CON JUEVES 23 DE FEBRERO 2023 - 20H.

CIERTO

ORQUESTA SINFÓNICA DEL

PRINCIPADO DE ASTURIAS

22/23

CON

CIERTO

ORQUESTA

I

SINFÓNICA DEL

PIOTR ILICH CHAIKOVSKI (1840-1893) PRINCIPADO DE

Romeo y Julieta: obertura-fantasía (21’) ASTURIAS

CAMILLE SAINT-SAËNS (1835-1921)

JU 23.02.23

El carnaval de los animales (3’)

20h

El cisne

Palacio de la

Ópera - A Coruña

CAMILLE SAINT-SAËNS

Concierto para violonchelo y orquesta nº 1 en la menor, op. 33 (19’)

Allegro non troppo

Allegretto con moto

Tempro primo

Narek Hakhnazaryan

violonchelo

II

JEAN SIBELIUS (1865-1957)

Ari Rasilainen

Suite Lemminkäinen, op. 22 (48’)

director

Lemmikäinen y las doncellas de la isla El cisne de Tuonela

Orquesta Sinfónica

Lemminkäinen en Tuonela

del Principado de

El gregreso de Lemminkäinen

Asturias

PIOTR ILIYCH CHAIKOVSKY

ROMEO Y JULIETA, OBERTURA-FANTASÍA En 1860, un joven Mili Balakirev [1837-1910] sugirió al también joven Chaikovski escribir una ópera sobre Romeo y Julieta, de Shakespeare. La tarea fue un camino de espinas para Chaikovski, puesto que no encontraba la manera de poder abordar la obra de manera original y fluida. Finalmente, sólo llegó a completar algunos temas y elementos sueltos [el tema de amor entre Romeo y Julieta, el conflicto entre familias y poco más]

que estuvo retocando y puliendo hasta 1880, cuando se estrenó con gran éxito la tercera versión en Tblisi, en 1886, bajo la batuta de Mikhail Ippolitov-Ivanov. La ópera completa no se ha encontrado y solo se conservan algunos fragmentos completados y orquestados por Sergey Taneyev [1856-1915].

Con una estructura que bien podría asociarse a una forma sonata, la obra comienza con un tema coral de carácter religioso, el de ‘Fray Lorenzo’, que va a ocupar toda la introducción y a suponer los puntos de distensión formal dentro de la obra. Esta sección introductoria enlaza con un tema Allegro giusto más vivo, de carácter marcial, bélico: el tema de la ‘contienda entre Capuleto y Montesco’, que crea la tensión necesaria para la culminación en el ‘Tema de amor’. El desarrollo expande los dos temas principales en diálogo, culminando en un clímax sobre el ‘Tema de amor’, que recoge la batalla y culmina el coral, creado una estructura circular coherente.

CAMILE SAINT-SAËNS [1835-1921]

EL CARNAVAL DE LOS ANIMALES ‘CISNE’

La obra de Saint-Saëns es de una magnitud superlativa: desde pequeñas piezas para piano hasta vastas sinfonías, como la Tercera, óperas, una docena, o infinidad de música de cámara. También escribió música incidental para teatro e, incluso para una película.

Y dentro de sus escritos críticos trata temas tan diversos como la filosofía, la arqueología o el teatro. Realmente tenía una capacidad de trabajo e inventiva fuera de toda duda.

Pero la obra que nos atañe tiene algo de especial. El Carnaval de los Animales fue com-puesto para una fiesta privada de carnaval, creando no sólo un recorrido zoológico, sino una sátira acerca de personajes y músicos de su época. Su éxito inmediato, combinado con el carácter lúdico de la pieza, hizo temer al compositor ser considerado un autor de 3

segunda -junto a un lógico asunto de derechos de autor por el Can-Can de Orfeo en los Infiernos, de Offenbach- y decidió dejar su exposición pública para eventos seleccionados y prohibir hasta su muerte la edición de la partitura, salvo El Cisne.

De los catorce movimientos de la obra, El Cisne, es el más lírico, cantabile y recordado de ellos -con permiso de Acuario-. El delicado acompañamiento y el vuelo melódico del violonchelo solista nos ofrecen una imagen poética del grácil movimiento del ave. Como instrumento ‘humano’ la expresión contenida en una estructura de carácter liederístico no puede ser más apropiada, porque pone en la cabeza del oyente la posibilidad de unas palabras no dichas, sólo sugeridas. Un texto cuya emoción viene del contenido musical.

CAMILE SAINT-SAËNS [1835-1921]

CONCIERTO PARA VIOLONCHELO EN LA MENOR, OP.33

Enlazando con El Cisne por su protagonista común, este concierto, escrito en 1872, se mantiene como una de las grandes aportaciones de la música francesa, que Saint-Saëns defendía con fervor, al repertorio internacional. El lirismo y dramatismo del instrumento sirvió al compositor para plantear un canto de despedida por un familiar fallecido, tal como indica su biógrafo, Stephen Studd. El éxito de la pieza fue instantáneo, recibiendo numerosas críticas favorables.

La crítica de Revue et gazzete musical de Paris escribió: Si el señor Saint-Saëns decidiera continuar por este sendero, consecuente con su Concierto para violín, el Trío en Fa y otras obras menos significantes, recobraría muchos de los votos que perdió por su demasiado obvio giro del Clasicismo en al-gunas de sus últimas obras. Debemos decir que el Concierto de Chelo nos parece hermoso y un buen trabajo de cohesión y emoción, como es normal en las obras de mayor interés.

Debería clarificar si es en realidad una pieza de concierto, ya que los tres movimientos se desarrollan sin solución de continuidad. La orquesta tiene un rol que confiere a la pieza de un carácter sinfónico, una tendencia presente en cada concierto con importancia desde Beethoven.

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De aquí se derivan dos ideas que caracterizan la obra. Por un lado, una vuelta a los cánones más clásicos, alejado de cierto cromatismo exacerbado de procedencia ger-mana. Sin embargo, Saint-Saëns nos ofrece acercamientos armónicos que adelantan ciertas técnicas que veremos desarrolladas en Fauré, Debussy y Ravel posteriormente: como el uso de largos pedales que sostienen una armonía que se aleja de la funcionalidad tonal o el uso de conceptos modales diatónicos. Es decir, aborda lo nuevo desde la claridad diatónica, no cromática.

El segundo punto derivado es la forma. A pesar de sus tres movimientos diferenciados, no hay un parón entre ellos. Al contrario, se desarrollan como un gran arco, que define una búsqueda de continuidad lineal, dramática y emocional a lo largo de los casi veinte minutos de duración. Esta, también, es una característica de renovación formal ‘escon-dida’ en el clasicismo de la superficie.

Un vanguardista vestido de clásico; un lobo disfrazado de cordero.

JEAN SIBELIUS [1865-1957]

LEMMINKÄINEN “CUATRO LEYENDAS”: SUITE, OP. 22

Esta pieza, compuesta entre 1895 y 1896, surge, por una parte, de un proyecto fallido de componer una ópera sobre el Kalevala, un conjunto de historias épicas de carácter mitológico de Finlandia que Sibelius utilizará en múltiples ocasiones [Luonnotar, Pohjola o Tapiola, entre otros] y, por otro, de la capacidad de Sibelius de acercarse a lo épico, para crear grandes poemas sinfónicos, más cercanos al concepto sinfónico de Gustav Mahler que a Richard Strauss, más desde lo trascendental, que desde lo humano. Aunque, finalmente, para Sibelius, lo importante era poder encontrar una lógica estructural que diese organicidad y cohesión a obras de gran formato.

La obra se divide en cuatro movimientos de carácter independiente, pero con elementos en común: una fuerte estructuración interna, un melodismo contenido de amplio fraseo en cuerdas y corto en las maderas, el tratamiento textural y armónico que parece dejar en suspenso la música, como si se tratara un paisaje helado; y un control del color orquestal extraordinario. Todo este conglomerado sitúa a Sibelius dentro de los compositores 5

de su época, atento de los avances y promotor de una música propia y reconocible, que lo convierten en algo más que un compositor nacionalista.

El primer movimiento, Lemminkäinen y las Damas de la Isla, abre con dos acordes en me-tales, que dan paso a la introducción donde las maderas y el cello tienen un mayor pro-tagonismo. Esto da paso a un tema de sonoridad pastoral, donde las maderas comienzan a moverse en figuraciones más rápidas, que no crean tensión, sino una sonoridad casi dionisíaca que contrasta con el tema lírico en las cuerdas, mucho más largo y sostenido.

Es aquí donde se escucha una de las grandes técnicas de Sibelius: la superposición de temas de amplio fraseo, sobre un acompañamiento continuo de movimiento frenético, que profundiza en la sensación de ingravidez melódica. Durante el desarrollo y lo que podemos considerar una recapitulación, Sibelius despliega toda su inventiva orquestal, de manera que extrae de forma caleidoscópica toda una serie de colores que juegan entre los registros y familias de una forma asombrosamente coherente. La coda final se presenta como una serie de comentarios sobre apariciones de motivos ya escuchados.

El Cisne de Tuonela, cuenta la mitología finesa, canta y flota en el río que rodea el infierno cuyo nombre da título a este movimiento. Aquí, Sibelius, crea un manto sonoro en las cuerdas en un divisi de hasta 15 partes que sostienen como un bloque el canto del corno inglés, que se ve en diálogo con pequeñas intervenciones del violoncello, viola o trompas.

La entrada del arpa y ampliación orquestal en Do mayor crean un contraste dramático perfecto, que prepara la vuelta del tema del cisne, sobre una marcha fúnebre, que se va deshaciendo progresivamente, como una letanía lejana.

Lemminkäinen en Tounela es, desde el punto de vista musical, el movimiento más avan-zado de la suite. En un primer momento, no existe una melodía temática como tal. Es algo que aparece más tarde en maderas, con el tema de carácter folklórico nórdico

[asociable, por ejemplo, a la música de Conan, el Bárbaro]. En lugar de eso, Sibelius concibe toda la primera gran sección a través de un pequeño motivo de cuatro notas que se va desarrollando de manera interna, no como tema, sino como textura. Es decir, la comprensión del desarrollo de la pieza está en observar cómo la densidad crece y decrece en amplitud y dinámica, mientras la armonía tiene un carácter secundario; lo que conecta a Sibelius directamente con Richard Wagner y su Parsifal. Algo que Claude Debussy estaba estudiando para su Prélude à l’àprés-midi d’un faune. Tras la mencionada sección folklórica, esta textura ominosa vuelve a aparecer y da paso a la coda, con un solo de cello que recuerda al Cisne de Tuonela.

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El viaje de regreso de Lemminkäinen nos ofrece una muestra de la cantidad de maneras que tiene Sibelius de desarrollar una sola idea. Este movimiento, construido como un rondó sonata, presenta, más allá de la tonalidad de regreso a Mib mayor, armadura inicial de la obra, una de las técnicas más destacables de esta obra en cuanto a construcción formal a través de la densidad. Todo el viaje dispuesto en la partitura es un recorrido muy bien pensado y estructurado desde una densidad mínima de dos elementos, hasta una utilización monumental de toda la orquesta que hace crecer de manera orgánica. Esta pieza constituye así, todo el recorrido final del viaje del héroe.

Tania Perón Pérez

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PIOTR ILIYCH CHAIKÓVSKI ROMEO E XULIETA, ABERTURA-FANTASÍA En 1860, un Mili Balakirev mozo [1837-1910] suxeriulle ao tamén mozo Chaikóvski escribir unha ópera sobre Romeo e Xulieta, de Shakespeare. A tarefa foi un camiño de espiñas para Chaikóvski, posto que non daba atopado o xeito de poder tratar a obra de maneira orixinal e fluída. Finalmente, só chegou a completar algúns temas e elementos soltos [o tema de amor entre Romeo e Xulieta, o conflito entre familias e pouco máis] que estivo retocando e puíndo ata 1880, cando se estreou con grande éxito a terceira versión en Tblisi, en 1886, baixo a batuta de Mikhail Ippolitov-Ivanov. A ópera completa non se achou e só se conservan algúns fragmentos completados e orquestrados por Sergey Taneyev

[1856-1915].

Cunha estrutura que ben se podería asociar a unha forma sonata, a obra comeza cun tema coral de carácter relixioso, o de ‘Fray Lorenzo’, que vai ocupar toda a introdución e supoñer os puntos de distensión formal dentro da obra. Esta sección introdutoria enlaza cun tema Allegro giusto máis vivo, de carácter marcial, bélico: o tema da ‘contenda entre Capuleto e Montesco’, que crea a tensión necesaria para a culminación no ‘Tema de amor’. O desenvolvemento expande os dous temas principais en diálogo, e que culmina nun clímax sobre o ‘Tema de amor’, que recolle a batalla e culmina o coral, creando unha estrutura circular coherente.

CAMILE SAINT-SAËNS [1835-1921]

O CARNAVAL DOS ANIMAIS ‘CISNE’

A obra de Saint-Saëns é dunha magnitude superlativa: desde pequenas pezas para piano ata vastas sinfonías, como a Terceira, óperas, unha ducia, ou infinidade de música de cámara. Tamén escribiu música incidental para teatro e, mesmo para unha película. E dentro dos seus escritos críticos trata temas tan diversos como a filosofía, a arqueoloxía ou o teatro. Realmente tiña unha capacidade de traballo e inventiva fóra de toda dúbida. Pero a obra que nos atinxe ten algo de especial. O Carnaval dos Animais foi composto para unha festa privada de Entroido, que creou non só un percorrido zoolóxico, senón unha sátira sobre personaxes e músicos da súa época. O seu éxito inmediato, combinado co carácter 8

lúdico da peza, fixo temer ao compositor ser considerado un autor de segunda -xunto a un lóxico asunto de dereitos de autor polo Can-Can de Orfeo nos Infernos, de Offenbach-e decidiu deixar a súa exposición pública para eventos seleccionados e prohibir ata a súa morte a edición da partitura, agás O Cisne.

Dos catorce movementos da obra, O Cisne, é o máis lírico, cantabile e lembrado de todos eles -con permiso de Acuario-. O delicado acompañamento e o voo melódico do violonchelo solista ofrécennos unha imaxe poética do grácil movemento da ave. Como instrumento ‘humano’ a expresión contida nunha estrutura de carácter liederístico non pode ser máis apropiada, porque pon na cabeza do oínte a posibilidade dunhas palabras non ditas, unicamente suxeridas. Un texto cuxa emoción vén do contido musical.

CAMILE SAINT-SAËNS [1835-1921]

CONCERTO PARA VIOLONCHELO EN LA MENOR, OP. 33

Enlazando coa peza O Cisne polo seu protagonista común, este concerto, escrito en 1872, mantense como unha das grandes contribucións da música francesa, que Saint-Saëns defendía con fervor, ao repertorio internacional. O lirismo e dramatismo do instrumento serviulle ao compositor para formular un canto de despedida por un familiar finado, tal como indica o seu biógrafo, Stephen Studd. O éxito da peza foi instantáneo, polo que re-cibiu numerosas críticas favorables.

A crítica de Revue et gazzete musical de Paris escribiu: Se o señor Saint-Saëns decidise continuar por este sendeiro, consecuente co seu Concerto para violín, o Trío en Fa e outras obras menos significantes, recobraría moitos dos votos que perdeu polo seu demasiado obvio xiro do Clasicismo nalgunhas das súas últimas obras. Debemos dicir que o Concerto de Chelo nos parece fermoso e un bo traballo de cohesión e emoción, como é normal nas obras de maior interese.

Debería clarificar se é en realidade unha peza de concerto, xa que os tres movementos se desenvolven sen solución de continuidade. A orquestra ten un papel que lle confire á peza un carácter sinfónico, unha tendencia presente en cada concerto con importancia desde Beethoven.

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De aquí derívanse dúas ideas que caracterizan a obra. Dunha banda, unha volta aos ca-nons máis clásicos, afastado de certo cromatismo exacerbado de procedencia xermana.

No entanto, Saint-Saëns ofrécenos achegamentos harmónicos que adiantan certas técnicas que veremos desenvolvidas en Fauré, Debussy e Ravel posteriormente: como o uso de longos pedais que sosteñen unha harmonía que se afasta da funcionalidade tonal ou o uso de conceptos modais diatónicos. Isto é, trata o novo desde a claridade diatónica, non cromática.

O segundo punto derivado é a forma. Malia os seus tres movementos diferenciados, non hai unha parada entre eles. Ao contrario, desenvólvense como un grande arco, que define unha procura de continuidade lineal, dramática e emocional ao longo dos case vinte minutos de duración. Esta, tamén, é unha característica de renovación formal ‘acochada’

no clasicismo da superficie.

Un vangardista vestido de clásico; un lobo disfrazado de año.

JEAN SIBELIUS [1865-1957]

LEMMINKÄINEN “CATRO LENDAS”: SUITE, OP. 22

Esta peza, composta entre os anos 1895 e 1896, xorde, por unha banda, dun proxecto frustrado de compoñer unha ópera sobre o Kalevala, un conxunto de historias épicas de carácter mitolóxico de Finlandia que Sibelius ha de utilizar en múltiples ocasións [Luonnotar, Pohjola ou Tapiola, entre outros] e, doutra, da capacidade de Sibelius de se achegar ao épico, para crear grandes poemas sinfónicos, máis próximos ao concepto sinfónico de Gustav Mahler que a Richard Strauss, máis desde o transcendental, que desde o humano. Aínda que, finalmente, para Sibelius, o importante era poder achar unha lóxica estrutural que lles dese organicidade e cohesión a obras de gran formato.

A obra divídese en catro movementos de carácter independente, pero con elementos en común: unha forte estruturación interna, un melodismo contido de amplo fraseo en cordas e curto nas madeiras, o tratamento textural e harmónico que parece deixar en suspenso a música, como se se tratase unha paisaxe xeada; e un control da cor orquestral extraordinario. Todo este conglomerado sitúa Sibelius dentro dos compositores da súa época, atento dos avances e promotor dunha música propia e recoñecible, que o converten en algo máis que un compositor nacionalista.

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O primeiro movemento, Lemminkäinen e as Damas da Illa, abre con dous acordes en metais, que lle dan paso á introdución onde as madeiras e o cello teñen un meirande pro-tagonismo. Esto dá paso a un tema de sonoridade pastoral, onde as madeiras comezan a moverse en figuracións máis rápidas, que non crean tensión, senón unha sonoridade case dionisíaca que contrasta co tema lírico nas cordas, moito máis longo e en díese. É

aquí onde se escoita unha das grandes técnicas de Sibelius: a superposición de temas de amplo fraseo, sobre un acompañamento continuo de movemento frenético, que afonda na sensación de ingravidez melódica. Durante o desenvolvemento e o que podemos considerar unha recapitulación, Sibelius desprega toda a súa inventiva orquestral, de xeito que tira de forma caleidoscópica toda unha serie de cores que xogan entre os rexistros e familias dunha maneira abraiantemente coherente. A coda final preséntase como unha serie de comentarios sobre aparicións de motivos xa escoitados.

O Cisne de Tuonela, segundo conta a mitoloxía finesa, canta e flota no río que rodea o inferno cuxo nome lle dá título a este movemento. Aquí, Sibelius, crea un manto sonoro nas cordas nun divisi de ata 15 partes que sosteñen como un bloque o canto do corno inglés, que se ve en diálogo con pequenas intervencións do violoncello, viola ou trompas.

A entrada da arpa e ampliación orquestral en Dó maior crean un contraste dramático perfecto, que prepara a volta do tema do cisne, sobre unha marcha fúnebre, que se vai desfacendo de xeito progresivo, como unha ladaíña remota.

Lemminkäinen en Tounela é, desde o punto de vista musical, o movemento máis avanza-do da suite. Nun primeiro momento, non existe unha melodía temática como tal. É algo que aparece máis tarde en madeiras, co tema de carácter folclórico nórdico [asociable, por exemplo, á música de Conan, o Bárbaro]. No canto disto, Sibelius concibe toda a primeira gran sección a través dun pequeno motivo de catro notas que se vai desenvol-vendo de maneira interna, non como tema, senón como textura. Isto é, a comprensión do desenvolvemento da peza está en observar como a densidade medra e decrece en amplitude e dinámica, mentres a harmonía ten un carácter secundario; o que conecta a Sibelius directamente con Richard Wagner e o seu Parsifal. Algo que Claude Debussy estaba a estudar para o seu Prélude à l’àprés-midi d’un faune . Tras a mencionada sección folclórica, esta textura ominosa volve aparecer e dálle paso á coda, cun solo de cello que lembra o Cisne de Tuonela .

A viaxe de regreso de Lemminkäinen ofrécenos unha mostra da cantidade de maneiras que ten Sibelius de desenvolver unha soa idea. Este movemento, construído como un rondó sonata, presenta, máis alá da tonalidade de regreso a Mib maior, armadura inicial 11

da obra, unha das técnicas máis destacables desta obra en canto a construción formal a través da densidade. Toda a viaxe disposta na partitura é un percorrido moi ben pensado e estruturado desde unha densidade mínima de dous elementos, ata unha utilización monumental de toda a orquestra que fai medrar de maneira orgánica. Esta peza consti-túe así, todo o percorrido final da viaxe do heroe.

Tania Perón Pérez

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NAREK

HAKHNAZARYAN

VIOLONCHELO

Desde que ganó el primer premio de violonchelo y la medalla de oro en el XIV Concurso Internacional Chaikovski en 2011 con veintidós años Narek Hakhnazaryan ha colaborado con la gran parte de las orquestas más importantes y en recitales y música de cámara de muchos de los festivales más prestigiosos del mundo.

Los aspectos más destacados en su temporada 2022-2023 incluyen actuaciones en el Concertgebouw de Ámsterdam en cuarteto con Nikolai Lugansky, Nikita Boriso-Glebsky, y Maxim Rysanov; una gira española con la Orquesta Sinfónica de Barcelona y Nacional de Cataluña con Juanjo Mena; conciertos en Alemania con la Konzerthaus Dortmund y con la Royal Philharmonic Orchestra en Cadogan Hall de Londres. Además, Hakhnazaryan va a emprender una gira por California con conciertos en San Diego, Sacramento y Fresno. Esta temporada ha obtenido una residencia en la Wiener Konzerthaus, presentando un trío con Nikita Boriso-Glebsky y Georgy Tchaidze en un abono de música de cámara.

Hakhnazaryan ha disfrutado de una carrera verdaderamente global desde su salto a la fama en 2011 y ha tocado con orquestas como la Orquesta de París, Radio Fráncfort (hr-Sinfonieorchester), Konzerthaus de Berlín, las orquestas sinfónicas de Londres, Pi-13

ttsburgh, Sídney, NHK y Chicago y las filarmónicas de Londres, Róterdam, Estocolmo, Los Ángeles y Seúl con directores de la talla de Gergiev, Koopman, Alsop, Lintu, Sokhiev, Robertson, Honeck, Noseda y Netopil. Participó en una gira por España con la WDR Sinfonieorchester Köln/Saraste, en Estados Unidos con la Orquesta Nacional de Estonia/

Neemi Järvi y en Japón con la Filarmónica Checa/Bělohlávek. Antiguo artista BBC New Generation, ha colaborado con todas las orquestas de la BBC e hizo un debut sobresaliente en los BBC Proms. En 2017, la Wiener Konzerthaus invitó a Hakhnazaryan como

«gran talento» y durante las dos temporadas siguientes actuó en la prestigiosa sala en recitales, música de cámara y también con orquesta, especialmente con la Sinfónica de Viena bajo la dirección de Hrůša.

En septiembre de 2017 el presidente de Armenia, Serzh Sargsyan, le otorgó el título de «Artista de Honor de Armenia».

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NAREK

HAKHNAZARYAN

VIOLONCHELO

Desde que gañou o primeiro premio de violonchelo e a medalla de ouro no XIV Concurso Internacional Chaikovski en 2011 con vinte e dous anos, Narek Hakhnazaryan colaborou con gran parte das orquestras máis importantes e en recitais e música de cámara de moitos dos festivais máis prestixiosos do mundo.

Os aspectos máis destacados na súa temporada 2022-2023 inclúen actuacións no Concertgebouw de Ámsterdam en cuarteto con Nikolai Lugansky, Nikita Boriso-Glebsky e Maxim Rysanov; unha xira española coa Orquestra Sinfónica de Barcelona e Nacional de Cataluña con Juanjo Mena; concertos en Alemaña coa Konzerthaus Dortmund e mais coa Royal Philharmonic Orchestra en Cadogan Hall de Londres. Ademais, Hakhnazaryan vai emprender unha xira por California con concertos en San Diego, Sacramento e Fresno. Esta temporada obtivo unha residencia na Wiener Konzerthaus na que presentou un trío con Nikita Boriso-Glebsky e Georgy Tchaidze nun abono de música de cámara.

Hakhnazaryan gozou dunha carreira verdadeiramente global desde o seu salto á fama en 2011 e tocou con orquestras como a Orquestra de París, a Radio Fráncfort (hr-Sinfonieorchester), a Konzerthaus de Berlín, as orquestras sinfónicas de Londres, Pittsburgh, Sid-ney, NHK e Chicago e as filharmónicas de Londres, Rotterdam, Estocolmo, Los Ángeles e 15

Seúl con directores do prestixio de Gergiev, Koopman, Alsop, Lintu, Sokhiev, Robertson, Honeck, Noseda e Netopil. Participopu nunha xira por España coa WDR Sinfonieorchester Köln/Saraste, en Estados Unidos coa Orquestra Nacional de Estonia/Neemi Järvi e no Xapón coa Filharmónica Checa/Bělohlávek. Antigo artista BBC New Generation, colaborou con todas as orquestras da BBC e fixo un debut sobresaliente nos BBC Proms.

En 2017, a Wiener Konzerthaus convidou a Hakhnazaryan como «gran talento» e durante as dúas temporadas seguintes actuou na prestixiosa sala en recitais, música de cámara e tamén con orquestra, especialmente coa Sinfónica de Viena baixo a dirección de Hrůša.

En setembro de 2017 o presidente de Armenia, Serzh Sargsyan, outorgoulle o título de «Artista de Honor de Armenia».

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ARI

RASILAINEN

DIRECTOR

Estudió con Jorma Panula en la Academia Sibelius en Helsinki y con Arvid Jansons y Alexander Labko (violín) en Berlín. Antes de iniciar su carrera como director, fue violinista de la Orquesta de Radio Finlandia y de la Filarmónica de Helsinki. Ha sido director titular de la Orquesta de Laaperanta en Finlandia entre 1985 y 1989; principal director invitado de la Filarmónica de Tampere hasta 1994; titular de la Orquesta Radio Noruega de 1994

a 2002; titular de la Sinfonia Jyväskylä hasta 1998 y de 1999 a 2004 de la Pori Sinfonietta, ambas en Finlandia. Desde 2002 a 2009 fue titular de la Orquesta Staatsphilharmonie Rheiland-Pfalz en Ludwigshafen, Alemania y director titular de la Südwestdeutsche Philharmonie Konstanz desde 2016 a 2021. Desde 2002 es principal director invitado de la Sinfónica de Aalborg en Dinamarca.

Como director de ópera ha tenido destacados éxitos en la Ópera Nacional Finlandesa en Helsinki con las producciones de Lohengrin, La flauta mágica y Tosca, así como en el Festival de Ópera de Savonnlina dirigiendo la ópera finlandesa Ratsumies (The Horseman) de Aulis Sallinen. En enero de 2014 dirigió una nueva producción de Eugene Onegin en la Ópera Nacional de Montpellier.

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Ari Rasilainen ha dirigido a las principales orquestas de radio alemanas, entre las que caben destacar la Radio Frankfurt, SWR de Stuttgart, Sinfónica de la MDR Leipzig, Filarmónica NDR de Hannover, Sinfónica Radio Berlín y Sinfónica WDR de Colonia. También dirigió a la Orquesta del Gewandhaus de Leipzig, Sinfónica de Bamberg, Orquesta del Estado de Hannover, Filarmónica de Bremen, Filarmónica de Stuttgart, Filarmónica de Estrasburgo, Filarmónica Eslovena, Orchestre de la Suisse Romande, Sinfónica de Berna, Sinfónica de Odense, Filarmónica de Praga, Filarmónica de Bremen y Filarmónica Schumann. Muy popular entre las orquestas españolas, ha dirigido a la Orquesta y Coro Nacionales de España, ORTVE, Orquesta de Euskadi, OBC, Asturias, Bilbao, Galicia, Sevilla, Tenerife y Valencia.

Sus más de setenta grabaciones discográficas para diversos sellos incluyen la integral de las sinfonías y los conciertos de Kurt Atterberg, así como la mayor parte de obras sinfónicas de su compatriota Aulis Salinen y de numerosos compositores escandinavos, que muestran el alcance del trabajo artísticoartístico y la amplitud de su repertorio. Entre sus últimos discos se incluye la Sinfonía de la naturaleza de Siegmund von Hausegger junto a la Sinfónica WDR de Colonia. En 2011 la Academia de Música en Würzburg le nombró profesor de dirección de orquesta.

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ARI

RASILAINEN

DIRECTOR

Estudou con Jorma Panula na Academia Sibelius en Helsinqui e con Arvid Jansons e Alexander Labko (violín) en Berlín. Antes de iniciar a súa carreira como director, foi violinista da Orquestra de Radio Finlandia e da Filharmónica de Helsinqui. Foi director titular da Orquestra de Laaperanta en Finlandia entre 1985 e 1989; principal director convidado da Filharmónica de Tampere ata 1994; titular da Orquestra Radio Noruega de 1994 a 2002; titular da Sinfonia Jyväskylä ata 1998 e de 1999 a 2004 da Pori Sinfonietta, ambas as dúas en Finlandia. Desde 2002 a 2009 foi titular da Orquestra Staatsphilharmonie Rheiland-Pfalz en Ludwigshafen, Alemaña, e director titular da Südwestdeutsche Philharmonie Konstanz desde 2016 a 2021. Desde 2002 é principal director convidado da Sinfónica de Aalborg en Dinamarca.

Como director de ópera tivo destacados éxitos na Ópera Nacional Finlandesa en Helsinqui coas producións de Lohengrin, A frauta máxica e Tosca, así como no Festival de Ópera de Savonnlina, onde dirixiu a ópera finlandesa Ratsumies (The Horseman) de Aulis Sallinen. En xaneiro de 2014 dirixiu unha nova produción de Eugene Onegin na Ópera Nacional de Montpellier.

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Ari Rasilainen dirixiu as principais orquestras de radio alemás, entre as que caben destacar a Radio Frankfurt, a SWR de Stuttgart, a Sinfónica da MDR Leipzig, a Filharmónica NDR de Hannover, a Sinfónica Radio Berlín e mais a Sinfónica WDR de Colonia. Tamén dirixiu a Orquestra do Gewandhaus de Leipzig, a Sinfónica de Bamberg, a Orquestra do Estado de Hannover, a Filharmónica de Bremen, a Filharmónica de Stuttgart, a Filharmónica de Estrasburgo, a Filharmónica Eslovena, a Orchestre de la Suisse Romande, a Sinfónica de Berna, a Sinfónica de Odense, a Filharmónica de Praga, a Filharmónica de Bremen e mais a Filharmónica Schumann. Moi popular entre as orquestras españolas, dirixiu a Orquestra e Coro Nacionais de España, ORTVE, Orquestra de Euskadi, OBC, Asturias, Bilbao, Galicia, Sevilla, Tenerife e Valencia.

As súas máis de setenta gravacións discográficas para diversos selos inclúen a integral das sinfonías e os concertos de Kurt Atterberg, así como a meirande parte de obras sinfónicas do seu compatriota Aulis Salinen e de numerosos compositores escandinavos, que amosan o alcance do traballo artístico e a amplitude do seu repertorio. Entre os seus últimos discos inclúese a Sinfonía da natureza de Siegmund von Hausegger xunto a Sinfónica WDR de Colonia. En 2011 a Academia de Música en Würzburg nomeouno profesor de dirección de orquestra.

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ORQUESTA SINFÓNICA DEL

PRINCIPADO DE ASTURIAS

La OSPA nace en 1991 bajo el auspicio del Gobierno del Principado de Asturias y con el objetivo prioritario de enriquecer musical y culturalmente la región. Su Majestad el Rey Felipe VI es su presidente de honor. Es un organismo autónomo de la Consejería de Cultura, Política Lingüística y Turismo, y miembro de la Asociación Española de Orquestas Sinfónicas, AEOS.

Heredera de la antigua Orquesta Sinfónica Provincial, cuyos orígenes se remontan a 1939

y de la posterior Orquesta Sinfónica de Asturias, la OSPA es un referente dentro y fuera de Asturias por su versatilidad, su capacidad interpretativa y su calidad indiscutible. La pasada temporada celebró su trigésimo aniversario.

La OSPA está compuesta por sesenta y nueve profesores de varios países de la Unión Europea y también de Rusia, Estados Unidos, Ecuador y Filipinas. Su actividad principal se articula en torno a las temporadas de conciertos que ofrece cada año en Oviedo, Gijón y Avilés. Por ellas han pasado algunos de los solistas y directores más relevantes del panorama internacional, además de sus directores titulares, Jesse Levine, Maximiano Valdés y Rossen Milanov.

Además de en los conciertos de temporada, la OSPA es ya parte obligada y esperada en el concierto previo a la entrega de los Premios Princesa de Asturias o en el tradicional Con-21

cierto de Navidad, estos últimos en estrecha colaboración con el Coro de la Fundación Princesa de Asturias, sin olvidar también su importante participación en la temporada de ópera de la Asociación Asturiana de Amigos de la Ópera.

La orquesta desarrolla además en Asturias una intensa labor pedagógica y social que va ampliando horizontes año a año y que está recibiendo una gran acogida en todos los lugares en los que se presenta. Entre sus actividades más destacadas cabe señalar su colaboración con el Carnegie Hall en el programa LinkUp, que convierte a la Orquesta en la primera institución europea y de habla hispana en implementar dicho programa educativo en toda Asturias.

Fuera del Principado, la orquesta ha actuado en los auditorios y salas más importantes de la geografía española, ha colaborado con la Asociación Bilbaína de Amigos de la Ópera y en convocatorias de verano tan relevantes como los festivales de Santander, de Música y Danza de Granada o de Música Contemporánea de Alicante, así como en la Semana de Música Religiosa de Cuenca o el Festival Musika-Música de Bilbao, al que es invitada asiduamente.

De sus giras internacionales hay que destacar la realizada en el año 1996 por México y Chile, donde volverá dos años más tarde.

En 1998 participó también en el Festival Intercéltico de Lorient, en Francia. La OSPA regresó a México en 2007 con gran éxito de crítica y a finales de ese año viajó a China, dentro de las actividades del Año de España en este país. En noviembre de 2011 ofreció un concierto ante Su Santidad Benedicto XVI en la Sala Nervi del Vaticano, bajo el me-cenazgo de la Fundación María Cristina Masaveu Peterson. Con este concierto extraordinario, la OSPA se convirtió en la primera sinfónica española de titularidad pública que ha actuado hasta el momento en dicha sala. En junio 2014 realizó una exitosa gira por Bulgaria donde obtuvo excelentes críticas, tanto en Sofia como en Varna.

La trayectoria discográfica de la OSPA se inició con obras de temática y de autores as-turianos como Benito Lauret, Julián Orbón o Ramón Prada. Ha grabado también para sellos como Artek o Naxos; con este último ha cosechado excelentes críticas por sus grabaciones de música de Manuel de Falla y Joaquín Rodrigo. En la temporada 2012-13

grabó, para Classic Concert Records, Petrouchka de Stravinsky y El sombrero de tres picos de Falla (primer cedé de la serie Diaghilev y Los Ballets Rusos). En julio de 2015

salió a la luz la grabación realizada con el violinista Ning Feng de la obra Apasionado de 22

Pablo Sarasate bajo el sello discográfico Channel Classics. En junio de 2017 ha grabado su segundo cedé, Virtuoso, con Ning Feng, de nuevo bajo este mismo sello discográfico la obra de Vieuxtemps Concierto para violín nº 4 en re menor, op. 31 y de Paganini el Concierto para violín nº1 en re mayor, op. 6. La OSPA ha llevado a cabo la recuperación de títulos de nuestro patrimonio musical como Los amantes de Teruel o Covadonga, de Tomás Bretón; la zarzuela barroca de Sebastián Durán, Imposible mayor en amor, le vence amor, y ha reestrenado obras del sinfonismo español del siglo XIX de autores como Pedro Miguel Marqués, entre otros.

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ORQUESTA SINFÓNICA DEL

PRINCIPADO DE ASTURIAS

A OSPA nace en 1991 baixo o auspicio do Goberno do Principado de Asturias e co obxec-tivo prioritario de enriquecer musical e culturalmente a rexión. A Súa Maxestade o Rei Felipe VI é o seu presidente de honor. É un organismo autónomo da Consejería de Cultura, Política Lingüística y Turismo, e membro da Asociación Española de Orquestas Sinfónicas, AEOS.

Herdeira da antiga Orquesta Sinfónica Provincial, cuxas orixes se remontan a 1939 e da posterior Orquesta Sinfónica de Asturias, a OSPA é un referente dentro e fóra de Asturias pola súa versatilidade, a súa capacidade interpretativa e a súa calidade indiscutible. A pasada temporada celebrou o seu trixésimo aniversario.

A OSPA está composta por sesenta e nove profesores de varios países da Unión Europea e tamén de Rusia, Estados Unidos, Ecuador e Filipinas. A súa actividade principal articúlase ao redor das temporadas de concertos que ofrece cada ano en Oviedo, Xixón e Avilés. Por elas pasaron algúns dos solistas e directores máis relevantes do panorama internacional, ademais dos seus directores titulares, Jesse Levine, Maximiano Valdés e Rossen Milanov.

Ademais de nos concertos de temporada, a OSPA é xa parte obrigada e esperada no concerto previo á entrega dos Premios Princesa de Asturias ou no tradicional Concerto de 24

Nadal, estes últimos en estreita colaboración co Coro da Fundación Princesa de Asturias, sen esquecer tamén a súa importante participación na temporada de ópera da Asociación Asturiana de Amigos de la Ópera.

A orquestra desenvolve ademais en Asturias un intenso labor pedagóxico e social que vai ampliando horizontes ano a ano e que está a recibir unha grande acollida en todos os lugares nos que se presenta. Entre as súas actividades máis destacadas cabe sinalar a súa colaboración co Carnegie Hall no programa LinkUp, que converte a Orquestra na primeira institución europea e de fala hispana en levar a cabo o devandito programa educativo por toda Asturias.

Fóra do Principado, a orquestra actuou nos auditorios e salas máis importantes da xeo-grafía española, colaborou coa Asociación Bilbaína de Amigos de la Ópera e en convocatorias de verán tan salientables como os festivais de Santander, de Música e Danza de Granada ou de Música Contemporánea de Alacant, así como na Semana de Música Religiosa de Cuenca ou o Festival Musika-Música de Bilbao, ao que é convidada asiduamente.

Das súas xiras internacionais hai que salientar a realizada no ano 1996 por México e Chile, onde volverá dous anos máis tarde.

En 1998 participou tamén no Festival Intercéltico de Lorient, en Francia. La OSPA regre-sou a México en 2007 con grande éxito de crítica e a finais dese ano viaxou á China, dentro das actividades do Ano de España neste país. En novembro de 2011 ofreceu un concerto perante a Súa Santidade Benedicto XVI na Sala Nervi do Vaticano, baixo o mecenado da Fundación María Cristina Masaveu Peterson. Con este concerto extraordinario, a OSPA converteuse na primeira sinfónica española de titularidade pública que actuou ata o momento na devandita sala. En xuño 2014 realizou unha xira de éxito por Bulgaria onde obtivo excelentes críticas, tanto en Sofia como en Varna.

A traxectoria discográfica da OSPA iniciouse con obras de temática e de autores astu-rianos como Benito Lauret, Julián Orbón ou Ramón Prada. Gravou tamén para selos como Artek ou Naxos; con este último acadou excelentes críticas polas súas gravacións de música de Manuel de Falla e Joaquín Rodrigo. Na temporada 2012-13 gravou, para Classic Concert Records, Petrouchka de Stravinsqui e El sombrero de tres picos de Falla (primeiro CD da serie Diaghilev e Os Ballets Rusos). En xullo de 2015 saíu á luz a gravación realizada co violinista Ning Feng da obra Apaixonado de Pablo Sarasate baixo o selo 25

discográfico Channel Classics. En xuño de 2017 gravou o seu segundo CD, Virtuoso, con Ning Feng, de novo baixo este mesmo selo discográfico a obra de Vieuxtemps Concerto para violín nº 4 en re menor, op. 31 e de Paganini o Concerto para violín nº 1 en re maior, op. 6. A OSPA levou a cabo a recuperación de títulos do noso patrimonio musical como Los amantes de Teruel ou Covadonga, de Tomás Bretón; a zarzuela barroca de Sebastián Durán, Imposible mayor en amor, le vence amor, e reestreou obras do sinfonismo español do século XIX de autores como Pedro Miguel Marqués, entre outros.

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ORQUESTA SINFÓNICA

DEL PRINCIPADO

DE ASTURIAS

VIOLINES I

VIOLAS

Mirabai Weismehl (Concertino)

Vicente Alamá *

Eva Meliskova (Ayuda de concertino) Steven Wright **

Javier Curiel

Iván Kratochvila

Masten Brich

María Moros

Marta Menghini

Sandrine Ferrand

Matthias L. Emmerinck

Beltrán Cubel

Daniel Jaime

Jorge Gallardo

Alexis T. Garita

Samuel Sedano

Gustavo Fernández

Claudio Vásquez

VIOLONCHELOS

Pablo de la Carrera

Maximilian von Pfeil *

Marcos Fernández

Yves Nicolás Cernea**

Sabine Lohez

Vladimir Atapin

Suren Khachatryan

Irene Alvar

Pelayo Cuéllar

VIOLINES II

Ingrid Vlachynska

Héctor Corpus *

Marta Martínez

Pedro Ordieres **

María Rascón

María Rodríguez

Adolfo Rascón

CONTRABAJOS

Jantien Kassies

Francisco Mestre *

Elena Albericio

Joshua Kuhl **

Francisco Barahona

Fernando González

Elisa Martínez

José Antonio Jiménez

David Carmona

Philippe Giresse

Javier Muñiz

Javier Fierro

Cristina Castillo

* Principal

** Co principal

27

FLAUTAS

TROMPETAS

Myra Pearse*

Maarten van Weverwijk *

Blanca Ruiz **

Vicente Vallet **

Peter Pearse * flautín

David Escarabajal **

OBOES

TROMBONES

Juan Ferriol*

Christian Brandhofer *

Pablo Amador Robles **

Enrique Rodilla **

Juan Pedro Romero *

Sylvain Orsettig * trombón bajo

CLARINETES

TUBA

Andreas Weisgerber *

David Moen *

Daniel Sánchez * clarinete bajo

TIMBALES

FAGOTES

Jeffery Prentice *

Vicente Mascarell *

John Falcone* contrafagot

PERCUSIÓN

Rafael Casanova *

TROMPAS

Francisco Revert **

José Luis Morató *

Pablo García **

David Rosado **

Javier Molina *

ARPA

Jesús López **

Mirian del Río

EQUIPO TÉCNICO

Gerente

Auxiliar intérprete

Ana Mateo

Aránzazu Álvarez

Administradora

Auxiliares Administrativas

Pilar Colunga

Consuelo del Campo

Alicia Isabel Pérez

Coordinadora de actividades

Olga Torre

Marta Riaño

Ordenanza

Gestora de personal

Vanessa Fernández

Lidia Sánchez

RR. SS

Archivo musical

Marta Barbón

Fátima Ruiz

Ayudante de regidor

Inspector/Regidor

Pablo Fernández

Flavio García

28

CONSORCIO

PARA LA PROMOCIÓN

DE LA MÚSICA

Inés Rey

Presidenta

Anxo M. Lorenzo

Vicepresidente

EQUIPO TÉCNICO - ADMINISTRATIVO

Andrés Lacasa Nikiforov

Iván Portela López

Gerente

Programas didácticos

Olga Dourado González

José Antonio Anido Rodríguez

Secretaria-interventora

Angelina Déniz García

Noelia Roberedo Secades

María Salgado Porto

Administración

Jefa de gestión económica

Inmaculada Sánchez Canosa

Ángeles Cucarella López

Gerencia y coordinación

Coordinadora general

Nerea Varela

José Manuel Queijo

Secretaría de producción

Jefe de producción

Lucía Sández Sanmartín

Javier Vizoso

Prensa y comunicación

Jefe de prensa y comunicación

José Manuel Ageitos Calvo

Alberto García Buño

Daniel Rey Campaña

Contable

Regidores

Zita Kadar

Diana Romero Vila

Archivo musical

Auxiliar de archivo

29

PRÓ

XIMOS

PROGRAMAS

MUSIKA

MÚSICA 2023

SA 04.03.23

CHARLES IVES

12h

The Unanswered Question

Palacio Euskalduna

- Bilbao

RICHARD STRAUSS

Así habló Zaratustra, op. 30

Alexander Liebreich

director

DO 05.03.23

CARL ORFF

20.30h

Carmina Burana

Palacio Euskalduna

- Bilbao

Irene Palazón

soprano

Joaquín Asiain

tenor

Toni Marsol

barítono

SOCIEDAD CORAL DE BILBAO

Alexander Liebreich

director

CONCIERTO GANADORES

CONCURSO DE SOLISTAS

CONSERVATORIO SUPERIOR DE

MÚSICA DE A CORUÑA

VI 10.03.23

WOLFGANG AMADEUS MOZART

20h

Concierto para piano nº 23 en la mayor, Palacio de la

Ópera - A Coruña

K. 488

Concierto de

AARON COPLAND

entrada libre y

Concierto para clarinete

gratuita hasta

completar aforo

Noreia Hermida Pérez

piano

Ignaciko Da Vila Benavides

clarinete

José Trigueros

director

PROGRAMA 15

VI 17.03.23

WILLIAM WALTON

20h

Scpaino “Comedy Overture”

Palacio de la

Ópera - A Coruña

BENJAMIN BRITTEN

SA 18.03.23

Concierto para violín nº 1, op. 15

19.30h

EDWARD ELGAR

Auditorio

Miguel Delibes

Sinfonía nº 1 en la bemol mayor, op. 55

- Valladolid

Juanjo Mena

director

James Ehnes,

violín