chopin á mellor interpretación de polonesa, Premio da Filharmónica Nacional de Polonia á mellor interpretación de concerto e o Premio Krystian Zimerman pola mellor interpretación de sonata. Tamén gañou o Premio do Público no Concurso.

A vitoria de 2005 en Varsovia abriulle as portas das máis famosas e prestixiosas salas de concertos do mundo, onde tocou coas mellores orquestras sinfónicas e baixo a dirección de mestres tan aclamados como Valery Gergiev, Mikhail Pletnev, Charles Dutoit, David Zinman, Fabio Luisi, Jerzy Semkow e Trevor Pinnock. En xullo de 2010 recibiu o prestixioso Premio Internazionale Accademia Musicale Chigiana (Siena, Italia).

En 2006 asinou un contrato exclusivo con Deutsche Grammophon, e converteuse no segundo único artista polaco do selo alemán despois de Krystian Zimerman. O seu primeiro CD con Deutsche Grammophon con todos os preludios de Chopin gañou o premio Echo Klassik e mais o Diapasond’Or. O disco cos dous concertos de Chopin gravados coa Concertgebouw de Ámsterdam foi galardoado co Preisder Deutschen Schallplattenkritik. En xullo de 2012, cun disco con obras de Debussy e Szymanowski recibiu o premio ECHO-Klassik na categoría de piano solo. En 2013 regresou á música de Chopin coa gravación de sete polonesas para Deutsche Grammophon e co que obtivo o Preis der Deutschen Schallplattenkritik concedido pola crítica alemá.

En xaneiro de 2014 Rafal Blechacz recibiu en Nova York o Gilmore Artist Award 2014. Este premio, moi apreciado no mundo da música de piano, outórgaselle ao artista máis distinguido e inclúe un apoio financeiro á súa actividade artística.

En 2017 publicouse un álbum con obras de Johann Sebastian Bach.

O seu último disco ata o momento, de 2019, inclúe obras de Fauré, Debussy, Szymanowski e Chopin xunto á violinista Coreana Bomsori Kim.

Miembros de la OSG

Orquesta Sinfónica de Galicia

VIOLINES I

Massimo Spadano*****

Ludwig Dürichen****

Vladimir Prjevalski****

Iana Antonyan

Ruslan Asanov

Caroline Bournaud

Gabriel Bussi

Carolina Mª Cygan Witoslawska

Dominica Malec Andruszkiewicz

Dorothea Nicholas

Mihai Andrei Tanasescu Kadar

Stefan Utanu

Florian Vlashi

Roman Wojtowicz

VIOLINES II

Fumika Yamamura***

Adrián Linares Reyes***

Gertraud Brilmayer

Lylia Chirilov

Marcelo González Kriguer

Deborah Hamburger

Enrique Iglesias Precedo

Helle Karlsson

Gregory Klass

Stefan Marinescu

VIOLAS

Eugenia Petrova***

Francisco Miguens Regozo***

Andrei Kevorkov*

Raymond Arteaga Morales

Alison Dalglish

Despina Ionescu

Jeffrey Johnson

Jozef Kramar

Luigi Mazzucato

Karen Poghosyan

Wladimir Rosinskij

VIOLONCHELOS

Rouslana Prokopenko***

Raúl Mirás López***

Gabriel Tanasescu*

Mª Antonieta Carrasco Leiton

Berthold Hamburger

Scott M. Hardy

Florence Ronfort

Ramón Solsona Massana

CONTRABAJOS

Risto Vuolanne***

Diego Zecharies***

Todd Williamson*

Mario J. Alexandre Rodrigues

Douglas Gwynn

Jose F. Rodrigues Alexandre

FLAUTAS

Claudia Walker Moore***

Mª José Ortuño Benito**

Juan Ibáñez Briz*

OBOES

Casey Hill***

David Villa Escribano**

CLARINETES

Juan Antonio Ferrer Cerveró***

Iván Marín García**

Pere Anguera Camós*

FAGOTES

Steve Harriswangler***

Mary Ellen Harriswangler**

Alex Salgueiro *

TROMPAS

Nicolás Gómez Naval***

David Bushnell**

Manuel Moya Canós*

Amy Schimelmann*

TROMPETAS

Thomas Purdie**

Michael Halpern*

TROMBONES

Jon Etterbeek***

Eyvind Sommerfelt*

Óscar Vázquez Vilariño***

TUBA

Jesper Boile Nielsen***

PERCUSIÓN

José A. Trigueros Segarra***

José Belmonte Monar**

Alejandro Sanz Redondo*

ARPA

Celine C. Landelle***

MÚSICOS INVITADOS TEMPORADA 20-21

VIOLIN I

Angel Enrique Sánchez Marote

VIOLINES II

Natalia Cid Iriarte

Elena Pérez Velasco

Clara Vázquez Ledesma

VIOLONCHELO

Mª Victoria Pedrero Pérez

OBOE

Tania Ramos Morado*

TROMPETA

Alejandro Vázquez Lamela***

Manuel Fernández Alvárez*

Notas:

***** Concertino

**** Ayuda de Concertino

*** Principal

** Principal-Asistente

* Coprincipal

Músicos invitados

Músicos invitados para este programa

VIOLÍN I

Pedro Rodríguez Rodríguez****

Ioan Haffner

VIOLÍN II

Paloma García Fernández de Usera

Virginia González Leondhart

CONTRABAJO

Tiago Paulo Carneiro Rocha

Enrique Jesús Rodríguez Yebra

OBOE

Celia Olivares Pérez-Bustos**

TROMPA

Pablo Fernández Guzmán**

PERCUSIÓN

Irene Rodríguez Rodríguez***

Personal OSG

Consorcio para la Promoción de la Música

Inés Rey

Presidenta

EQUIPO TÉCNICO - ADMINISTRATIVO

Andrés Lacasa Nikiforov

Gerente

Olga Dourado González

Secretaria-interventora

María Salgado Porto

Jefa de gestión económica

Ángeles Cucarella López

Coordinadora general

José Manuel Queijo

Jefe de producción

Javier Vizoso

Jefe de prensa y comunicación

Alberto García Buño

Contable

Zita Kadar

Archivo musical

Iván Portela López

Programas didácticos

José Antonio Anido Rodríguez

Angelina Déniz García

Noelia Roberedo Secades

Administración

Inmaculada Sánchez Canosa

Gerencia y coordinación

Nerea Varela

Secretaría de producción

Lucía Sández Sanmartín

Prensa y comunicación

José Manuel Ageitos Calvo

Daniel Rey Campaña

Regidores

Diana Romero Vila

Auxiliar de archivo

Montse Bonhome

Auxiliar de regidor

Próximos conciertos

Programa 20

Coliseum de A Coruña

Viernes, 16 de abril 2021 – 20h

SERGUÉI PROKÓFIEV

Concierto para piano y orquesta nº 3, en do mayor, op. 26

IGOR STRAVINSKI

Petroushka (versión 1947)

DANIEL CIOBANU, piano

GIANCARLO GUERRERO, director

Programa 21

Coliseum de A Coruña

Viernes, 23 de abril 2021 – 20h.

ÁLVARO NÚÑEZ CARBULLANCA

Vía para orquesta

[Obra ganadora del XIII Premio Andrés Gaos de Composición Musical de la Deputación da Coruña]

RICHARD STRAUSS

Vida de héroe, op. 40

ANDREW LITTON, director

Próximos conciertos

Festival Resis – Proyecto 20 21

Iglesia de las Capuchinas

Sábado, 24 de abril 2021 – 20h.

Jacobo Gaspar Grandal

Anuario do vento e as follas

Hugo Gómez-Chao Porta

Recitativo y Aria para soprano y grupo instrumental

Grupo Instrumental Siglo XX

Programa 22

Auditorio de Ferrol

Jueves, 29 de abril 2021 – 20h

Coliseum de A Coruña

Viernes, 30 de abril 2021 – 20h.

ERNEST CHAUSSON

Poème de l’amour et de la mer, op. 19

DMITRI SHOSTAKÓVICH

Sinfonía nº 1, en fa menor, op. 10

SOPHIE KOCH, mezzosoprano

ROBERTO GONZÁLEZ-MONJAS, director

Contacto

sinfonicadegalicia.com

sonfuturo.com

facebook.com/sinfonicadegalicia

twitter.com/OSGgalicia

youtube.com/sinfonicadegalicia

instagram.com/osggalicia

El Consorcio para la Promoción de la Música cuenta con la financiación de:

Créditos

EDITA

Consorcio para la Promoción de la Música

Glorieta de América, 3

15004 A Coruña - Galicia - España

T. 981 252 021 - F. 981 277 499

ILUSTRACIÓN, DISEÑO Y MAQUETACIÓN

Marta Parra

TRADUCCIÓN

Roxelio Xabier García Romero

Pilar Ponte Patiño

Table of Contents

Programa 19

¿Que no hay dos sin tres?

Sí. Hay dos sin tres

Disque non hai dúas sen tres?

Si. Hai dúas sen tres

Víctor Pablo Pérez, director

Víctor Pablo Pérez, director

Rafal Blechacz, piano

Rafal Blechacz, piano

Orquesta Sinfónica de Galicia

Músicos invitados para este programa

Consorcio para la Promoción de la Música

Programa 20

Programa 21

Festival Resis – Proyecto 20 21

Programa 22