TEMPORADA 30

Programa 21, viernes 20 de mayo 2022 – 20h,

sábado 21 de abril 2022 - 20h.

SINFÓNICA DE GALICIA

PROGRAMA 21

I

SERGUÉI PROKOFIEV (1891-1953)

Concierto para violín nº2 en sol menor, op.63 (26´)

Allegro moderato

Andante assai

Allegro, ben marcato

II

JOSEF SUK (1974-1935) [primera vez en la OSG]

Sinfonía nº2 en do menor, op. 27 “Asrael” (58´)

Andante sostenuto

Andante

Vivace

Adagio

Adagio e maestoso

VIKTORIA MULLOVA, violín

DIMA SLOBODENIOUK, director

Palacio de la Ópera de A Coruña

Viernes 20 de mayo 2022 – 20h.

Palacio de la Ópera de A Coruña

Sábado 21 de mayo 2022 - 20h.

Esperanza y pérdida

Son curiosas las coincidencias que unen a las dos obras del programa de hoy: las dos tiene una conexión española, pues Suk supo de la muerte de su suegro, Antonin Dvorák, en Madrid, la misma ciudad en la que Prokofiev estrenaría su Concierto nº 2 para violín y orquesta. Sería en 1935, el mismo año en que murió Suk. Respecto a las diferencias, saltarán al oído a lo largo del concierto pero hay una esencial: mientras la pieza de Prokofiev no deja de ser una manifestación de las emociones ante la vuelta definitiva a Rusia —las desilusiones vendrán después—, la de Suk es una muestra de dolor: el reencuentro esperanzado y la pérdida sin consuelo.

Sergei Prokofiev: Concierto nº 2 para violín y orquesta en sol menor, op. 63

En 1935 —cuyo verano sería el momento más productivo de su carrera—, un grupo de admiradores del violinista francés Robert Soetens le encargó a Sergei Prokofiev un “concierto-sonata” para violín y orquesta. A lo largo del trabajo de composición, llevado a cabo primero en París y luego en la Unión Soviética —Voronezh y Bakú— en una estancia preparatoria de su vuelta definitiva a la patria, la pieza fue creciendo en ambición y se convirtió en un segundo concierto “completamente diferente del primero”, como señaló su autor. En efecto, lo que en aquel hay de improvisación, de rapsódico, está aquí más embridado por una forma clásica y una expresión más concisa. Hay quien ha escrito que a Prokofiev le pesó al escribirlo la necesidad de irse ciñendo al llamado “realismo socialista” y que el resultado es, en el fondo, neomendelssohniano, lo que parece mucho decir. La obra fue estrenada por Robert Soetens, en el Teatro Monumental de Madrid, el 1 de diciembre de 1935 con la Sinfónica dirigida por Enrique Fernández Arbós. Quizá sería interesante recordar que ni a Prokofiev ni a nadie se le pasaba por la imaginación, a pesar de la dureza de ese 1935 en la URSS, que el 28 de enero del año siguiente aparecería en Pravda el artículo condenatorio de Lady Macbeth del distrito de Mtsensk de Shostakovich. Como señala Simon Morrison en su espléndido libro The People’s Artist. Prokofiev’s Soviet Years (Oxford University Press, 2008), Prokofiev, ingenuamente, pensaba que el rapapolvo a Shostakovich le procuraría un más fácil acceso a su consideración como primera figura de la música soviética y que, en el peor de los casos, siempre le quedaría la posibilidad de regresar a París.

Vayamos con el Concierto. El Allegro moderato se abre con una frase del solista que constituye en primer tema al que se sumará la cuerda grave, que lo mantendrá mientras el violín se demora en unos arabescos. El segundo tema, tras un interludio virtuosístico, es un motivo lírico expuesto igualmente por el violín, puntuado por trompas, clarinete y flauta. Ambos se desarrollarán luego por orquesta y solista hasta llegar a la reexposición del primero por violonchelos y contrabajos y la entrada fogosa del violín que volverá al segundo. De nuevo reaparecerá el primero antes de entrar en una coda que concluirá en pizzicato.

El Andante assai comienza igualmente con pizzicati de las cuerdas marcando un ritmo sobre el que el violín expondrá un motivo al que se añadirá la cuerda acompañando de forma muy lírica. La flauta se sumará al violín antes de que este nos conduzca a un episodio central marcado Allegretto para volver después al tempo del inicio y a su tema de la mano del solista. Este se demora en algunos adornos con algo de ostinato hasta recobrar el impulso melódico y dejar el final para que una trompa ensoñadora concluya con el violín en pizzicato.

En el Allegro ben marcato cambia por completo la decoración y hallamos un Prokofiev más previsible. Es un movimiento dinámico en forma de rondó con un ritmo pesante con las vueltas al tema principal puntuadas por las castañuelas hasta concluir en una danza indicada Tumultuoso.

Josef Suk: Sinfonía nº 2, op. 27 “Asrael”

Josef Suk nació en Krecovice en 1874 y murió en Benesor, cerca de Praga, en 1935. Había estudiado en la capital checa con Foerster y Dvorák, de quien sería yerno tras su matrimonio con su hija Otylka. Por cierto, su nieto, y bisnieto por tanto de Dvorák, fue el gran violinista del mismo nombre: Josef Suk. En 1892 compondría la que llegaría a ser una de sus obras más conocidas, la Serenata para cuerdas, op. 6. Por las mismas fechas se uniría como segundo violín al entonces famosísimo Cuarteto Checo. Su formación junto a Dvorák fue decisiva en su carrera como compositor y en él bebe su influencia principal, como sucedería con sus contemporáneos Novák y Fibich. Con ellos y —desde presupuesto y estilo bien distintos— forma, con Janácek, el grupo de compositores que sucedieron a su maestro como cabezas visibles de la música checa. De las obras orquestales de Suk —algunas tan significativas como Praga, Un cuento de verano, Maduración, Un cuento de hadas o su formidable Scherzo fantástico—, la Sinfonía “Asrael” ocupa un lugar preferente, muy por encima de su predecesora, la Sinfonía en mi mayor, que palidece al lado de semejante pieza maestra.

El 1 de mayo de 1904, como decíamos al inicio de estas notas, Suk se encuentra en Madrid con el Cuarteto Checo en gira de conciertos. Ese día recibe un telegrama que le anuncia la muerte de su suegro. Piensa inmediatamente en componer una obra dedicada a la memoria de Dvorák que luego irá estructurando como una sinfonía en cinco movimientos que resumiera tanto su dolor como el legado musical del padre de su mujer. El 5 de julio de 1905, mientras componía el cuarto movimiento de la obra, muere Otylka. “Un golpe como ese” –escribirá Suk- “puede tanto detenerlo todo de repente como hacer aflorar fuerzas insospechadas. Me parecía que sería incapaz de resistirlo pero la música me había salvado”. La muerte de Otylka le lleva a abandonar lo escrito para el cuarto movimiento de la sinfonía —que toma el título de Asrael del nombre del Angel de la Muerte— y cerrarla con dos adagios, completando la partitura en 1906 y estrenándola el 3 de febrero de 1907.

La sinfonía se estructura en dos partes, la primera formada por los tres primeros movimientos y la segunda por los otros dos. Jan Smaczny relaciona, no sin razón, la desolación —y desolación es la palabra que más a menudo podría aparecer a la hora de hablar de la Sinfonía “Asrael”— del Andante sostenuto con el futuro Shostakovich. En él aparece ya —lo hará más veces— el “tema de la muerte” —un par de intervalos, creciente y decreciente, de cuarta aumentada— que proviene de Un cuento de hadas, la suite sinfónica escrita sobre el poema dramático de Julius Zeyer Radúz y Mahulena que, inspirado en el folclore checo y en el Sakuntala indio, trata de los amores de una pareja que supera las inclemencias del destino y los ardides de la magia y que Suk relacionaba siempre con su unión con Otylka. El Andante cita el pequeño motivo cromático principal del Réquiem de Dvorák que Suk desarrollará como una verdadera marcha fúnebre. El Vivace es un Scherzo que podríamos calificar en su inicio de fantástico pero que acabará siendo verdaderamente macabro, excepto en su sección central, abiertamente nostálgica. En este movimiento advertimos la enorme pericia orquestadora de Suk, su capacidad para evocar lo inasible, lo extraño, lo que está más allá de nosotros mismos.

Si se ha hablado de Shostakovich como punto de comparación del inicio de Asrael, los dos últimos tiempos —esos dos adagios dedicados a Otylka— que conforman su segunda parte nos llevan irremediablemente al mundo de Gustav Mahler, su contemporáneo. Otylka está representada en el primero de ellos en el solo del violín. El Adagio e maestoso comienza como afirmación de lo que podríamos llamar “el dolor del dolor”, de la mano del tema de la muerte. Y esa dialéctica entre la presencia de aquella y su rechazo inevitable es lo que enseñoreará esta música plena de energía, dura también, grotesca incluso —por ejemplo cuando las maderas chirríen en uno de sus momentos más mahlerianos— hasta llegar a ese final en el que el consuelo —como señala Smaczny— no es precisamente sentimental. Así es el arte. La muerte es capaz de llamar a la belleza como conjuro imposible.

Luis Suñén

Esperanza e perda

Son curiosas as coincidencias que unen as dúas obras do programa de hoxe: ambas as dúas teñen unha conexión española, pois Suk soubo da morte do seu sogro, Antonin Dvorák, en Madrid, a mesma cidade na que Prokofiev habería de estrear o seu Concerto nº 2 para violín e orquestra. Sería en 1935, o mesmo ano en que morreu Suk. Respecto das diferenzas, saltarán ao oído ao longo do concerto pero hai unha esencial: mentres a peza de Prokofiev non deixa de ser unha manifestación das emocións diante da volta definitiva a Rusia —as desilusións virán despois—, a de Suk é unha mostra de dor: o reencontro esperanzado e a perda sen consolo.

Sergei Prokofiev: Concerto nº 2 para violín e orquestra en sol menor, op. 63

En 1935 —cuxo verán habería de ser o momento máis produtivo da súa carreira—, un grupo de admiradores do violinista francés Robert Soetens encargoulle a Sergei Prokofiev un “concerto-sonata” para violín e orquestra. Ao longo do traballo de composición, levado a cabo primeiro en París e despois na Unión Soviética —Voronezh e Bakú— nunha estancia preparatoria da súa volta definitiva á patria, a peza foi medrando en ambición e converteuse nun segundo concerto “completamente diferente do primeiro”, como sinalou o seu autor. En efecto, o que naquel hai de improvisación, de rapsódico, está aquí máis embridado por unha forma clásica e unha expresión máis concisa. Hai quen escribiu que a Prokofiev lle pesou ao escribilo a necesidade de se ir cinguindo ao chamado “realismo socialista” e que o resultado é, no fondo, neomendelssohniano, o que semella moito dicir. A obra foi estreada por Robert Soetens, no Teatro Monumental de Madrid, o 1 de decembro de 1935 coa Sinfónica dirixida por Enrique Fernández Arbós. Quizais sería interesante lembrar que nin a Prokofiev nin a ninguén se lle pasaba pola imaxinación, malia a dureza dese 1935 na URSS, que o 28 de xaneiro do ano seguinte habería de aparecer en Pravda o artigo condenatorio de Lady Macbeth do distrito de Mtsensk de Xostacóvich. Como sinala Simon Morrison no seu espléndido libro The People’s Artist. Prokofiev’s Soviet Years (Oxford University Press, 2008), Prokofiev, de xeito inxenuo, pensaba que a reprimenda a Xostacóvich lle procuraría un máis doado acceso á súa consideración como primeira figura da música soviética e que, no peor dos casos, sempre lle habería de quedar a posibilidade de regresar a París.

Vaiamos co Concerto. O Allegro moderato ábrese cunha frase do solista que constitúe o primeiro tema ao que se sumará a corda grave, que o manterá mentres o violín se demora nuns arabescos. O segundo tema, tras un interludio virtuosístico, é un motivo lírico exposto igualmente polo violín, puntuado por trompas, clarinete e frauta. Ambos os dous desenvolveranse logo por orquestra e solista ata chegar á reexposición do primeiro por violonchelos e contrabaixos e a entrada fogosa do violín que volverá ao segundo. De novo reaparecerá o primeiro antes de entrar nunha coda que concluirá en pizzicato.

O Andante assai comeza igualmente co pizzicati das cordas marcando un ritmo sobre o que o violín exporá un motivo ao que se lle engadirá a corda acompañando de forma moi lírica. A frauta sumarase ao violín antes de que este nos conduza a un episodio central marcado Allegretto para volver despois ao tempo do inicio e ao seu tema da man do solista. Este demórase nalgúns adornos con algo de ostinato ata recobrar o impulso melódico e deixar o final para que unha trompa fantasiosa conclúa co violín en pizzicato.

No Allegro ben marcato cambia por completo a decoración e achamos un Prokofiev máis previsible. É un movemento dinámico en forma de rondó cun ritmo que pesa coas voltas ao tema principal puntuadas polas castañolas ata concluír nunha danza indicada Tumultuoso.

Josef Suk: Sinfonía nº 2, op. 27 “Asrael”

Josef Suk naceu en Krecovice en 1874 e morreu en Benesor, preto de Praga, en 1935. Estudara na capital checa con Foerster e Dvorák, de quen sería xenro tras o seu matrimonio coa súa filla Otylka. Por certo, o seu neto, e, xa que logo, bisneto de Dvorák, foi o gran violinista do mesmo nome: Josef Suk. En 1892 comporía a que chegaría a ser unha das súas obras máis coñecidas, a Serenata para cordas, op. 6. Polas mesmas datas uniríase como segundo violín ao daquela moi famoso Cuarteto Checo. A súa formación xunto a Dvorák foi decisiva na súa carreira como compositor e nel bebe a súa influencia principal, como habería de acontecer cos seus contemporáneos Novák e Fibich. Con eles e —desde presupostos e estilos ben distintos— forma, con Janácek, o grupo de compositores que sucederon o seu mestre como cabezas visibles da música checa. Das obras orquestrais de Suk —algunhas tan significativas como Praga, Un conto de verán, Maduración, Un conto de fadas ou o seu formidable Scherzo fantástico—, a Sinfonía Asrael ocupa un lugar preferente, moi por enriba da súa predecesora, a Sinfonía en mi maior, que palidece ao carón de semellante peza mestra.

O 1 de maio de 1904, como diciamos ao comezo destas notas, Suk atópase en Madrid co Cuarteto Checo en xira de concertos. Ese día recibe un telegrama que lle anuncia a morte do seu sogro. Pensa inmediatamente en compoñer unha obra dedicada á memoria de Dvorák que logo irá estruturando como unha sinfonía en cinco movementos que resumise tanto a súa dor como o legado musical do pai da súa dona. O 5 de xullo de 1905, mentres compoñía o cuarto movemento da obra, morre Otylka. “Un golpe coma ese” —escribirá Suk— “pode tanto detelo todo de súpeto como facer aflorar forzas insospeitadas. Parecíame que non sería quen de resistilo pero a música salvárame”. A morte de Otylka lévao a abandonar o escrito para o cuarto movemento da sinfonía —que toma o título de Asrael do nome do Anxo da Morte— e cerrala con dous adagios, para completar a partitura en 1906 e estreala o 3 de febreiro de 1907.

A sinfonía estrutúrase en dúas partes, a primeira formada polos tres primeiros movementos e a segunda polos outros dous. Jan Smaczny relaciona, non sen razón, a desolación —e desolación é a palabra que máis a miúdo podería aparecer á hora de falar da Sinfonía Asrael— do Andante sostenuto co futuro Xostacóvich. Nel aparece xa —farao máis veces— o “tema da morte” —un par de intervalos, crecente e decrecente, de cuarta aumentada— que provén da obra titulada Un conto de fadas, a suite sinfónica escrita sobre o poema dramático de Julius Zeyer Radúz e Mahulena que, inspirado no folclore checo e no Sakuntala indio, trata dos amores dunha parella que supera as inclemencias do destino e as artimañas da maxia e que Suk relacionaba sempre coa súa unión con Otylka. O Andante cita o pequeno motivo cromático principal do Réquiem de Dvorák que Suk haberá de desenvolver como unha verdadeira marcha fúnebre. O Vivace é un Scherzo que poderiamos cualificar no seu inicio de fantástico pero que acabará sendo verdadeiramente macabro, agás na súa sección central, abertamente nostálxica. Neste movemento advertimos a enorme pericia orquestradora de Suk, a súa capacidade para evocar o que non se pode abranguer, o estraño, o que está máis alá de nós mesmos.

Se xa se falou de Xostacóvich como punto de comparación do inicio de Asrael, os dous últimos tempos —eses dous adagios dedicados a Otylka— que conforman a súa segunda parte lévannos irremediablemente ao mundo de Gustav Mahler, o seu contemporáneo. Otylka está representada en no primeiro deles no solo do violín. O Adagio e maestoso comeza como afirmación do que poderiamos chamar “a dor da dor”, da man do tema da morte. E esa dialéctica entre a presenza daquela e o seu rexeitamento inevitable é o que enseñorará esta música plena de enerxía, dura tamén, grotesca incluso —por exemplo cando as madeiras renxan nun dos seus momentos máis mahlerianos— ata chegar a ese final no que o consolo —como sinala Smaczny— non é precisamente sentimental. Así é a arte. A morte é quen de chamar a beleza como conxuro imposible.

Luis Suñén

DIMA SLOBODENIOUK

Director

Alabado por su inteligente liderazgo artístico, Dima Slobodeniouk ocupa el cargo de director titular de la Orquesta Sinfónica de Galicia desde 2013, puesto que combina con sus más recientes compromisos como director de la Orquesta Sinfónica de Lahti y director artístico del Festival Sibelius tras su nombramiento en 2016. Vinculando sus raíces rusas nativas con la influencia cultural de su tierra natal —Finlandia—, se apoya en el poderoso patrimonio musical de ambos países.

Trabaja además con orquestas como la Filarmónica de Berlín, Gewandhausorchester de Leipzig, Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, Rundfunk-Sinfonieorchester de Berlín, ORF Radio-Symphonieorchester de Viena, Orquesta Filarmónica de Londres, Orquesta Sinfónica de Londres, Orquesta Sinfónica de la Radio Finlandesa, Orquesta Filarmónica de Rotterdam, las orquestas sinfónicas de Chicago, Houston y Baltimore, así como la Orquesta Sinfónica de Sídney.

La discografía de Slobodeniouk se amplió recientemente con grabaciones de las suites de Prokófiev con la Orquesta Sinfónica de Lahti, con la que previamente había grabado las obras de Kalevi Aho (BIS), recibiendo este último trabajo el premio BBC Music Magazine 2018. Ha grabado obras de Stravinski con la Orquesta Sinfónica de Galicia (BIS), Perttu Haapanen y Lotta Wennäkoski con la Orquesta Sinfónica de la Radio Finlandesa (Ondine) y obras de Sebastian Fagerlund con la Orquesta Sinfónica de Gotemburgo (BIS).

Dima Slobodeniouk, nacido en Moscú, estudió violín en la Escuela Central de Música de Moscú con Zinaida Gilels y Jevgenia Chugajev; en el Conservatorio de Finlandia Central así como en la Academia Sibelius con Olga Parhomenko. Sus estudios de dirección continuaron con Atso Almila bajo la guía de Leif Segerstam y Jorma Panula en la Academia Sibelius, y también estudió con Ilya Musin y Esa-Pekka Salonen. En su afán por inspirar a los jóvenes músicos del futuro, Slobodeniouk ha trabajado en los últimos años con estudiantes en la Academia del Festival Verbier y, además, comenzó una iniciativa de dirección de orquesta con la Sinfónica de Galicia, brindando una oportunidad para que los estudiantes trabajen en el podio con una orquesta profesional.

DIMA SLOBODENIOUK

Director

Loado polo seu intelixente liderado artístico, Dima Slobodeniouk ocupa o cargo de director titular da Orquestra Sinfónica de Galicia desde 2013, posto que combina cos seus máis recentes compromisos como director da Orquestra Sinfónica de Lahti e director artístico do Festival Sibelius tras o seu nomeamento en 2016. Vinculando as súas raíces rusas nativas coa influencia cultural da súa terra natal —Finlandia—, apóiase no poderoso patrimonio musical de ambos os dous países.

Traballa ademais con orquestras como a Filharmónica de Berlín, a Gewandhausorchester de Leipzig, a Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, a Rundfunk-Sinfonieorchester de Berlín, a ORF Radio-Symphonieorchester de Viena, a Orquestra Filharmónica de Londres, a Orquestra Sinfónica de Londres, a Orquestra Sinfónica da Radio Finlandesa, a Orquestra Filharmónica de Rotterdam, as orquestras sinfónicas de Chicago, Houston e Baltimore, así como a Orquestra Sinfónica de Sidney.

A discografía de Slobodeniouk ampliouse recentemente con gravacións das suites de Prokófiev coa Orquestra Sinfónica de Lahti, coa que previamente gravara as obras de Kalevi Aho (BIS), traballo que recibiu o premio BBC Music Magazine 2018. Gravou obras de Stravinsqui coa Orquestra Sinfónica de Galicia (BIS), Perttu Haapanen e Lotta Wennäkoski coa Orquestra Sinfónica da Radio Finlandesa (Ondine) e obras de Sebastian Fagerlund coa Orquestra Sinfónica de Gotemburgo (BIS).

Dima Slobodeniouk, nado en Moscova, estudou violín na Escola Central de Música de Moscova con Zinaida Gilels e Jevgenia Chugajev; no Conservatorio de Finlandia Central así como na Academia Sibelius con Olga Parhomenko. Os seus estudos de dirección continuaron con Atso Almila baixo a guía de Leif Segerstam e Jorma Panula na Academia Sibelius, e tamén estudou con Ilya Musin e Esa-Pekka Salonen. No seu afán por inspirar os mozos músicos do futuro, Slobodeniouk traballou nos últimos anos con estudantes na Academia do Festival Verbier e, ademais, comezou unha iniciativa de dirección de orquestra coa Sinfónica de Galicia, que brinda unha oportunidade para que os estudantes traballen no podio cunha orquestra profesional.

VIKTORIA MULLOVA

Violinista

Viktoria Mullova estudió en la Escuela Central de Música de Moscú y en el Conservatorio de Moscú. Su extraordinario talento captó la atención internacional cuando ganó el primer premio en el Concurso Sibelius de Helsinki en 1980 y la Medalla de Oro en el Concurso Tchaikovsky en 1982, a lo que siguió, en 1983, su dramática y muy publicitada deserción a Occidente. Desde entonces ha actuado con la mayoría de las grandes orquestas y directores del mundo y en los principales festivales internacionales. Actualmente es conocida en todo el mundo como una violinista de excepcional versatilidad e integridad musical. Su curiosidad abarca la amplitud del desarrollo musical desde el barroco y el clásico hasta las influencias más contemporáneas del mundo de la fusión y la música experimental.

Su interés en el enfoque auténtico ha llevado a colaboraciones con bandas de instrumentos de época como la Orquesta del Siglo de las Luces, Il Giardino Armonico, Venice Baroque y Orchestre Révolutionaire et Romantique. Viktoria tiene una gran afinidad con Bach y su trabajo constituye una gran parte de su catálogo de grabaciones. Sus interpretaciones de Bach han sido aclamadas en todo el mundo y llevaron a Tim Ashley a escribir en The Guardian :"Escuchar a Mullova tocar a Bach es, simplemente, una de las cosas más grandes que puedes experimentar...". Su disco de los conciertos de Bach con la Academia Bizantina y Ottavio Dantone ha sido muy elogiado y su grabación de las sonatas y partitas de Bach representa un hito significativo en el viaje personal de Viktoria hacia esta música. La grabación recibió críticas de 5 estrellas de todo el mundo y se ha embarcado en una serie internacional de recitales de Bach en solitario de varias temporadas.

Sus aventuras en la música creativa contemporánea comenzaron en el año 2000 con su álbum Through the Looking Glass en el que tocó música mundial, jazz y pop arreglada para ella por Matthew Barley. Esta exploración continuó con su segundo álbum The Peasant Girl, que ha recorrido todo el mundo con el conjunto de Matthew Barley. Este proyecto muestra un lado diferente de Viktoria, ya que mira a sus raíces campesinas en Ucrania y explora la influencia de la música “gipsy” en los géneros clásicos y de jazz en el siglo XX. Su proyecto más reciente, Stradivarius in Rio está inspirado en su amor por las canciones brasileñas de compositores como Antonio Carlos Jobim, Caetano Veloso y Claudio Nucci. El CD del mismo nombre fue recibido con entusiasmo y presentando en conciertos por toda Europa. Además de sus propios proyectos, también ha encargado obras a jóvenes compositores como Fraser Trainer, Thomas Larcher y Dai Fujikura. Esta rica diversidad musical ha sido celebrada en varias residencias de alto nivel, como el Southbank de Londres, el Konzerthaus de Viena, el Auditorio del Louvre de París, el Musikfest de Bremen, la Orquesta Sinfónica de Barcelona y el Festival de Música de Helsinki.

Esta temporada, Viktoria interpreta el repertorio clásico y romántico con varias orquestas y directores importantes. Entre las actuaciones más destacadas se incluyen las realizadas con la Orquesta Filarmónica de Moscú, la Orquesta Nacional de los Países del Loira, la Filarmónica de Helsinki, la Sinfónica de Houston, la Sinfónica de Barcelona y las Orquestas Sinfónicas NHK. Sus proyectos de música de cámara incluyen Music we Love; un dúo con Misha Mullov-Abbado, contrabajo, que presenta sus composiciones originales, arreglos de canciones brasileñas y hebreas y obras de Schumann y Bach. Con Alasdair Beatson interpreta recitales de Beethoven con cuerdas de tripa y fortepiano, que han grabado recientemente para su lanzamiento en 2021.

La extensa discografía de Mullova para Philips Classics y Onyx Classics ha atraído muchos premios prestigiosos. Su grabación de los Conciertos de Vivaldi con Il Giardino Armonico y dirigida por Giovanni Antonini, ganó el premio Diapason D'Or del año 2005 y su grabación con las Sonatas Op.12, No.3 y Kreutzer de Beethoven con Kristian Bezuidenhout obtuvo una inmensa aclamación de la crítica. Otros discos han incluido el Octeto de Schubert con el Mullova Ensemble, Recital con Katia Labèque, Sonatas de Bach con Ottavio Dantone, 6 Sonatas y Partitas de JS Bach y las obras completas para violín y orquesta de Arvo Pärt con la Orquesta Sinfónica Nacional de Estonia y Paavo Järvi para el sello Onyx. Sus últimas grabaciones, publicadas también con Onyx, son Music we Love con Misha Mullov-Abbado y Sonatas de Beethoven con Alasdair Beatson.

Viktoria toca en su 'Jules Falk' 1723 Stradivarius o en un violín Guadagnini

VIKTORIA MULLOVA

Violinista

Viktoria Mullova estudou na Escola Central de Música de Moscova e no Conservatorio de Moscova. O seu extraordinario talento captou a atención internacional cando gañou o primeiro premio no Concurso Sibelius de Helsinqui en 1980 e a Medalla de Ouro no Concurso Tchaikovsky en 1982, ao que seguiu, en 1983, a súa dramática e moi publicitada deserción a Occidente. Desde aquela actuou coa maioría das grandes orquestras e directores do mundo e nos principais festivais internacionais. Actualmente é coñecida en todo o mundo como unha violinista de excepcional versatilidade e integridade musical. A súa curiosidade abrangue a amplitude do desenvolvemento musical dende o barroco e mais o clásico ata as influencias máis contemporáneas do mundo da fusión e a música experimental.

O seu interese no enfoque auténtico levouna a colaboracións con bandas de instrumentos de época como a Orquesta del Siglo de las Luces, Il Giardino Armonico, Venice Baroque e a Orchestre Révolutionaire et Romantique. Viktoria ten unha grande afinidade con Bach e o seu traballo constitúe unha gran parte do seu catálogo de gravacións. As súas interpretacións de Bach foron aclamadas en todo o mundo e levaron a Tim Ashley a escribir en The Guardian: "Escoitar a Mullova tocar a Bach é, simplemente, unha das cousas máis grandes que podes experimentar...". O seu disco dos concertos de Bach coa Academia Bizantina e Ottavio Dantone foi moi eloxiado e a súa gravación das sonatas e partitas de Bach representa un fito significativo na viaxe persoal de Viktoria cara a esta música. A gravación recibiu críticas de 5 estrelas de todo o mundo e embarcouse nunha serie internacional de recitais de Bach en solitario de varias temporadas.

As súas aventuras na música creativa contemporánea comezaron no ano 2000 co seu álbum Through the Looking Glass no que tocou música mundial, jazz e pop arranxada para ela por Matthew Barley. Esta exploración continuou co seu segundo álbum The Peasant Girl, que percorreu todo o mundo co conxunto de Matthew Barley. Este proxecto amosa un lado diferente de Viktoria, xa que mira cara ás súas raíces campesiñas en Ucraína e explora a influencia da música “gipsy” nos xéneros clásicos e de jazz no século XX. O seu proxecto máis recente, Stradivarius in Rio, está inspirado no seu amor polas cancións brasileiras de compositores como Antonio Carlos Jobim, Caetano Veloso e Claudio Nucci. O CD do mesmo nome foi recibido con entusiasmo e presentando en concertos por toda Europa. Ademais dos seus propios proxectos, tamén lles encargou obras a compositores mozos como Fraser Trainer, Thomas Larcher e Dai Fujikura. Esta rica diversidade musical foi celebrada en varias residencias de alto nivel, como o Southbank de Londres, o Konzerthaus de Viena, o Auditorio do Louvre de París, o Musikfest de Bremen, a Orquestra Sinfónica de Barcelona e o Festival de Música de Helsinqui.

Esta temporada, Viktoria interpreta o repertorio clásico e romántico con varias orquestras e directores importantes. Entre as actuacións máis destacadas inclúense as realizadas coa Orquestra Filharmónica de Moscova, a Orquestra Nacional dos Países do Loira, a Filharmónica de Helsinqui, a Sinfónica de Houston, a Sinfónica de Barcelona e as Orquestras Sinfónicas NHK. Os seus proxectos de música de cámara inclúen Music we Love; un dúo con Misha Mullov-Abbado, contrabaixo, que presenta as súas composicións orixinais, arranxos de cancións brasileiras e hebreas e obras de Schumann e Bach. Con Alasdair Beatson interpreta recitais de Beethoven con cordas de tripa e piano forte, que gravaron recentemente para o seu lanzamento en 2021.

A extensa discografía de Mullova para Philips Classics e Onyx Classics atraeu moitos premios prestixiosos. A súa gravación dos Concertos de Vivaldi con Il Giardino Armonico e dirixida por Giovanni Antonini, gañou o premio Diapason D'Or do ano 2005 e a súa gravación coas Sonatas Op.12, No.3 e Kreutzer de Beethoven con Kristian Bezuidenhout obtivo unha inmensa aclamación da crítica. Outros discos incluíron o Octeto de Schubert co Mullova Ensemble, Recital con Katia Labèque, Sonatas de Bach con Ottavio Dantone, 6 Sonatas e Partitas de J. S. Bach e as obras completas para violín e orquestra de Arvo Pärt coa Orquesta Sinfónica Nacional de Estonia e Paavo Järvi para o selo discográfico Onyx. As súas últimas gravacións, publicadas tamén con Onyx, son Music we Love con Misha Mullov-Abbado e Sonatas de Beethoven con Alasdair Beatson.

Viktoria toca no seu 'Jules Falk' 1723 Stradivarius ou nun violín Guadagnini.

Miembros de la OSG

ORQUESTA SINFÓNICA DE GALICIA

VIOLINES I

Massimo Spadano*****

Ludwig Dürichen****

Vladimir Prjevalski****

Iana Antonyan

Ruslan Asanov

Caroline Bournaud

Gabriel Bussi

Carolina Mª Cygan Witoslawska

Dominica Malec Andruszkiewicz

Dorothea Nicholas

Mihai Andrei Tanasescu Kadar

Florian Vlashi

Roman Wojtowicz

VIOLINES II

Fumika Yamamura***

Adrián Linares Reyes***

Gertraud Brilmayer

Lylia Chirilov

Marcelo González Kriguer

Deborah Hamburger

Enrique Iglesias Precedo

Helle Karlsson

Gregory Klass

Stefan Marinescu

VIOLAS

Eugenia Petrova***

Francisco Miguens Regozo***

Andrei Kevorkov*

Raymond Arteaga Morales

Alison Dalglish

Despina Ionescu

Jeffrey Johnson

Jozef Kramar

Luigi Mazzucato

Karen Poghosyan

Wladimir Rosinskij

VIOLONCHELOS

Rouslana Prokopenko***

Raúl Mirás López***

Gabriel Tanasescu*

Mª Antonieta Carrasco Leiton

Berthold Hamburger

Scott M. Hardy

Florence Ronfort

Ramón Solsona Massana

CONTRABAJOS

Risto Vuolanne***

Diego Zecharies***

Todd Williamson*

Mario J. Alexandre Rodrigues

Douglas Gwynn

Jose F. Rodrigues Alexandre

FLAUTAS

Claudia Walker Moore***

Mª José Ortuño Benito**

Juan Ibáñez Briz*

OBOES

Casey Hill***

David Villa Escribano**

CLARINETES

Juan Antonio Ferrer Cerveró***

Iván Marín García**

Pere Anguera Camós*

FAGOTES

Steve Harriswangler***

Mary Ellen Harriswangler**

Alex Salgueiro *

TROMPAS

Nicolás Gómez Naval***

David Bushnell**

Manuel Moya Canós*

Amy Schimelmann*

TROMPETAS

Thomas Purdie**

Michael Halpern*

TROMBONES

Jon Etterbeek***

Óscar Vázquez Valiño***

TUBA

Jesper Boile Nielsen***

PERCUSIÓN

José A. Trigueros Segarra***

José Belmonte Monar**

Alejandro Sanz Redondo*

ARPA

Celine C. Landelle***

MÚSICOS INVITADOS TEMPORADA 21-22

OBOE

Carolina Rodríguez Canosa*

Notas:

***** Concertino

**** Ayuda de Concertino

*** Principal

** Principal-Asistente

* Coprincipal

MÚSICOS INVITADOS

VIOLÍN I

Virginia González Leondhart

Ángel Enrique Sánchez Marote

Clara Vázquez Ledesma

VIOLÍN II

Nazaret Canosa Insúa

Xoán Carro Sánchez

Natalia Cid Iriarte

Rebeca Maseda Longarela

VIOLA

Pablo Quiroga González

VIOLONCHELO

Virginia del Cura Miranda

Mª Victoria Pedrero Pérez

CONTRABAJO

Jonathan Orlando Alvárez Cermeño

Gerardo Tandioy Valladares

CLARINETE

José Manuel Mosquera González*

TROMPETAS

Manuel Fernández Alvárez***

Pedro Antonio Martínez López*

Jorge Martínez Méndez*

TROMBÓN TENOR

Esteban Méndez Chaves*

PERCUSIÓN

Fernando Llopis Mata***

Irene Rodríguez Rodríguez*

Consorcio para la Promoción de la Música

Inés Rey

Presidenta

Anxo M. Lorenzo

Vicepresidente

EQUIPO TÉCNICO - ADMINISTRATIVO

Andrés Lacasa Nikiforov

Gerente

Olga Dourado González

Secretaria-interventora

María Salgado Porto

Jefa de gestión económica

Ángeles Cucarella López

Coordinadora general

José Manuel Queijo

Jefe de producción

Javier Vizoso

Jefe de prensa y comunicación

Alberto García Buño

Contable

Zita Kadar

Archivo musical

Iván Portela López

Programas didácticos

José Antonio Anido Rodríguez

Angelina Déniz García

Noelia Roberedo Secades

Administración

Inmaculada Sánchez Canosa

Gerencia y coordinación

Nerea Varela

Secretaría de producción

Lucía Sández Sanmartín

Prensa y comunicación

José Manuel Ageitos Calvo

Daniel Rey Campaña

Regidores

Diana Romero Vila

Auxiliar de archivo

PRÓXIMOS CONCIERTOS

Jueves 26 de mayo 2022 – 20.00h.

Centro Cultural Afundación (Vigo)

Viernes 27 de mayo 2022 – 20.00h.

Palacio de la Ópera (A Coruña)

HÉCTOR BERLIOZ

Harold en Italia, op. 16* (43’)

MANUEL DE FALLA

El sombrero de tres picos (11’)

MAURICE RAVEL

Daphnis et Chloé: suite nº 2 (18’)

NILS MÖNKEMEYER viola

PABLO GONZÁLEZ director

Jueves 2 de junio 2022 – 20h.

Palacio de la Ópera (A Coruña)

Viernes 3 de junio 2022 – 20h.

Auditorio de Ferrol

FÉLIX MENDELSSOHN

Elías, op. 70 (131’)

ELIZABETH WATTS soparano

HELEN CHARLSTON alto

JAMES GILCHRIST tenor

ANDREW FOSTER-WILLIAMS bajo

CORO DE LA OSG

JOAN COMPANY director Coro

ANTONY HERMUS director

Sábado 4 de junio 2022 – 20.00h.

Teatro Colón (A Coruña)

RESIS FESTIVAL NATURA RENOVATUR

Giacinto Scelsi Natura Renovatur* (1967)

Wladimir rosinskij Elexía e baile para piano, violonchelo e cordas** (2022)

Iannis Xenakis Aroura* (1971)

Wolfgang Rihm Nature Morte* (1979-1980)

*Estreno en España

**Estreno absoluto

CAMERATA OSG

Violín I: Ludwig Durichen, Yana Antonyan, Dominica Malec, Gertraud Brillmayer

violín II: Gabriel Bussi, Angel Marote, Enrique Iglesias

violas: Jeffrey Johnson, Karen Poghosyan, Despina Ionescu

violonchelos: Ruslana Prokopenko, Ramon Solsona, Mavi Pedrero

Contrabajo: Douglas Gwynn

DASHA ROSINSKIJ PROKOPENKO piano

RUSLANA PROKOPENKO violonchelo

WLADIMIR ROSINSKIJ director

Jueves 9 de junio 2022 – 20.00h.

Palacio de la Ópera (A Coruña)

Viernes 10 de junio 2022 – 20.00h.

Palacio de la Ópera (A Coruña)

IGOR STRAVINSKI

Sinfonía de los instrumentos de viento (1947 revisión) (12´)

WOLFGANG AMADEUS MOZART

Concierto para piano nº23 la mayor K488

JOHANNES BRAHMS

Sinfonía nº1 en do menor, op.68 (45´)

SEONG-JIN CHO piano

DIMA SLOBODENIOUK director

Martes 28 de junio 2022 – 20.00h.

Palacio de la Ópera (A Coruña)

MÚSICA DE CINE. TRIBUTO A JOHN WILLIAMS JOHN WILLIAMS (1932)

Summon the heroes

Tribute to the film composers Extractos de Múnich

Tiburón

El patriota

Harry Potter

Parque Jurásico

1941

La lista de Schindler

Encuentros en la tercera fase

La guerra de las galaxias

ORQUESTA JOVEN DE LA SINFÓNICA DE GALICIA

JORDI COS idea y guion original

SALVADOR VIDAL narrador

VÍCTOR PABLO PÉREZ director

Entradas a la venta en https://entradas.ataquilla.com/

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El consorcio para la Promoción de la Música cuenta con la financiación de:

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