PRO SÁBADO 14 DE ENERO 2023 - 20H.

GRAMA

EXTRAORDINARIO

22/23

PRO

GRAMA

EXTRAORDINARIO

SA 14.01.23

I NIKOLÁI CHEREPNÍN (1873-1945)

20h

Palacio de la

Preludio para “La princesse lointaine”,

Ópera - A Coruña

op. 4 (10’)

DMITRI SHOSTAKÓVICH (1906-1975)

Concierto para violín y orquesta nº 2

en do sostenido menor, op. 129 (30’)

Moderato

Adagio

Adagio – Allegro

Baiba Skride

II

violín

PIOTR ILICH CHAIKOVSKI (1840-1893)

Thierry Fischer

Sinfonía nº 4 en fa menor, op. 36 (43’)

director

Andante sostenuto – Moderato con anima

Andantino in modo di canzona

Orquesta Sinfónica

Scherzo. Pizzicato ostinato. Allegro

de Castilla y León

Finale. Allegro con fuoco

«Y ASÍ MURIÓ ENTRE SUS BRAZOS. Y ELLA LO HIZO SEPULTAR CON GRAN HONOR»

La princesa lejana op. 4 es una obra orquestal que Nikolái Nikolaievich Cherepnin (San Petersburgo, 3/15.05.1873; París, 26.06.1945) compuso como preludio para una representación de la obra teatral La princesse lointaine (1895) de Edmond Rostand (1868- 1918) en 1896, cuando todavía era alumno de composición del Conservatorio de San Petersburgo, donde se graduó en piano —con K. K. Fan Arkh— y en composición —con Nicolái Rimski-Kórsakov- en 1898. Sin embargo, en los años siguientes, con la colaboración de Rimski-Kórsakov, quien pasó de profesor a amigo, reelaboró la obra y actualmente se suele interpretar la versión publicada por la editorial Belaiev en 1899 o 1904 (existe una versión anterior en Belaiev, de 1897).

La obra —escrita originalmente por Rostand para Sarah Bernhardt— encaja perfectamente en el estilo de la Belle Époque con sus referencias medievales imaginarias, su romanticismo trágico y su orientalismo, y cuenta la historia del trovador Jaufre Rudel y su amor ideal por Melisenda, a cuyos pies muere tras un largo viaje desde Marsella hasta Trípoli para conocerla personalmente.

Es de suponer que Cherepnin realizó toda la música incidental para esta obra de teatro, aunque en su catálogo sólo figura este «preludio para gran orquesta». Nada raro en un compositor que tuvo gran éxito en su juventud y fue uno de los grandes colaboradores de Diaghilev en sus primeros años de temporadas rusas en París pero que luego se vio muy marcado por las circunstancias políticas a partir de la Revolución Rusa de 1917, que le obligaron a exiliarse en Tiflis (Georgia) entre 1918 y 1921, y luego en París —aunque con giras por Europa y EEUU, especialmente como director de orquesta— donde acabó falle-ciendo tras haber intentado inútilmente escapar en 1941 de la invasión alemana. Todavía hoy, dejando aparte sus ballets como el aún popular El pabellón de Armida (1903), es poco habitual escuchar música de Nikolái Cherepnin. Su hijo Alexander Cherepnin (1899-1977), dos de sus nietos y dos de sus bisnietos —actualmente cuarentones— son también destacados compositores, establecidos principalmente en EEUU.

«ME GUSTARÍA DEDICARTE EL CONCIERTO»

Dimitri Shostakóvich (San Petersburgo, 25.09.1906; Moscú, 9.08.1975) no estaba pasando el mejor momento de su vida —salud muy quebrantada, problemas sentimentales—

cuando compuso este Concierto para violín nº 2, op 129 y sin embargo parece haber sido una obra que le dio muchas satisfacciones en un momento en que su éxito como compositor era ya incontestable, tanto en la URSS como en todo el mundo occidental, como 3

se había reflejado en los numerosos homenajes y conciertos que se le dedicaron por su sesenta cumpleaños.

El siguiente acontecimiento musical en la URSS iba a ser el sesenta cumpleaños del gran violinista David Oistrakh (Odesa, 1908; Ámsterdam, 1974) y los preparativos comenza-ron casi inmediatamente. De Shostakóvich, gran amigo de Oistrakh desde hacía muchos años y al que ya había dedicado su Concierto para violín nº 1 en 1948, se esperaba que le dedicara alguna obra nueva aunque no consta que llegara a haber ningún encargo oficial.

De hecho, como este Concierto nº 2 fue finalizado con casi un año de antelación, Shostakóvich le compuso otra obra para su aniversario en el otoño de 1968: la Sonata para violín y piano en sol mayor op. 134, que Oistrakh interpretó casi siempre con el pianista Sviatoslav Richter porque Shostakóvich —debido a su delicada salud— no podía dar ya conciertos de piano en público.

El Concierto nº 2 fue escrito en la primavera de 1967, durante unas pequeñas vacaciones que Dimitri Shostakóvich pasó en Repino, al norte de San Petersburgo (en la península de Karelia), en una casa de reposo que la Asociación de Compositores tenía allí. La composición fue rápida y sin tropiezos, de modo que hacia el 18 de abril la obra ya estaba terminada, por lo menos en sus líneas principales y el 20 de mayo de 1967, Shostakóvich le escribió a su amigo David Oistrakh desde Moscú: Querido Dodik: he terminado un nuevo concierto para violín. Estaba pensando en ti cuando lo escribí. Quiero enseñarte el concierto, aunque estos días me resulta terriblemente difícil tocar.

Estaré muy feliz si el concierto te gusta, y si decides tocarlo mi felicidad será indescriptible. Si no tienes ninguna objeción, me gustaría dedicarte el concierto.

Las similitudes técnicas y formales entre los dos conciertos que Shostakóvich escribió para Oistrakh son evidentes, pero el sentimiento interior es bastante distinto: si en el primero predomina la brillantez y el lucimiento, el Concierto nº 2 es más reconcentrado y al tiempo más melódico. Aunque hay muchas divergencias al respecto, algunos estu-diosos han querido ver en la obra un retrato musical de Oistrakh y de su ciudad natal, con citas de canciones callejeras y tradicionales de Odesa, especialmente de melodías judías, incluyendo el grito en yidis de un vendedor de bollitos. Otros hablan en cambio de la utilización de una tonalidad tan poco habitual en los conciertos para violín como la de do sostenido menor como un homenaje al Cuarteto op. 131 de Beethoven o a la Quinta sinfonía de Mahler y creen escuchar citas de obras o reminiscencias del propio Shostakóvich (Quinta sinfonía), Prokófiev, Chopin, Beethoven, Brahms, o Mozart.

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El Concierto para violín nº 2 fue estrenado con algunos arreglos de Oistrakh para adap-tarlo a su propio estilo el 13 de septiembre de 1967 en el Palacio de Cultura de la pequeña localidad de Bolshevo, en las afueras de Moscú. Shostakóvich no asistió porque debido a su poliomielitis se había caído y roto una pierna, pero se le mandó una grabación y quedó encantado con el resultado de la obra. Dos semanas después, el 26 de septiembre, la Filarmónica de Moscú bajo la dirección de Kiril Kondrashin estrenó oficialmente la obra en la Gran Sala del Conservatorio de Moscú. El estreno «occidental» fue muy rápido también: en el Royal Festival Hall de Londres, el 19 de noviembre, con Oistrakh acompañado por la London Symphony Orchestra bajo la dirección de Eugene Ormandy.

«¿QUÉ LE DEPARARÁ EL PORVENIR A ESTA SINFONÍA?»

La Cuarta sinfonía en fa menor es sólo unos meses anterior al Concierto para violín que escucharemos en menos de una semana a la OSG y fue compuesta entre la primavera de 1877 y los primeros días de enero de 1878, un período relativamente largo para lo habitual en Chaikovski pero perfectamente justificable por sus complicadas circunstancias vitales, que incluyen la composición de la ópera Evgueni Oneguin (mayo 1877 - enero de 1878), un matrimonio, un intento de suicidio, una depresión y varios viajes por Europa. O

como lo resumió él mismo dos años después en una carta, hablando de su «período de locura»: «¿Reconocerías ahora en este músico ruso que viaja por toda Europa a aquel hombre que, solo unos años atrás, huyó de la vida en sociedad y vivió recluido en el ex-tranjero o en el campo?»

A estos problemas personales se sumaba que Chaikovski era un compositor relativamente poco conocido en Rusia, y en general mal aceptado entre los círculos artísticos

—no era suficientemente ruso— y políticos —era muy independiente y tenía mala fama en ciertos ambientes—, además de llevar una vida aislada y que le deprimía. Por eso tenía un gran interés en triunfar con esta nueva sinfonía, la Cuarta, y establecerse firmemente en su carrera, hasta entonces con pocos éxitos. Como compositor tenía muy claro cuáles iban a ser sus modelos en esta ocasión: por un lado, la Quinta sinfonía de Beethoven, con la que comparte su pathos, y por otro la Sinfonía fantástica de Berlioz y su programa autobiográfico.

Por lo que sabemos, no fue esta la única ocasión en que Chaikovski aplicó un programa literario o personal a sus sinfonías, pero normalmente lo mantenía en secreto, como una cuestión privada. En el caso de la Cuarta sinfonía conocemos con mucho detalle el programa porque Chaikovski se sintió obligado a responder epistolarmente a las pre-5

guntas insistentes de su protectora, Nadezhda von Meck, quien a cambio de su dinero deseaba estar al tanto de todo lo que hacía y pensaba Chaikovski. Como le explicó en una carta mientras la componía, toda la sinfonía gira en torno al fatum, «la fuerza fatal que me impide el impulso hacia la felicidad», que en la introducción es un «sentimiento de infelicidad y desesperación» para convertirse en el primer movimiento en «un sueño dulce y gentil» que se puede confundir con la felicidad. El segundo movimiento narra «el estado melancólico que se experimenta en la soledad de la tarde» cuando los recuerdos

—unos felices, otros no tanto— nos rodean: «es triste, pero de vez en cuando dulce, su-mergirse en el pasado». El tercer movimiento «no expresa sentimientos definidos. Está hecho de arabescos caprichosos, de imágenes inaprensibles, como las que imaginamos cuando hemos bebido un poco de vino y entramos en la primera fase de la borrachera.

Ignoro si es jocoso o triste». El cuarto movimiento pretende ser una recapitulación y una conclusión de su filosofía vital, aunque el fatum reaparece ocasionalmente manchando la alegría: «Caminar entre el pueblo. Observar hasta qué punto es capaz de divertirse, de abandonarse enteramente al sentimiento gozoso. Existen alegrías simples pero poderosas. Alegría por la alegría ajena. ¡Es posible vivir!».

La partitura quedó finalizada el 10 de enero de 1878 y al día siguiente Chaikovski escribió a Nadezhda von Meck:

Me parece que esta es mi mejor obra. De mis dos últimas creaciones, la ópera [Evgueni Oneguin]

y la sinfonía, me gusta más esta última. ¿Qué le deparará el porvenir a esta sinfonía? ¿Sobrevivi-rá mucho después de que su autor haya desaparecido de la faz de la tierra, o se irá directamente a las profundidades del olvido? Yo sólo sé que en este momento estoy ciego a cualquier defecto en mi nueva obra. Sin embargo, estoy seguro de que, en cuanto a textura y forma, representa un paso adelante en mi desarrollo...

El estreno tuvo lugar en Moscú el 22 de febrero de 1878 en el décimo concierto de la temporada de la Sociedad Musical Rusa, bajo la dirección de Nikolái Rubinstein, con un gran éxito, que se incrementó en el estreno en San Petersburgo el 7 de diciembre dirigido por Eduard Nápravnik. Desde allí le escribió su hermano Modest a Piotr Chaikovski el mismo día del estreno:

Si alguna vez una obra sinfónica causó furor después de su interpretación, esa fue tu sinfonía.

Después del primer movimiento los aplausos fueron moderados, parecidos a los que se suelen oír después del primer movimiento de una sinfonía de Beethoven o Schumann; después del se-6

gundo movimiento hubo muchos más aplausos, tantos que Nápravnik incluso se vio obligado a saludar; después del Scherzo, un clamor en fff, pateos y gritos de «bis». Nápravnik saludó otra vez… y el ruido siguió creciendo hasta que el director levantó la batuta. Entonces todo el mundo se quedó en silencio hasta que sólo se oía tu pizzicato… Después más gritos, voces, reverencias de Nápravnik, y así siguieron […] La interpretación fue muy animada, pero en el último movimiento… nos dejó sin respiración.

Maruxa Baliñas

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«E ASÍ MORREU ENTRE OS SEUS BRAZOS. E ELA FÍXOO SEPULTAR CON GRANDE HONOR»

A princesa afastada op. 4 é unha obra orquestral que Nikolái Nikolaievich Cherepnin (San Petersburgo, 3/15.05.1873; París, 26.06.1945) compuxo como preludio para unha representación da obra teatral La princesse lointaine (1895) de Edmond Rostand (1868-1918) en 1896, cando aínda era alumno de composición do Conservatorio de San Petersburgo, onde se graduou en piano —con K. K. Fan Arkh— e en composición —con Nicolái Rimski-Kórsakov— en 1898. No entanto, nos anos seguintes, coa colaboración de Rimski-Kórsakov, quen pasou de profesor a amigo, reelaborou a obra e na actualidade adóitase interpretar a versión publicada pola editorial Belaiev en 1899 ou 1904 (existe unha versión anterior en Belaiev, de 1897).

A obra —escrita orixinalmente por Rostand para Sarah Bernhardt— encaixa perfectamente no estilo da Belle Époque coas súas referencias medievais imaxinarias, o seu romanticismo tráxico e o seu orientalismo, e conta a historia do trobador Jaufre Rudel e o seu amor ideal por Melisenda, a cuxos pés morre logo dunha longa viaxe desde Marsella ata Trípoli para coñecela persoalmente.

É de supoñer que Cherepnin realizou toda a música incidental para esta obra de teatro, aínda que no seu catálogo só figura este «preludio para grande orquestra». Nada raro nun compositor que tivo grande éxito na súa xuventude e foi un dos grandes colaboradores de Diaghilev nos seus primeiros anos de temporadas rusas en París pero que despois se viu moi marcado polas circunstancias políticas a partir da Revolución Rusa de 1917, que o obrigaron a exiliarse en Tiflis (Xeorxia) entre 1918 e 1921, e logo en París —aínda que con xiras por Europa e EUA, especialmente como director de orquestra— onde aca-bou finando logo de ter intentado inutilmente escapar en 1941 da invasión alemá. Aínda hoxe, deixando á parte os seus ballets como o aínda popular O pavillón de Armida (1903), é pouco habitual escoitar música de Nikolái Cherepnin. O seu fillo Alexander Cherepnin (1899-1977), dous dos seus netos e dous dos seus bisnetos —actualmente corentóns—

son tamén destacados compositores, establecidos principalmente nos EUA.

«GUSTARÍAME DEDICARCHE O CONCERTO»

Dimitri Xostacóvich (San Petersburgo, 25.09.1906; Moscova, 9.08.1975) non estaba a pasar o mellor momento da súa vida —saúde moi quebrantada, problemas sentimen-tais— cando compuxo este Concerto para violín nº 2, op 129 e no entanto semella ter 8

sido unha obra que lle deu moitas satisfaccións nun momento en que o seu éxito como compositor era xa incontestable, tanto na URSS coma en todo o mundo occidental, como se reflectira nas numerosas homenaxes e concertos que se lle dedicaron polo seu sesenta aniversario.

O seguinte acontecemento musical na URSS ía ser o sesenta aniversario do gran violinista David Oistrakh (Odesa, 1908; Amsterdam, 1974) e os preparativos comezaron case de inmediato. De Xostacóvich, grande amigo de Oistrakh desde había moitos anos e ao que xa lle dedicara o seu Concerto para violín nº 1 en 1948, esperábase que lle dedicase algunha obra nova aínda que non consta que chegase a haber ningunha encarga oficial. De feito, como este Concerto nº 2 foi finalizado con case un ano de antelación, Xostacóvich compúxolle outra obra para o seu aniversario no outono de 1968: a Sonata para violín e piano en sol maior op. 134, que Oistrakh interpretou case sempre co pianista Sviatoslav Richter porque Xostacóvich —debido á súa delicada saúde— non podía dar xa concertos de piano en público.

O Concerto nº 2 foi escrito na primavera de 1967, durante unhas pequenas vacacións que Dimitri Xostacóvich pasou en Repino, ao norte de San Petersburgo (na península de Karelia), nunha casa de repouso que a Asociación de Compositores tiña alí. A composición foi rápida e sen atrancos, de xeito que cara ao 18 de abril a obra xa estaba rematada, polo menos nas súas liñas principais e o 20 de maio de 1967, Xostacóvich escribiulle ao seu amigo David Oistrakh desde Moscova:

Benquerido Dodik: rematei un novo concerto para violín. Estaba a pensar en ti cando o es-cribín. Quero amosarche o concerto, aínda que estes días me resulta terriblemente difícil tocar. Estarei moi feliz se o concerto che gusta, e se decides tocalo a miña felicidade ha de ser indescritible. Se non tes obxección ningunha, gustaríame dedicarche o concerto.

As similitudes técnicas e formais entre os dous concertos que Xostacóvich escribiu para Oistrakh son evidentes, pero o sentimento interior é bastante distinto: se no primeiro predomina a brillantez e o lucimento, o Concerto nº 2 é máis reconcentrado e ao mesmo tempo máis melódico. Aínda que hai moitas diverxencias ao respecto, algúns estudosos quixeron ver na obra un retrato musical de Oistrakh e da súa cidade natal, con citas de cancións de rúa e tradicionais de Odesa, especialmente de melodías xudías, incluíndo o grito en yidis dun vendedor de bolos. Outros falan, pola contra, da utilización dunha tonalidade tan pouco habitual nos concertos para violín como a de dó díese menor como unha homenaxe ao Cuarteto op. 131 de Beethoven ou á Quinta sinfonía de Mahler e cren 9

escoitar citas de obras ou reminiscencias do propio Xostacóvich (Quinta sinfonía), Prokófiev, Chopin, Beethoven, Brahms ou Mozart.

O Concerto para violín nº 2 fue estreado con algúns arranxos de Oistrakh para adaptalo ao seu propio estilo o 13 de setembro de 1967 no Palacio de Cultura da pequena locali-dade de Bolshevo, nas aforas de Moscova. Xostacóvich non asistiu porque debido á súa poliomielite caera e rompera unha perna, pero mandóuselle unha gravación e quedou encantado co resultado da obra. Dúas semanas despois, o 26 de setembro, a Filharmónica de Moscova baixo a dirección de Kiril Kondrashin estreou oficialmente a obra na Gran Sala do Conservatorio de Moscova. A estrea «occidental» foi moi rápida tamén: no Royal Festival Hall de Londres, o 19 de novembro, con Oistrakh acompañado pola London Symphony Orchestra baixo a dirección de Eugene Ormandy.

«QUE LLE DEPARARÁ O PORVIR A ESTA SINFONÍA?»

A Cuarta sinfonía en fa menor é só uns meses anterior ao Concerto para violín que lle haberemos de escoitar en menos dunha semana á OSG e foi composta entre a primavera de 1877 e os primeiros días de xaneiro de 1878, un período relativamente longo para o habitual en Chaicóvsqui pero perfectamente xustificable polas súas complicadas circunstancias vitais, que inclúen a composición da ópera Evgueni Oneguin (maio 1877 -

xaneiro de 1878), un matrimonio, un intento de suicidio, unha depresión e varias viaxes por Europa. Ou como o resumiu el mesmo dous anos despois nunha carta, falando do seu «período de loucura»: «Recoñecerías agora neste músico ruso que viaxa por toda Europa aquel home que, só uns anos atrás, fuxiu da vida en sociedade e viviu recluído no estranxeiro ou no campo?»

A estes problemas persoais sumábase que Chaikóvsqui era un compositor relativamente pouco coñecido en Rusia, e polo xeral mal aceptado entre os círculos artísticos —non era ruso abondo— e políticos —era moi independente e tiña mala fama en certos ambientes—, ademais de levar unha vida illada e que o deprimía. Por iso tiña un grande interese en triunfar con esta nova sinfonía, a Cuarta, e establecerse firmemente na súa carreira, ata daquela con poucos éxitos. Como compositor tiña moi claro cales ían ser os seus modelos nesta ocasión: dunha banda, a Quinta sinfonía de Beethoven, coa que comparte o seu pathos, e doutra a Sinfonía fantástica de Berlioz e o seu programa autobiográfico.

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Polo que sabemos, non foi esta a única ocasión en que Chaicóvsqui lles aplicou un programa literario ou persoal ás súas sinfonías, pero normalmente mantíñao en segredo, como unha cuestión privada. No caso da Cuarta sinfonía coñecemos moi polo miúdo o programa porque Chaicóvsqui se sentiu obrigado a responder de modo epistolar as pre-guntas insistentes da súa protectora, Nadezhda von Meck, quen a cambio dos seus car-tos desexaba estar ao tanto de todo o que facía e pensaba Chaicóvsqui. Como lle explicou nunha carta mentres a compoñía, toda a sinfonía xira en torno ao fatum, «a forza fatal que me impide o impulso cara á felicidade», que na introdución é un «sentimento de infelicidade e desesperación» para se converter no primeiro movemento «nun soño doce e xentil» que se pode confundir coa felicidade. O segundo movemento narra «o estado melancólico que se experimenta na soidade da tarde» cando as lembranzas —unhas felices, outras non tanto— nos rodean: «é triste, pero de cando en vez doce, mergullarse no pasado». O terceiro movemento «non expresa sentimentos definidos. Está feito de arabescos caprichosos, de imaxes inaprensibles, como as que imaxinamos cando bebe-mos un pouco de viño e entramos na primeira fase da borracheira. Ignoro se é xocoso ou triste». O cuarto movemento pretende ser unha recapitulación e unha conclusión da súa filosofía vital, aínda que o fatum reaparece ocasionalmente manchando a alegría:

«Camiñar entre o pobo. Observar ata que punto é quen de se divertir, de se abandonar enteiramente ao sentimento gozoso. Existen alegrías simples pero poderosas. Alegría pola alegría allea. É posible vivir!».

A partitura quedou finalizada o 10 de xaneiro de 1878 e o día seguinte Chaicóvsqui escribiu a Nadezhda von Meck:

Paréceme que esta é a miña mellor obra. Das miñas dúas últimas creacións, a ópera [Evgueni Oneguin] e a sinfonía, gústame máis esta última. Que lle deparará o porvir a esta sinfonía? So-brevivirá moito despois de que o seu autor desaparecese da face da terra, ou caerá directamente nas profundidades do esquecemento? Eu só sei que neste momento estou cego a calquera defecto na miña nova obra. No entanto, estou seguro de que, en canto a textura e forma, representa un paso adiante no meu desenvolvemento...

A estrea tivo lugar en Moscova o 22 de febreiro de 1878 no décimo concerto da temporada da Sociedade Musical Rusa, baixo a dirección de Nikolái Rubinstein, cun grande éxito, que se incrementou na estrea en San Petersburgo o 7 de decembro dirixido por Eduard Nápravnik. Desde alí escribiulle o seu irmán Modest a Piotr Chaicóvsqui o mesmo día da estrea:

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Se algunha vez unha obra sinfónica causou furor despois da súa interpretación, esa foi a túa sinfonía. Despois do primeiro movemento os aplausos foron moderados, parecidos aos que se adoitan oír despois do primeiro movemento dunha sinfonía de Beethoven ou Schumann; despois do segundo movemento houbo moitos máis aplausos, tantos que Nápravnik mesmo se viu obrigado a saudar; despois do Scherzo, un clamor en fff, patexos e berros de «bis». Nápravnik saudou outra vez… e o ruído seguiu a medrar ata que o director ergueu a batuta. Daquela todo o mundo quedou en silencio ata que só se oía o teu pizzicato… Despois máis berros, voces, reverencias de Nápravnik, e así seguiron […] A interpretación foi moi animada, pero no último movemento… deixounos sen respiración.

Maruxa Baliñas

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BAIBA

SKRIDE

VIOLÍN

La violinista letona Baiba Skride es apreciada por sus interpretaciones de especial sensibilidad, recibiendo invitaciones de las más prestigiosas orquestas, como las filarmónicas de Berlín, Nueva York y Oslo, las sinfónicas de Boston, Chicago, Londres, Sídney, Shan-ghái y la NHK, así como con la Orquesta de París, trabajando con directores como Marin Alsop, Ed Gardner, Susanna Mälkki, Andrés Orozco-Estrada y Yannick Nézet-Séguin.

Entre las actuaciones reseñables de la temporada 2021-22 destacan la apertura de la temporada de la Orquesta del Gewandhaus de Leipzig interpretando el Triple concierto de Gubaidulina con Harriet krijgh (violonchelo) y Martynas Levickis (acordeón) con dirección de Andris Nelsons, así como su interpretación del Concierto para violín nº 3

Dialog: Ich und Du, de la misma autora, con la Sinfónica de la Radio de Frankfurt dirigida por Alain Altinoglu.

Como músico de cámara, comparte dúo estable con su hermana Lauma y es uno de los miembros fundadores del cuarteto Skride, que ha actuado en salas como el Concertgebouw y el Wigmore Hall y ha ofrecido giras por América del Norte y Australia. En su discografía para el sello Orfeo destaca su grabación de Mozart con la Orquesta de Cámara Sueca y la de Bartók con la Sinfónica de la WDR, dirigidas ambas por Eivind Aadland, así 13

como su disco con conciertos americanos (Bernstein, Korngold y Rózsa) con la Sinfónica de Gotemburgo y la Filarmónica de Tampere bajo la dirección de Santtu-Matias Rouvali.

En 2001 obtuvo el primer premio en el concurso Queen Elisabeth. Toca el Stradivarius

«Yfrah Neaman», cedido por la familia Neaman a través de la Sociedad Internacional Beare.

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BAIBA

SKRIDE

VIOLÍN

A violinista letona Baiba Skride é apreciada polas súas interpretacións de especial sensibilidade, e por isto recibe invitacións das máis prestixiosas orquestras, como as filharmónicas de Berlín, Nova York e Oslo, as sinfónicas de Boston, Chicago, Londres, Sidney, Shanghai e a NHK, así como da Orquestra de París, traballando con directores como Marin Alsop, Ed Gardner, Susanna Mälkki, Andrés Orozco-Estrada e Yannick Nézet-Séguin.

Entre as actuacións salientables da temporada 2021-22 destacan a apertura da temporada da Orquestra do Gewandhaus de Leipzig interpretando o Triplo concerto de Gubaidulina con Harriet krijgh (violonchelo) e Martynas Levickis (acordeón) con dirección de Andris Nelsons, así como a súa interpretación do Concerto para violín nº 3 Dialog: Ich und Du, da mesma autora, coa Sinfónica da Radio de Frankfurt dirixida por Alain Altinoglu.

Como música de cámara, comparte dúo estable coa súa irmá Lauma e é un dos mem-bros fundadores do cuarteto Skride, que actuou en salas como o Concertgebouw e o Wigmore Hall, e ofreceu xiras por América do Norte e Australia. Na súa discografía para o selo Orfeo destaca a súa gravación de Mozart coa Orquestra de Cámara Sueca e a de Bartók coa Sinfónica da WDR, dirixidas ambas as dúas por Eivind Aadland, así como o seu 15

disco con concertos americanos (Bernstein, Korngold e Rózsa) coa Sinfónica de Gotemburgo e a Filharmónica de Tampere baixo a dirección de Santtu-Matias Rouvali.

En 2001 obtivo o primeiro premio no concurso Queen Elisabeth. Toca o Stradivarius

«Yfrah Neaman», cedido pola familia Neaman a través da Sociedade Internacional Beare.

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THIERRY

FISCHER

DIRECTOR

Desde la presente temporada 2022-23, Thierry Fischer es director titular de la orquesta Sinfónica de Castilla y León. Compagina este cargo con la dirección titular de la Orquesta del Estado de São Paulo, que ocupa desde 2020, y el de la Sinfónica de Utah, que ocupa desde 2009 y concluye en 2023, pasando entonces a ser director emérito.

Durante las últimas décadas, ha sido director invitado de importantes orquestas, entre las que destacan las sinfónicas de Boston, Cleveland, Atlanta y Cincinnati en los Estados Unidos y, en Europa, las filarmónicas de Londres, Oslo, Róterdam y Bruselas, la Royal Philharmonic de Londres, la del Maggio Musicale de Florencia, la Orquesta Mozarteum de Salzburgo y la orquesta de la Suisse Romande, entre muchas otras. También ha dirigido relevantes orquestas de cámara tales como la Orquesta de Cámara de Europa, la Orchestra of the Age of Enlightenment, la Orquesta de Cámara Sueca, el Ensemble Intercontemporain o la London Sinfonietta.

En el marco de esta actividad, ha realizado una importante labor encargando nuevas composiciones y estrenando nuevo repertorio, así como realizando múltiples grabacio-nes, no solo con sus propias orquestas sino también con otras como la Filarmónica de Londres o la Orquesta de la Radio de los Países Bajos. Ha trabajado con sellos como Re-17

ference Records, Hyperion, Signum y orfeo, y ha obtenido importantes reconocimientos como el premio en la categoría de ópera en los Música Clásica de 2012.

Fischer fue flauta solista en la Filarmónica de Hamburgo y en la Ópera de Zúrich. Su carrera como director comenzó a los treinta años, cuando, ya atraído por la dirección, cubrió una cancelación. Posteriormente comenzó a dirigir de manera regular la Orquesta de Cámara de Europa, donde también fue flauta solista bajo la dirección de Claudio Abbado. Sus primeros años como director se centraron principalmente en los Países Bajos y, posteriormente, ostentó titularidades en la Orquesta del Ulster (2001-2006), en la Sinfónica de la BBC de Gales (2006-2012) y en la Filarmónica de Nagoya (2008- 2011).

También ha sido principal director invitado de la Filarmónica de Seúl (2017-2020).

Durante su titularidad en Utah, Fischer dirigió la primera actuación de la orquesta en el Carnegie Hall en cuarenta años. Siendo director titular de la Orquesta de la BBC de Gales, dirigió actuaciones anuales en los Proms de la BBC.

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THIERRY

FISCHER

DIRECTOR

Desde a presente temporada 2022-23, Thierry Fischer é director titular da orquestra Sinfónica de Castilla y León. Compaxina este cargo coa dirección titular da Orquestra do Estado de São Paulo, que ocupa desde 2020, e o da Sinfónica de Utah, que ocupa desde 2009 e conclúe en 2023, polo que pasará daquela a ser director emérito.

Durante as últimas décadas, foi director invitado de importantes orquestras, entre as que destacan as sinfónicas de Boston, Cleveland, Atlanta e Cincinnati nos Estados Unidos e, en Europa, as filharmónicas de Londres, Oslo, Rotterdam e Bruxelas, a Royal Philharmonic de Londres, a do Maggio Musicale de Florencia, a Orquestra Mozarteum de Salzburgo e a orquestra de la Suisse Romande, entre moitas outras. Tamén dirixiu relevantes orquestras de cámara tales como a Orquestra de Cámara de Europa, a Orchestra of the Age of Enlightenment, a Orquestra de Cámara Sueca, o Ensemble Intercontemporain ou a London Sinfonietta.

No marco desta actividade, realizou un importante labor encargando novas composicións e estreando novo repertorio, así como realizando múltiples gravacións, non só coas súas propias orquestras senón tamén con outras como a Filharmónica de Londres ou a Orquestra da Radio dos Países Baixos. Traballou con selos como Reference Records, Hyperion, Signum e Orfeo, e obtivo importantes recoñecementos como o premio na categoría de ópera nos Música Clásica de 2012.

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Fischer foi frauta solista na Filharmónica de Hamburgo e na Ópera de Zurich. A súa carreira como director comezou aos trinta anos, cando, xa atraído pola dirección, cubriu unha cancelación. Posteriormente comezou a dirixir de maneira regular a Orquestra de Cámara de Europa, onde tamén foi frauta solista baixo a dirección de Claudio Abbado.

Os seus primeiros anos como director centráronse principalmente nos Países Baixos e, posteriormente, estivo a cargo de titularidades na Orquestra do Ulster (2001-2006), na Sinfónica da BBC de Gales (2006-2012) e na Filharmónica de Nagoia (2008- 2011). Tamén foi principal director invitado da Filharmónica de Seúl (2017-2020).

Durante a súa titularidade en Utah, Fischer dirixiu a primeira actuación da orquestra no Carnegie Hall en corenta anos. Sendo director titular da Orquestra da BBC de Gales, dirixiu actuacións anuais nos Proms da BBC.

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ORQUESTA SINFÓNICA

DE CASTILLA Y LEÓN

La Orquesta Sinfónica de Castilla y León (OSCyL) nació como iniciativa de la Junta de Castilla y León y realizó su primer concierto el 12 de septiembre de 1991. Durante estos más de treinta años, la orquesta ha desarrollado una actividad que la ha convertido en una de las más prestigiosas instituciones sinfónicas del panorama nacional español. La orquesta tiene un programa artístico que aboga por la preservación, divulgación y creación del repertorio sinfónico, y busca la variedad, el equilibrio y la excelencia dentro de su programación. Desde el año 2007, cuenta con una espectacular sede en el Centro Cultural Miguel Delibes de Valladolid, donde ofrece su temporada de abono, marco clave para el máximo desarrollo de estos fines. Asimismo, su involucración y cercanía con todo el extenso territorio de la Comunidad Autónoma de Castilla y León es otro objetivo primordial de la orquesta, actuando en los principales festivales y celebraciones de la región, así como organizando programas como la gira de verano Plazas Sinfónicas, el programa formativo y social Miradas y acercando al público de toda la Comunidad su temporada de abono gracias al Abono Proximidad, entre otras iniciativas.

La orquesta actúa regularmente en otros puntos de la geografía española; destacando conciertos en el Auditorio Nacional de Música de Madrid y presentaciones en el Teatro Real, en el Festival Musika-Música de Bilbao, en la Semana de Música Religiosa de Cuenca (con una presencia en cada uno de estos marcos en la última temporada), así como en el Festival Internacional de Santander, la Quincena Musical Donostiarra y el Palau de la Música de Barcelona, entre otros.

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En el ámbito internacional, ha realizado actuaciones en Portugal, Alemania, Suiza, Francia, India, Omán, Colombia, República Dominicana y Estados Unidos, donde se presentó en el histórico Carnegie Hall de Nueva York.

En la presente temporada, la OSCyL presenta a su quinto director titular, el suizo Thierry Fischer, quien ha ostentado otras titularidades en Sao Paulo, Utah, la BBC de Gales y Nagoya, entre otros, situando a la orquesta en un ámbito de alto nivel en el circuito internacional. Para reforzar la excelencia del equipo artístico, se suman como directores asociados Vasily Petrenko y Elim Chan. Los cuatro directores titulares anteriores han sido Max Bragado-Darman (1991-2001), Alejandro Posada (2002-2008), Lionel Bringuier (2009-2012) y Andrew Gourlay (2013-2020). Otros directores con quien la orquesta ha mantenido una estrecha relación son Jesús López Cobos como director emérito, Eliahu Inbal como principal invitado y Roberto González-Monjas como principal artista invitado.

La OSCyL cuenta con una tradición de artistas invitados de primer nivel. En las temporadas 2021-22 y 2022-23, nombres como los violinistas Hilary Hahn, Frank Peter Zimmermann, Midori y Pinchas Zukerman, el violista Antoine Tamestit, los violonchelistas Gautier Capucon, Steven Isserlis, Alban Gerhardt y Daniel Muller-Schott, los pianistas Nelson Goerner, Elizabeth Leonskaja y Kirill Gerstein, así como el tenor Javier Camarena, las mezzosopranos Anna Larsson, Patricia Petibon y Nancy Fabiola Herrera, y directores como Carlos Miguel Prieto, Leonard Slatkin, Thomas Dausgaard, Hugh Wolff, Ludovic Morlot, Giancarlo Guerrero, Eliahu Inbal, Krzysztof Urbański, Chloe van Soeterstede y Antony Hermus, actúan junto a la orquesta. En cuanto a los artistas españoles, destacan directores como Josep Pons, Pablo González, Jaime Martín, Jaume Santonja y Roberto González-Monjas, e instrumentistas como el pianista Javier Perianes (artista residente para la temporada 2022-23), el violonchelista Pablo Ferrández, el dúo de pianos Del Valle, el violinista Javier Comesaña y el guitarrista Rafael Aguirre, entre otros.

La OSCyL ha realizado numerosos encargos de obras, así como estrenos y redescubri-mientos, una labor que se potencia en su catálogo discográfico, que incluye publica-ciones con sellos como Deutsche Grammophon, Bis, Naxos, Trito y Verso, además de producciones propias.

Tras los efectos de la pandemia de la COVID-19, se ha llevado a cabo una gran labor de desarrollo en el catálogo digital de la orquesta, el cual sigue impulsando sobre todo a través de su canal de YouTube. Dentro del ánimo de renacimiento tras esta crisis global, en la temporada 2022-23 se vuelve a impulsar la labor socioeducativa, retomada parcialmente en la temporada anterior y que ha sido una de las iniciativas insignes de la OSCyL.

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ORQUESTA SINFÓNICA

DE CASTILLA Y LEÓN

A Orquestra Sinfónica de Castilla y León (OSCyL) naceu como iniciativa da Junta de Castilla y León e realizou o seu primeiro concerto o 12 de setembro de 1991. Durante estes máis de trinta anos, a orquestra desenvolveu unha actividade que a converteu nunha das máis prestixiosas institucións sinfónicas do panorama nacional español. A orquestra ten un programa artístico que avoga pola preservación, divulgación e creación do repertorio sinfónico, e busca a variedade, o equilibrio e a excelencia dentro da súa programación.

Desde o ano 2007 conta cunha espectacular sede no Centro Cultural Miguel Delibes de Valladolid, onde ofrece a súa temporada de abono, marco clave para o máximo desenvolvemento destes fins. Así mesmo, a súa involucración e proximidade con todo o extenso territorio da Comunidade Autónoma de Castela e León é outro obxectivo primordial da orquestra, actuando nos principais festivais e celebracións da rexión, así como organizando programas como a xira de verán Plazas Sinfónicas, o programa formativo e social Miradas e achegando ao público de toda a Comunidade a súa temporada de abono grazas ao Abono Proximidad, entre outras iniciativas.

A orquestra actúa de xeito regular noutros puntos da xeografía española, polo que se poden salientar concertos no Auditorio Nacional de Música de Madrid e presentacións no Teatro Real, no Festival Musika-Música de Bilbao, na Semana de Música Religiosa de Cuenca (cunha presenza en cada un destes marcos na última temporada), así como no Festival Internacional de Santander, a Quincena Musical Donostiarra e o Palau da Música de Barcelona, entre outros.

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No ámbito internacional, realizou actuacións en Portugal, Alemaña, Suíza, Francia, India, Omán, Colombia, República Dominicana e Estados Unidos, onde se presentou no histórico Carnegie Hall de Nova York.

Na presente temporada, a OSCyL presenta o seu quinto director titular, o suízo Thierry Fischer, quen estivo a cargo doutras titularidades en Sao Paulo, Utah, a BBC de Gales e Nagoia, entre outros, o que situou a orquestra nun ámbito de alto nivel no circuíto internacional. Para reforzar a excelencia do equipo artístico, súmanse como directores asociados Vasily Petrenko e Elim Chan. Os catro directores titulares anteriores foron Max Bragado-Darman (1991-2001), Alejandro Posada (2002-2008), Lionel Bringuier (2009-2012) e Andrew Gourlay (2013-2020). Outros directores con quen a orquestra mantivo unha estreita relación son Jesús López Cobos como director emérito, Eliahu Inbal como principal invitado e Roberto González-Monjas como principal artista invitado.

A OSCyL conta cunha tradición de artistas invitados de primeiro nivel. Nas temporadas 2021-22 e 2022-23, nomes como os violinistas Hilary Hahn, Frank Peter Zimmermann, Midori e Pinchas Zukerman, o violista Antoine Tamestit, os violonchelistas Gautier Capucon, Steven Isserlis, Alban Gerhardt e Daniel Muller-Schott, os pianistas Nelson Goerner, Elizabeth Leonskaja e Kirill Gerstein, así como o tenor Javier Camarena, as mezzosopranos Anna Larsson, Patricia Petibon e Nancy Fabiola Herrera, e directores como Carlos Miguel Prieto, Leonard Slatkin, Thomas Dausgaard, Hugh Wolff, Ludovic Morlot, Giancarlo Guerrero, Eliahu Inbal, Krzysztof Urbański, Chloe van Soeterstede e Antony Hermus, actúan xunto á orquestra. En canto aos artistas españois, destacan directores como Josep Pons, Pablo González, Jaime Martín, Jaume Santonja e Roberto González-Monjas, e instrumentistas como o pianista Javier Perianes (artista residente para a temporada 2022-23), o violonchelista Pablo Ferrández, o dúo de pianos Del Valle, o violinista Javier Comesaña e o guitarrista Rafael Aguirre, entre outros.

A OSCyL realizou numerosas encargas de obras, así como estreas e redescubrimentos, un labor que se potencia no seu catálogo discográfico, que inclúe publicacións con selos como Deutsche Grammophon, Bis, Naxos, Trito e Verso, ademais de producións propias.

Tras os efectos da pandemia da COVID-19, levouse a cabo un gran labor de desenvolvemento no catálogo dixital da orquestra, o cal segue a impulsar sobre todo a través da súa canle de YouTube. Dentro do ánimo de renacemento logo desta crise global, na temporada 2022-23 vólvese a impulsar o labor socioeducativo, retomado parcialmente na temporada anterior e que foi unha das iniciativas insignes da OSCyL.

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ORQUESTA

SINFÓNICA DE

** Principal-AsistenteC

*Coprincipal

ASTILLA Y LEÓN

VIOLINES PRIMEROS

VIOLAS

Beatriz Jara, concertino

Néstor Pou, solista

Elizabeth Moore, ayda. concertino

Marc Charpentier, ayda. solista

Cristina Alecu

Michal Ferens, 1er tutti

Irina Alecu

Virginia Dominguez

Malgorzata Baczewska

Ciprian Filimon

Irene Ferrer

Harold Hill

Pawel Hutnik

Doru Jijian

Vladimir Ljubimov

Julien Samuel

Eduard Marashi

Jokin Urtasun

Renata Michalek

Irene Val

Daniela Moraru

Raquel Cobo

Dorel Murgu

Piotr Witkowski

VIOLONCHELOS

Carlos Parra

Marius Diaz, solista

Leyre Aznarez

Héctor Ochoa, ayda. Solista

Ricardo Prieto, 1er tutti

VIOLINES SEGUNDOS

Montserrat Aldomà

Jennifer Moreau, solista

Pilar Cerveró

Jordi Gimeno, ayda. Solista

Jordi Creus

Marc Charles, 1er tutti

Frederik Driessen

Csilla Biro

Diego Alonso

Anneleen van den Broeck

Marta Ramos

Blanca Sanchis

Laia Ruiz

Tania Armesto

Iván Artaraz

CONTRABAJOS

Oscar Rodríguez

Tiago Rocha, solista

Yuri Rapoport

Juan C. Fernández, ayda. solista

Mercedes Dalda

Mar Rodríguez, 1er tutti

Marc Nogués

Nigel Benson

Adrian Pérez

Emad Khan

Nebojsa Slavic

Ana García

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ARPA

TROMPETAS

Marianne ten Voorde, solista

Roberto Bodí, solista

Emilio Ramada, ayda. solista

FLAUTAS

Miguel Oller, 1er tutti

Ignacio de Nicolás, solista

Pablo Sagredo, ayda. solista

TROMBONES

José Lanuza, 1er tutti/solista piccolo

Philippe Stefani, solista

Robert Blossom, ayda. solista

OBOES

Mark Hampson, solista trombón bajo

Sebastián Gimeno, solista

Clara Pérez, ayda. solista

TUBA

Juan M. Urbán, 1er tutti/solista corno inglés Jose M. Redondo, solista

CLARINETES

TIMBALES/PERCUSIÓN

Carmelo Molina, solista

Juan A. Martín, solista

Laura Tárrega, ayda. solista/ solista requinto Cayetano Gómez, 1er tutti solista

Julio Perpiñá, 1er tutti / solista clarinete bajo Ricardo López, 1er tutti

FAGOTES

Marina Lafarga

Salvador Alberola, solista

Alejandro Climent, ayda. solista

Fernando Arminio, 1er tutti /solista

contrafagot

TROMPAS

Jose M. Asensi, solista

Carlos Balaguer, ayda. solista

Emilio Climent, 1er tutti

José M. González, 1er tutti

Martín Naveira, 1er tutti

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CONSORCIO

PARA LA PROMOCIÓN

DE LA MÚSICA

Inés Rey

Presidenta

Anxo M. Lorenzo

Vicepresidente

EQUIPO TÉCNICO - ADMINISTRATIVO

Andrés Lacasa Nikiforov

Iván Portela López

Gerente

Programas didácticos

Olga Dourado González

José Antonio Anido Rodríguez

Secretaria-interventora

Angelina Déniz García

Noelia Roberedo Secades

María Salgado Porto

Administración

Jefa de gestión económica

Inmaculada Sánchez Canosa

Ángeles Cucarella López

Gerencia y coordinación

Coordinadora general

Nerea Varela

José Manuel Queijo

Secretaría de producción

Jefe de producción

Lucía Sández Sanmartín

Javier Vizoso

Prensa y comunicación

Jefe de prensa y comunicación

José Manuel Ageitos Calvo

Alberto García Buño

Daniel Rey Campaña

Contable

Regidores

Zita Kadar

Diana Romero Vila

Archivo musical

Auxiliar de archivo

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PRÓ

XIMOS

PROGRAMAS

VIGO

PROGRAMA 10

JU 19.01.23

PIOTR ILYCH TCHAIKOVSKY

20h

Concierto para violín en re mayor, op. 35

Teatro Afundación-

Vigo

DMITRI SHOSTAKOVICH

VI 20.01.23

Sinfonía nº 5 en re menor, op. 47

20h

Palacio de la

Ópera - A Coruña

Víctor Pablo Pérez

director

Bomsori

violín

CORO INFANTIL

Y CORO JOVEN

DE LA OSG

VI 20.01.23

CÓDICE CALIXTINO

19h

Congaudeant Cathlici

La grande chanson

Teatro Colón

- A Coruña

JEAN BAPTISTE LALLOUETTE

O Sacrum Convivium

BENJAMIN BRITTEN

A New Year Carol

CHRISTOPHE BARRATIER Y BRUNO

COULAIS

Cerf-Volant

MORRIS ALBERT

Feelings

PEDRO AIZPURÚA

CORO INFANTIL

Noël - Arm

DE LA OSG

GREG GILPIN

José Luis

Fun, fun fun

Vázquez López

Director Coro

Joven de La OSG

DIETRICH BUXTEHUDE

Nichts soll uns Scheiden BuxWV 70

Daniel G. Artés

Jesu Meine Freude BuxWV 60

Director

Alleluia BuxWV 15

EL BEATBOX

CONCIERTO EN FAMILIA

SA 21.01.23

LA MÚSICA DEL CUERPO

12h

Palacio de la

Con:

Ópera - A Coruña

ZERPA

TAI

CARTOY

Entradas: 2 euros menores de edad y 5 euros adultos Venta de entradas en. entradas.ataquilla.com PROGRAMA 11

VI 27.01.23

THOMAS ADÈS

20h

Concierto para piano

Palacio de la

Opera - A Coruña

GUSTAV MAHLER

SA 28.01.23

Sinfonía nº 1 en re mayor “Titán”

20h

Dima Slobodeniouk

Palacio de la

Opera - A Coruña

director

Kirill Gerstein

piano