TEMPORADA 30

Programa 20, jueves 28 de abril 2022 - 20h,

viernes 29 de abril 2022 - 20h.

SINFÓNICA DE GALICIA

PROGRAMA 20

I

CÉSAR FRANCK (1822-1890)

Sinfonía en re (37’)

I Lento-Allegro non troppo

II Allegretto

III Allegro non troppo

II

CLAUDE DEBUSSY (1862-1918)

L’enfant prodigue (35’)

1 Prélude

2 Air : "L'année, en vain chasse l'année ; Azaël, pourquoi m'as-tu quittée?"

3 Récit : "Eh bien, encor des pleurs !"

4 Cortège et Air de danse

5 Récit et Air : "Ces airs joyeux ; O temps, à jamais effacé"

6 Récit et Air : "Je m'enfuis"

7 Duo : "Rouvre les yeux à la lumière"

8 Air : "Mon fils est revenu ; Plus de vains soucis"

9 Trio : "Mon cœur renaît à l’espérance"

RAQUEL LOJENDIO, solista soprano

MAURO PETER, solista tenor

GABRIEL BERMÚDEZ Solista barítono

VÍCTOR PABLO PÉREZ, director

Centro Cultural Afundación de Pontevedra

Jueves, 28 de abril 2022 – 20h.

Palacio de la Ópera de A Coruña

Viernes, 29 de abril 2022 - 20h.

Contemporáneos lejanos

L’enfant prodigue (El hijo pródigo) de Claude Debussy y la Sinfonía en re menor de César Franck son composiciones casi estrictamente contemporáneas: la primera, la de un prometedor joven estudiante de veintidós años; la segunda, la de un maestro plenamente maduro a sus sesenta y seis, solo dos antes de morir, hoy diríamos que demasiado pronto. Y reunidas en este programa muestran, siquiera levemente en el caso de Debussy, los inicios de un estilo que revolucionará la estética musical y, en Franck, hasta dónde pude llegar la estructura al servicio de la expresión, cómo se atisba el genio en la obra aún primeriza y cómo se manifiesta en plenitud en la crepuscular.

CLAUDE DEBUSSY (1862-1918)

L’enfant prodigue

Debussy quiso primero ser pianista y para eso entró en el Conservatorio parisino cuando solo tenía diez años y por eso también pasó luego un verano enseñando a los hijos de Nadezhda von Meck, la patrocinadora y amiga a distancia de Chaikovski, en Moscú, Florencia, Venecia y Viena. Ambas experiencias le llevaron a la conclusión de que debía abandonar aquella idea y dedicarse a la composición. Camino casi obligado para ello era entonces, para un joven francés, presentarse al Premio de Roma que llevaba aparejada una estancia en la Villa Medici, donde se encontraba la Academia Francesa en aquella ciudad. Lo hizo con su “escena lírica” L’enfant prodigue y ganó. A Debussy le importaba poco el premio —años después calificó de “ridículo” en uno de los artículos firmados por su alter ego Monsieur Crochet— y vivir en Roma le hacía verse en su realidad presunta de inadaptado social. Pero también sabía que ganarlo suponía entrar en el escalafón aunque fuera a costa de hacerle el juego a quienes también pensaban que, en cierto modo, el galardón y sus reglas eran un instrumento para mantener embridadas las ansias renovadoras de jóvenes compositores demasiado fogosos.

L'enfant prodigue retoma, con un texto de Édouard Guinand, la parábola evangélica bien conocida, incluyendo a la madre del protagonista, que no aparece en aquella, y excluyendo al hermano mayor que allí tiene algo que decir. Y aportando, por ello, un elemento que pudiera dar juego sentimental —el dueto entre madre e hijo lo revela— y rechazando otro que ofrecería drama añadido y una cierta confrontación entre amor y justicia.

El Preludio arranca con una melodía inolvidable —un verdadero motivo conductor— que se desarrolla con amplio lirismo y que, junto al Recitativo y aria de Lia muestra ya, nada más empezar, las influencias que atraviesan la partitura, sobre todo la de Massenet, ese compositor del que Debussy escribiría en su obituario: “¿Ha escuchado alguien tararear a las modistillas La Pasión según San Mateo? No lo creo. Todo el mundo sabe, sin embargo, que se despiertan por la mañana cantando Manon o Werther. No nos engañemos, es esa una gloria encantadora que envidiará secretamente más de uno de esos grandes puristas que sólo cuentan con el respeto un poco trabajoso de los cenáculos para animar su corazón. Sus colegas no le perdonaron ese poder de agradar que es verdaderamente un don”. A su lado está Lalo y está Wagner y hasta encontraríamos algún toque del Berlioz de La infancia de Cristo —en El cortejo y la danza subsiguiente, junto al omnipresente Massenet pero también en agraz el Debussy posterior— en este o aquel guiño expresivo. Y todo eso desde el principio, como presentando una tarjeta de visita que incluyera todas las fuentes de su inspiración y que la situara sin problemas en la corriente principal de su momento —otra cosa hubiera sido impensable en el Premio de Roma—, con su puntito exótico también, con su cierto cariz orientalizante.

Estamos ante una pieza muy hermosa por momentos, eficazmente fluida, que aporta buenas ocasiones de lucimiento a los cantantes, como el Recitativo y aria de Azaël, “Ces airs joyeux” —recordemos que ya en 1880 había escrito una maravilla como la canción Nuit d’etoiles sobre un poema de Théodore de Banville—, aunque sea en la orquesta donde se encuentren las sutilezas mayores, y que concluye en un clima de triunfal felicidad. No revela todavía la grandeza de quien será uno de los mayores genios de la historia de la música pero se escucha con la curiosidad, siempre satisfecha, de buscar sus puntos de apoyo y comprobar con cuánto talento los negocia.

Dedicada por Debussy a su profesor Ernest Guiraud, L’enfant prodigue se estrenaría el 27 de junio de 1884 en el Conservatorio de París. En 1907 —y eso es una muestra de amor hacia esta música entonces ya tan lejana—revisaría la orquestación, especialmente el Cortejo, y reescribiría el aria de Azaël.

CÉSAR FRANCK (1822-1890)

Sinfonía en re menor

César Franck nació en Lieja en 1822 pero a los diez años su familia se instaló en París y pidió la nacionalidad francesa, requisito indispensable para que el joven se matriculara en el Conservatorio y pudiera recibir enseñanzas nada menos que de, entre otros, Anton Reicha, maestro también de Berlioz, Liszt y Gounod. Su padre quiso hacer de él un pianista profesional y un compositor, por decirlo así, fácilmente vendible, pero César optó por alejarse de la vida profesional intensa, del oropel al que le conducía, sin sentido artístico alguno, la ambición paterna: se casó con una actriz —lo que exasperó especialmente a su progenitor—, tuvo hijos, tocaba de vez en cuando y sobrevivía con un digno pasar como profesor del Conservatorio teniendo entre sus alumnos a D’Indy, Chausson o Duparc, que lo llamaban Pater Seraphicus y que, tras su muerte, crearon la Schola Cantorum, fundamental en el desarrollo de la música francesa a partir de las ideas y los métodos de su maestro.

En 1855 Franck accede al puesto de organista titular de la iglesia de San Juan y San Francisco —actual Catedral de la Santa Cruz de los Armenios— en el Marais parisino y, tres años después, de la de Santa Clotilde. Ambos templos tenían un órgano Cavaillé-Coll —llamados entonces órganos sinfónicos por razones obvias y de los que se conservan bastantes en Euskadi— y el contacto con su sonoridad y sus posibilidades abrió una vía nueva y decisiva en el horizonte creador de nuestro autor. A partir de ahí se convirtió en uno de los nombres fundamentales de la música para órgano del siglo XIX —Liszt comparaba su talento con el de un Johann Sebastian Bach legendario— y su estro pareció revivir. Así llegarán sus mejores partituras para piano —recordemos su Preludio, coral y fuga—, camerísticas —la Sonata para violín y piano— y sinfónicas, entre estas El cazador maldito, Psyché y la Sinfonía en re menor, que es la que pasó inmediatamente al repertorio de todas las orquestas del mundo tras su estreno en París en 1888 por la del Conservatorio en un contexto desfavorable por las disputas internas en la institución. Mal dirigida y no mejor recibida por la audiencia, ello no impidió que, tras su première, Franck manifestara con toda tranquilidad: “es tan buena como yo pensaba”. Naturalmente, se ha escrito bastante acerca de la cercanía organística de la instrumentación de la pieza, lo cual no por fácil de decir lo es de demostrar. Se observan procedimientos, sobre todo en las repeticiones de las células principales o en determinados cromatismos que a algunos críticos les han llevado a hablar de su semejanza con el cambio de registro en el órgano. Pero esta música va mucho más allá de eso y quedarnos en ello no hace sino empequeñecer la evidencia de su genialidad.

Lo primero que llama la atención en la sinfonía es su división en tres movimientos, pero hay que tener en cuenta que el Scherzo y el tiempo lento están contenidos en el segundo de ellos, marcado Allegretto. En realidad, su característica más importante es lo que se ha llamado su carácter cíclico, es decir, la repetición de los motivos fundamentales a lo largo de su desarrollo. El primer grupo temático lo forman en el Lento-Allegro ma non troppo el sombrío tema inicial que alterna con una variación de sí mismo. El segundo está a cargo de la orquesta al completo y será sobre el que pivote toda la pieza. No sabemos por qué se le ha llamado frecuentemente “Tema de la Fe”. En el segundo movimiento el motivo principal corre a cargo del corno inglés y el correspondiente al Scherzo de violonchelos y clarinetes. En el Allegro non troppo vuelve el tema inicial al que sigue un segundo en forma de coral. En la recapitulación aparecerá de nuevo el de la Fe y el motivo citado del corno inglés en el Allegretto, dejando paso al final al motivo principal para concluir con él. Fijarse en la aparición y reaparición de temas y subtemas es una posibilidad de escucha de esta sinfonía, qué duda cabe, y bien entretenido. Pero ello no nos debe distraer de lo que representa como magnífica construcción sinfónica, a la vez brillante e interior, austera hasta cierto punto en relación con otras obras tan sensuales como Psyché. Es, se diría, una suerte de equilibrio perfecto entre las obligaciones de la forma y las libertades que ella permite al creador inteligente.

Luis Suñén

Contemporáneos remotos

L’enfant prodigue (O fillo pródigo) de Claude Debussy e a Sinfonía en re menor de César Franck son composicións case estritamente contemporáneas: a primeira, a dun prometedor mozo estudante de vinte e dous anos; a segunda, a dun mestre plenamente maduro aos seus sesenta e seis, só dous antes de morrer, hoxe diriamos que demasiado pronto. E reunidas neste programa amosan, sequera levemente no caso de Debussy, os inicios dun estilo que haberá de revolucionar a estética musical e, en Franck, ata onde puiden chegar, a estrutura ao servizo da expresión, como se enxerga o xenio na obra aínda principiante e como se manifesta en plenitude na crepuscular.

CLAUDE DEBUSSY (1862-1918)

L’enfant prodigue

Debussy quixo primeiro ser pianista e para iso entrou no conservatorio parisiense cando só tiña dez anos e por iso tamén pasou logo un verán aprendéndolles aos fillos de Nadezhda von Meck, a patrocinadora e amiga a distancia de Chaicovsqui, en Moscova, Florencia, Venecia e Viena. Ambas as dúas experiencias levárono á conclusión de que debía abandonar aquela idea e dedicarse á composición. Camiño case obrigado para iso era daquela, para un mozo francés, presentarse ao Premio de Roma que levaba aparellada unha estadía na Vila Medici, onde se atopaba a Academia Francesa naquela cidade. Fíxoo coa súa “escena lírica” L’enfant prodigue e gañou. A Debussy importáballe pouco o premio —anos despois cualificou de “ridículo” nun dos artigos asinados polo seu alter ego Monsieur Crochet— e vivir en Roma facía que se vise na súa realidade presunta de inadaptado social. Pero tamén sabía que gañalo supoñía entrar na escala aínda que fose a forza de lles facer o xogo aos que tamén pensaban que, en certo xeito, o galardón e mais as súas regras eran un instrumento para manter embridadas as ansias renovadoras de mozos compositores demasiado fogosos.

L'enfant prodigue retoma, cun texto de Édouard Guinand, a parábola evanxélica ben coñecida, que inclúe a nai do protagonista, que non aparece naquela, e que exclúe o irmán máis vello que alí ten algo que dicir. E desta forma achega, por isto, un elemento que puidese dar xogo sentimental —o dueto entre nai e fillo revélao— e rexeita outro que ofrecería drama engadido e unha certa confrontación entre amor e xustiza.

O Preludio arranca cunha melodía inesquecible —un verdadeiro motivo condutor— que se desenvolve con amplo lirismo e que, xunto ao Recitativo e aria de Lia amosa xa, nada máis comezar, as influencias que atravesan a partitura, sobre todo a de Massenet, ese compositor do que Debussy escribiría no seu obituario: “Escoitou alguén as modistiñas cantaruxaren A Paixón segundo San Mateo? Non o creo. Todo o mundo sabe, no entanto, que espertan pola mañá cantando Manon ou Werther. Non nos enganemos, é esa unha gloria encantadora que envexará secretamente máis dun deses grandes puristas que só contan co respecto un pouco traballoso dos cenáculos para animar o seu corazón. Os seus colegas non lle perdoaron ese poder de agradar que é verdadeiramente un don”. Ao seu carón está Lalo e está Wagner e mesmo atopariamos algún toque do Berlioz da obra A infancia de Cristo —no título O cortexo e a danza subseguinte, xunto ao omnipresente Massenet pero tamén en agraz o Debussy posterior— neste ou naquela chiscadela expresiva. E todo iso desde o principio, como presentando unha tarxeta de visita que incluíse todas as fontes da súa inspiración e que a situase sen problemas na corrente principal do seu momento —outra cousa tería sido impensable no Premio de Roma—, co seu puntiño exótico tamén, co seu certo cariz orientalizante.

Estamos perante unha peza moi fermosa por momentos, eficazmente fluída, que lles achega boas ocasións de lucimento aos cantantes, como o Recitativo e aria de Azaël, “Ces airs joyeux” —lembremos que xa en 1880 escribira unha marabilla como a canción Nuit d’etoiles sobre un poema de Théodore de Banville—, aínda que sexa na orquestra onde se atopen as sutilezas maiores, e que conclúe nun clima de triunfal felicidade. Non revela aínda a grandeza de quen será un dos maiores xenios da historia da música pero escóitase coa curiosidade, sempre satisfeita, de buscar os seus puntos de apoio e comprobar con canto talento os negocia.

Dedicada por Debussy ao seu profesor Ernest Guiraud, L’enfant prodigue estrearíase o 27 de xuño de 1884 no Conservatorio de París. En 1907 —e iso é unha mostra de amor cara a esta música daquela xa tan remota— revisaría a orquestración, especialmente o Cortexo, e reescribiría a aria de Azaël.

CÉSAR FRANCK (1822-1890)

Sinfonía en re menor

César Franck naceu en Lieja en 1822 pero aos dez anos a súa familia instalouse en París e pediu a nacionalidade francesa, requisito indispensable para que o mozo se matriculase no Conservatorio e puidese recibir ensinanzas nada menos que de, entre outros, Anton Reicha, mestre tamén de Berlioz, Liszt e Gounod. O seu pai quixo facer del un pianista profesional e un compositor, por dicilo así, doadamente vendible, pero César optou por afastarse da vida profesional intensa, do oropel ao que o conducía, sen sentido artístico ningún, a ambición paterna: casou cunha actriz —o que exasperou especialmente ao seu proxenitor—, tivo fillos, tocaba de cando en vez e sobrevivía cun digno pasar como profesor do conservatorio nos que tiña entre os seus alumnos a D’Indy, Chausson ou Duparc, que o chamaban Pater Seraphicus e que, tras a súa morte, crearon a Schola Cantorum, fundamental no desenvolvemento da música francesa a partir das ideas e dos métodos do seu mestre.

En 1855 Franck accede ao posto de organista titular da igrexa de San Xoán e San Francisco —actual Catedral da Santa Cruz dos Armenios— no Marais parisiense e, tres anos despois, da de Santa Clotilde. Ambos os dous templos tiñan un órgano Cavaillé-Coll —chamados daquela órganos sinfónicos por razóns obvias e dos que se conservan bastantes en Euskadi— e o contacto coa súa sonoridade e as súas posibilidades abriu unha vía nova e decisiva no horizonte creador do noso autor. A partir de aí converteuse nun dos nomes fundamentais da música para órgano do século XIX —Liszt comparaba o seu talento co dun Johann Sebastian Bach lendario— e o seu estro semellou revivir. Así chegarán as súas mellores partituras para piano —lembremos o seu Preludio, coral e fuga—, camerísticas —a Sonata para violín e piano— e sinfónicas, entre estas O cazador maldito, Psyché e a Sinfonía en re menor, que é a que pasou inmediatamente ao repertorio de todas as orquestras do mundo logo da súa estrea en París en 1888 pola do conservatorio nun contexto desfavorable polas disputas internas na institución. Mal dirixida e non mellor recibida pola audiencia, iso non impediu que, tras a súa première, Franck manifestase con toda tranquilidade: “é tan bo como eu pensaba”. Naturalmente, escribiuse bastante sobre a organística da instrumentación da peza, o cal non por doado de dicir o é de demostrar. Obsérvanse procedementos, sobre todo nas repeticións das células principais ou en determinados cromatismos que a algúns críticos os levaron a falar da súa semellanza co cambio de rexistro no órgano. Pero esta música vai moito máis alá diso e quedarmos niso non fai senón empequenecer a evidencia da súa xenialidade.

O primeiro que chama a atención na sinfonía é a súa división en tres movementos, mais hai que ter en conta que o Scherzo e o tempo lento están contidos no segundo deles, marcado Allegretto. En realidade, a súa característica máis importante é o que se chamou o seu carácter cíclico, isto é, a repetición dos motivos fundamentais ao longo do seu desenvolvemento. O primeiro grupo temático fórmano no Lento-Allegro ma non troppo o sombrío tema inicial que alterna cunha variación de si mesmo. O segundo está a cargo da orquestra ao completo e será sobre o que pivote toda a peza. Non sabemos por que se lle chamou frecuentemente “Tema da Fe”. No segundo movemento o motivo principal corre a cargo do corno inglés e o correspondente ao Scherzo de violonchelos e clarinetes. No Allegro non troppo volve o tema inicial ao que lle segue un segundo en forma de coral. Na recapitulación aparecerá de novo o da Fe e o motivo citado do corno inglés no Allegretto, que lle deixa paso ao final ao motivo principal para concluír con el. Fixarse na aparición e reaparición de temas e subtemas é unha posibilidade de escoita desta sinfonía, que dúbida cabe, e ben entretido. Pero iso non nos debe distraer do que representa como magnífica construción sinfónica, á vez brillante e interior, austera ata certo punto en relación con outras obras tan sensuais como Psyché. Diríase que é unha sorte de equilibrio perfecto entre as obrigas da forma e as liberdades que ela lle permite ao creador intelixente.

Luis Suñén

VÍCTOR PABLO PÉREZ

Director

Víctor Pablo Pérez nace en Burgos y realiza sus estudios musicales en el Real Conservatorio de Música de Madrid y en la Hochschule für Musik de Múnich.

Señalado desde sus comienzos como uno de los grandes y precoces valores españoles en el campo de la dirección de orquesta, entre 1980 y 1988 es director artístico y titular de la Orquesta Sinfónica de Asturias y entre 1986 y 2005 director artístico y titular de la Orquesta Sinfónica de Tenerife, agrupación que se convierte rápidamente en un referente en el panorama musical español.

En 1993 toma las riendas de la Orquesta Sinfónica de Galicia, labor que lleva a cabo hasta agosto de 2013, consiguiendo en ese periodo un reconocimiento unánime por el nivel de excelencia alcanzado por el conjunto.

Sus distinciones han sido numerosas: Premio Ojo Crítico de Radio Nacional de España (1990), Premio Ondas (1992 y 1996), Premio Nacional de Música (1995), Medalla de Oro a las Bellas Artes (1999), Director Honorario de la Orquesta Sinfónica de Tenerife (2006), Director Honorario de la Orquesta Sinfónica de Galicia (2013), Hijo Adoptivo de la ciudad de Santa Cruz de Tenerife y de la Isla de Tenerife, Medalla de Oro del Gobierno de Canarias, Académico correspondiente de las Reales Academias de Bellas Artes de San Fernando (Madrid) y Nuestra Señora del Rosario (Galicia-A Coruña).

Víctor Pablo Pérez colabora de forma habitual con el Teatro Real de Madrid, el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, Festival Mozart de La Coruña, Festivales Internacionales de Música de Canarias, Perelada, Granada, Santander, Schleswig Holstein, Festival Bruckner de Madrid, Rossini Opera Festival, Festival de San Lorenzo del Escorial y Quincena Musical de San Sebastián. Además de dirigir habitualmente la práctica totalidad de las orquestas españolas, es llamado como director invitado por diferentes formaciones internacionales como HR-Sinfonieorchester –Frankfurt, Berliner Symphoniker, Münchner Symphoniker, Dresdner Sinfoniker, Royal Philharmonic, London Philharmonic, Orchestra del Maggio Musicale Fiorentino, Orchestra dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia di Roma, Orchestra Sinfonica Siciliana, Orchestra Sinfonica RAI di Roma, Orchestra Sinfonica di Milano Giuseppe Verdi, Orchestre National de Lyon, Orchestre National du Capitole de Toulouse, Orquesta Sinfónica de Jerusalem, Orquesta Nacional de Polonia, Helsingborgs Symfoniorkester y Trondheim Symfoniorkester.

Del mismo modo colabora con grandes solistas como C. Zimerman, G. Sokolov, A. Volodos, L. O. Andens, P. Lewis, R. Blechacz, F. P. Zimermann, J. Rachlin, L. Kavakos, A. S. Mutter, Midori, Gil Shaham, N. Zneider, S. Chang, A. Steinbacher, G. Kremer, M. Vengerov, R. Fleming, Mª Bayo, A. Arteta, N. Dessay, N. Stutzmman, E. Podles, V. Kasarova, F. Cedolins, I. Mula, P. Domingo, R. Villazón, C. Álvarez, J. Bros, Mª J. Moreno, A. Murray y M. Barrueco, entre otros.

Durante los últimos 8 años ha ocupado el cargo de Director Artístico y Titular de la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid (ORCAM) y desarrolla una importante labor con la Joven Orquesta de Canarias (JOCAN) con la que ha realizado una intensa gira por China y con la que el próximo verano actuará en la Quincena Donostiarra con la Sinfonía 3 de G. Mahler y el Orfeón Donostiarra, que culminará con una gira de 6 conciertos por las más importantes salas de concierto del País Vasco.

VÍCTOR PABLO PÉREZ

Director

Víctor Pablo Pérez nace en Burgos e realiza os seus estudos musicais no Real Conservatorio de Música de Madrid e mais na Hochschule für Musik de Múnic.

Sinalado desde os seus comezos como un dos grandes e precoces valores españois no campo da dirección de orquestra, entre 1980 e 1988 é director artístico e titular da Orquestra Sinfónica de Asturias e entre 1986 e 2005 director artístico e titular da Orquestra Sinfónica de Tenerife, agrupación que se converte rapidamente nun referente no panorama musical español.

En 1993 toma as rendas da Orquestra Sinfónica de Galicia, labor que leva a cabo ata agosto de 2013, e nese período acada un recoñecemento unánime polo nivel de excelencia conseguido polo conxunto.

As súas distincións foron numerosas: Premio Ojo Crítico de Radio Nacional de España (1990), Premio Ondas (1992 e 1996), Premio Nacional de Música (1995), Medalla de Oro a las Bellas Artes (1999), Director Honorario da Orquestra Sinfónica de Tenerife (2006), Director Honorario da Orquestra Sinfónica de Galicia (2013), Fillo Adoptivo da cidade de Santa Cruz de Tenerife e da Illa de Tenerife, Medalla de Ouro do Goberno de Canarias, Académico correspondente das Reales Academias de Bellas Artes de San Fernando (Madrid) e Nuestra Señora del Rosario (Galicia-A Coruña).

Víctor Pablo Pérez colabora de xeito habitual co Teatro Real de Madrid, o Gran Teatre del Liceu de Barcelona, o Festival Mozart da Coruña, os Festivais Internacionais de Música de Canarias, Perelada, Granada, Santander, Schleswig Holstein, o Festival Bruckner de Madrid, o Rossini Opera Festival, o Festival de San Lorenzo del Escorial e a Quincena Musical de San Sebastián. Ademais de dirixir decote a práctica totalidade das orquestras españolas, é chamado como director invitado por diferentes formacións internacionais como HR-Sinfonieorchester –Frankfurt, Berliner Symphoniker, Münchner Symphoniker, Dresdner Sinfoniker, Royal Philharmonic, London Philharmonic, Orchestra del Maggio Musicale Fiorentino, Orchestra dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia di Roma, Orchestra Sinfonica Siciliana, Orchestra Sinfonica RAI di Roma, Orchestra Sinfonica di Milano Giuseppe Verdi, Orchestre National de Lyon, Orchestre National du Capitole de Toulouse, Orquestra Sinfónica de Jerusalem, Orquestra Nacional de Polonia, Helsingborgs Symfoniorkester e Trondheim Symfoniorkester.

Do mesmo xeito colabora con grandes solistas como C. Zimerman, G. Sokolov, A. Volodos, L. O. Andens, P. Lewis, R. Blechacz, F. P. Zimermann, J. Rachlin, L. Kavakos, A. S. Mutter, Midori, Gil Shaham, N. Zneider, S. Chang, A. Steinbacher, G. Kremer, M. Vengerov, R. Fleming, Mª Bayo, A. Arteta, N. Dessay, N. Stutzmman, E. Podles, V. Kasarova, F. Cedolins, I. Mula, P. Domingo, R. Villazón, C. Álvarez, J. Bros, Mª J. Moreno, A. Murray e M. Barrueco, entre outros.

Durante os últimos oito anos ocupou o cargo de director artístico e titular da Orquestra e Coro da Comunidade de Madrid (ORCAM) e desenvolve un importante labor coa Joven Orquesta de Canarias (JOCAN) coa que realizou unha intensa xira pola China e coa que o vindeiro verán actuará na Quincena Donostiarra coa Sinfonía 3 de G. Mahler e o Orfeón Donostiarra, que culminará cunha xira de seis concertos polas máis importantes salas de concerto do País Vasco.

GABRIEL BERMÚDEZ

Barítono

Nacido en Madrid, Gabriel Bermúdez cursó sus estudios en la Escuela Superior de Canto de Madrid con Carmen Rodríguez Aragón y, en la Escuela Superior de Música Reina Sofía, con Teresa Berganza.

Formó parte de la primera edición de Le jardin des voix, con Les arts florissants, dirigido por William Christie. Entre 2002 y 2011 formó parte de la Compañía de la Ópera de Zürich y a partir de 2013 fue componente de la Compañía de la Ópera Estatal de Viena. Ha actuado también en el Gran Teatre del Liceu, Staatsoper de Hannover, Teatro Real y Teatro de la Zarzuela, Ópera de Dortmund, Ópera de Oviedo, Ópera de París La Bastille, Ópera de Muscat (Omán), Quincena Musical Donostiarra, Festival de Salzburgo, Teatro allá Scala...

Ha interpretado Il barbiere di Siviglia (Figaro), La Cenerentola (Dandini), La Bohème (Marcello),Turandot (Ping), Madama Butterfly (Sharpless), Ariadne auf Naxos (Harlekin), Les Indes galantes (Osman/Ali/Don Alvar), Harley (Hector, estreno mundial), Faust (Valentin), Roméo et Juliette (Mercutio), Peter Grimes (Ned Keene), La finta giardiniera (Nardo), Die Zauberflöte (Papageno), Così fan tutte (Guglielmo), Le nozze di Figaro (Almaviva), Werther (Albert), Die Fledermaus (Eisenstein y Falke), Die lustige Witwe (Danilo), Rusalka (Der Heger), I Pagliacci (Silvio), L’elisir d’amore (Belcore), Iphigénie en Tauride (Oreste), Les mamelles de Tirésias (Le Mari), Tri Sestri (Andrei)...

Ha sido dirigido por Nikolaus Harnoncourt, Nello Santi, William Christie, Marc Minkowski, John E.Gardiner, Von Donányi, Welser-Möst, Plasson, AdamFischer, Gómez Martínez, Victor Pablo Pérez, Armiliato, Carignani, Rizzi, Harding, Plácido Domingo, Philippe Jordan, Ivor Bolton, Gustavo Dudamel…

Tiene grabaciones en DVD de La finta giardiniera y Die Zauberflöte, bajo la dirección de Nikolaus Harnoncourt; Ariadne auf Naxos, dirigido por Von Dohnányi, I Pagliacci, dirigido por Stefano Ranzani, todos ellos desde Zürich, así como I Pagliacci, dirigida por Daniele Callegari y La Bohème, dirigida por Marc Piollet, desde el Teatre del Liceu y Ariadne auf Naxos, dirigida por Daniel Harding, desde el Festival de Salzburgo.

Ha actuado en concierto en el Palais des Beaux Arts (Bruselas), Teatro Arriaga (Bilbao), Centro Gulbenkian (Lisboa), Auditorio de Galicia (Santiago), Auditorio Nacional (Madrid), Barbican Centre y Royal Festival Hall (Londres), Alte Oper (Frankfurt), Cité de la Musique o Châtelet (Paris)…

En su actividad profesional, dedica una gran importancia al Lied y la canción de concierto y ha realizado numerosos recitales en Europa y Japón.

GABRIEL BERMÚDEZ

Barítono

Nado en Madrid, Gabriel Bermúdez cursou os seus estudos na Escola Superior de Canto de Madrid con Carmen Rodríguez Aragón e, na Escola Superior de Música Reina Sofía, con Teresa Berganza.

Formou parte da primeira edición de Le jardin des voix, con Les arts florissants, dirixido por William Christie. Entre 2002 e 2011 formou parte da Compañía da Ópera de Zurich e a partir de 2013 foi compoñente da Compañía da Ópera Estatal de Viena. Actuou tamén no Gran Teatre del Liceu, no Staatsoper de Hannover, no Teatro Real e Teatro da Zarzuela, na Ópera de Dortmund, na Ópera de Oviedo, na Ópera de París La Bastille, na Ópera de Muscat (Omán), na Quincena Musical Donostiarra, no Festival de Salzburgo, no Teatro allá Scala...

Interpretou Il barbiere di Siviglia (Figaro), La Cenerentola (Dandini), La Bohème (Marcello), Turandot (Ping), Madama Butterfly (Sharpless), Ariadne auf Naxos (Harlekin), Les Indes galantes (Osman/Ali/Don Alvar), Harley (Hector, estrea mundial), Faust (Valentin), Roméo et Juliette (Mercutio), Peter Grimes (Ned Keene), La finta giardiniera (Nardo), Die Zauberflöte (Papageno), Così fan tutte (Guglielmo), Le nozze di Figaro (Almaviva), Werther (Albert), Die Fledermaus (Eisenstein e Falke), Die lustige Witwe (Danilo), Rusalka (Der Heger), I Pagliacci (Silvio), L’elisir d’amore (Belcore), Iphigénie en Tauride (Oreste), Les mamelles de Tirésias (Le Mari), Tri Sestri (Andrei)...

Foi dirixido por Nikolaus Harnoncourt, Nello Santi, William Christie, Marc Minkowski, John E.Gardiner, Von Donányi, Welser-Möst, Plasson, AdamFischer, Gómez Martínez, Víctor Pablo Pérez, Armiliato, Carignani, Rizzi, Harding, Plácido Domingo, Philippe Jordan, Ivor Bolton, Gustavo Dudamel…

Ten gravacións en DVD de La finta giardiniera e Die Zauberflöte, baixo a dirección de Nikolaus Harnoncourt; Ariadne auf Naxos, dirixido por Von Dohnányi, I Pagliacci, dirixido por Stefano Ranzani, todos eles desde Zurich, así como I Pagliacci, dirixida por Daniele Callegari e La Bohème, dirixida por Marc Piollet, desde o Teatre del Liceu e Ariadne auf Naxos, dirixida por Daniel Harding, desde o Festival de Salzburgo.

Actuou en concerto no Palais des Beaux Arts (Bruxelas), no Teatro Arriaga (Bilbao), no Centro Gulbenkian (Lisboa), no Auditorio de Galicia (Santiago), no Auditorio Nacional (Madrid), na Barbican Centre e mais no Royal Festival Hall (Londres), no Alte Oper (Frankfurt), na Cité de la Musique ou Châtelet (París)…

Na súa actividade profesional, dedícalle unha grande importancia ao Lied e mais á canción de concerto e realizou numerosos recitais en Europa e Xapón.

MAURO PETER

Tenor

El tenor suizo Mauro Peter nació en Lucerna y estudió con Fenna Kügel-Seifried en la Universidad de Música y Artes Escénicas de Múnich. En 2012 gana el primer premio y el premio del público en el Concurso Internacional Robert Schumann en Zwickau e hizo debut en la Schubertiada en Schwarzenberg con Die schöne Müllerin de Schubert, acompañado por Helmut Deutsch. Desde entonces, ha aparecido regularmente en Schwarzenberg y Hohenems, así como en las principales salas de conciertos y teatros de ópera de todo el mundo.

Mauro Peter ha ofrecido recitales de canciones en el Centro de Cultura y Convenciones KKL de Lucerna, el Wigmore Hall de Londres, el Musikverein y el Konzerthaus de Viena, el Musikverein de Graz, el Konzerthaus de Berlín, el Konzerthaus de Dortmund, el Pierre Boulez Hall de Berlín, la Ópera de Frankfurt, la Ópera de Zúrich y Teatro de la Zarzuela de Madrid. Como concertista ha actuado en el Munich Gasteig, el Royal Festival Hall de Londres, el Mozarteum de Salzburgo y el Festival de Verbier. También es invitado habitual del Festival de Pâques de Aix-en-Provence y del Festival de Salzburgo, donde debutó en 2012. Más recientemente, apareció en Salzburgo como Ferrando en Così fan tutte de Mozart en 2016, como Andrés en Wozzeck de Berg en 2017 y como Tamino en una nueva producción de la Flauta Mágica en 2018.

Ha colaborado con grandes directores, por citar algunos: Ivor Bolton, Constantinos Carydis, Teodor Currentzis, Gustavo Dudamel, Iván Fischer, Sir John Eliot Gardiner, James Gaffigan, Nikolaus Harnoncourt, Philippe Herreweghe, Manfred Honeck, Vladimir Jurowski, Fabio Luisi, Cornelius Meister, Riccardo Minasi, Zubin Metha, Raphaël Pichon y Trevor Pinnock. Desde la temporada 2013/14, Mauro Peter es miembro de la Ópera de Zúrich. Las apariciones como invitado lo han llevado a la Ópera Estatal de Baviera, La Scala de Milán, la Royal Opera House Covent Garden, la Ópera de París, la Ópera de Lyon, la Komische Oper de Berlín, el Theatre an der Wien, la Canadian Opera Company en Toronto.

Después de una grabación en vivo de Die Schöne Müllerin en el Wigmore Hall, en 2015 lanzó su álbum debut para Sony Classical, presentó en algunos escenarios el Goethe de Schubert seguido de una grabación de Dichterliebe y una selección de otros lieder de Schumann en 2016.

Los principales proyectos para la temporada 20/21 incluyen apariciones como Nemorino en L'Elisir d'Amore de Donizetti, así como Winterreise de Schubert en la Ópera de Zúrich, Don Ottavio en Don Giovanni de Mozart en el Teatro Real de Madrid y en la Semana Mozart de Salzburgo. En el podio del concierto interpretará, entre otros, La Creación de Haydn bajo la batuta de Ivor Bolton en Basilea, La Pasión según San Mateo de Bach bajo la dirección de Philippe Herreweghe en Amsterdam, El Cristo en el Monte de los Olivos de Beethoven con Michael Sanderling en Lucerna y la Misa de la Coronación de Mozart junto con la Filarmónica de Berlín con Kirill Petrenko en Berlín y Barcelona. Los recitales de lied le llevarán al Festival de Lucerna, al Stefaniensaal de Graz, a la Brucknerhaus de Linz, a la Konzerthaus de Viena ya la Schubertiade de Schwarzenberg.

MAURO PETER

Tenor

O tenor suízo Mauro Peter naceu en Lucerna e estudou con Fenna Kügel-Seifried na Universidade de Música e Artes Escénicas de Múnic. En 2012 gaña o primeiro premio e o premio do público no Concurso Internacional Robert Schumann en Zwickau e fixo debut na Schubertiada en Schwarzenberg con Die schöne Müllerin de Schubert, acompañado por Helmut Deutsch. Desde aquela, apareceu de xeito regular en Schwarzenberg e Hohenems, así como nas principais salas de concertos e teatros de ópera de todo o mundo.

Mauro Peter ofreceu recitais de cancións no Centro de Cultura e Convencións KKL de Lucerna, no Wigmore Hall de Londres, no Musikverein e mais no Konzerthaus de Viena, no Musikverein de Graz, no Konzerthaus de Berlín, no Konzerthaus de Dortmund, no Pierre Boulez Hall de Berlín, na Ópera de Frankfurt, na Ópera de Zurich e mais no Teatro da Zarzuela de Madrid. Como concertista actuou no Munich Gasteig, no Royal Festival Hall de Londres, no Mozarteum de Salzburgo e no Festival de Verbier. Tamén é invitado habitual do Festival de Pâques de Aix-en-Provence e do Festival de Salzburgo, onde debutou en 2012. Máis recentemente, apareceu en Salzburgo como Ferrando en Così fan tutte de Mozart en 2016, como Andrés en Wozzeck de Berg en 2017 e como Tamino nunha nova produción da obra A Frauta Máxica en 2018.

Colaborou con grandes directores, por citar algúns: Ivor Bolton, Constantinos Carydis, Teodor Currentzis, Gustavo Dudamel, Iván Fischer, Sir John Eliot Gardiner, James Gaffigan, Nikolaus Harnoncourt, Philippe Herreweghe, Manfred Honeck, Vladimir Jurowski, Fabio Luisi, Cornelius Meister, Riccardo Minasi, Zubin Metha, Raphaël Pichon e Trevor Pinnock. Desde a temporada 2013/14, Mauro Peter é membro da Ópera de Zurich. As aparicións como invitado levárono á Ópera Estatal de Baviera, La Scala de Milán, a Royal Opera House Covent Garden, a Ópera de París, a Ópera de Lyon, a Komische Oper de Berlín, o Theatre an der Wien, a Canadian Opera Company en Toronto.

Despois dunha gravación en vivo de Die Schöne Müllerin no Wigmore Hall, en 2015 lanzou o seu álbum debut para Sony Classical, presentou nalgúns escenarios o Goethe de Schubert seguido dunha gravación de Dichterliebe e unha selección doutros lieder de Schumann en 2016.

Os principais proxectos para a temporada 20/21 inclúen aparicións como Nemorino en L'Elisir d'Amore de Donizetti, así como Winterreise de Schubert na Ópera de Zúric, Don Ottavio en Don Giovanni de Mozart no Teatro Real de Madrid e na Semana Mozart de Salzburgo. No podio do concerto interpretará, entre outros, A Creación de Haydn baixo a batuta de Ivor Bolton en Basilea, A Paixón segundo San Mateo de Bach baixo a dirección de Philippe Herreweghe en Amsterdam, O Cristo no Monte das Oliveiras de Beethoven con Michael Sanderling en Lucerna e a Misa da Coroación de Mozart xunto coa Filharmónica de Berlín con Kirill Petrenko en Berlín e Barcelona. Os recitais de lied levarano ao Festival de Lucerna, ao Stefaniensaal de Graz, á Brucknerhaus de Linz, á Konzerthaus de Viena e mais á Schubertiade de Schwarzenberg.

RAQUEL LOJENDIO

Soprano

La soprano canaria Raquel Lojendio es una de las voces más relevantes del panorama lírico actual. Su versatilidad le permite abordar tanto el repertorio de oratorio y lied, como los de zarzuela y ópera.

La artista ha sido invitada por las principales orquestas de nuestro país, y por muchas en el extranjero, destacando: Berliner Philarmoniker, BBC Philarmonic Orchestra, Seattle Symphony Orchestra, Orchestra Sinfonica Nazionale della Rai de Torino, Bergen Filharmoniske Orkester, Dresdner Philharmonie, Hamburguer Symphoniker, Boston Symphony Orchestra, Orchestre National du Capitole de Tolouse, Orchestra “Giuseppe Verdi” de Trieste, entre otras.

Ha trabajado con directores de la talla de: Sir Neville Marriner, Frühbeck de Burgos, Gianluigi Gelmetti, Juanjo Mena, Jun Märkl, Antoni Wit, López-Cobos, Gómez Martínez, García Calvo, Victor Pablo Pérez, Jiri Kout, Edmon Colomer, Vasily Petrenko, Rus Broseta…

Raquel Lojendio es una consumada intérprete de Oratorio y Lied, de su extenso repertorio cabe destacar: Requiem de Mozart, Die Schöpfung de Haydn, Novena Sinfonía de Beethoven, Ein Deutches Requiem de Brahms, las Sinfonías 2ª, 4ª y 8ª de G. Mahler, Vier Letze Lieder de R. Strauss, El Sombrero de Tres Picos de M. de Falla, Sinfonía nº14 de Shostakovich, Les Noces de Stravinsky, Muero porque no muero de Menotti, Bacchianas Brasileiras de Villalobos, Maria-Tripychon de F. Martin…en escenarios tan importantes como Berliner Philarmonie, Tanglewood Festival, Manchester Bridgewater Hall, Benaroya Hall, George Enescu Festival, Bergen Grieg Hall, Halle aux Grains de Toulouse, Teatro Colón de Bogotá.

De nuestro repertorio lírico aborda títulos como El Sueño de una noche de verano, de Gaztambide, Las Golondrinas, de Usandizága, San Antonio de la Florida, de Albéniz, o El Caserío de J. Guridi que interpretará próximamente en el Teatro de la Zarzuela de Madrid, bajo la dirección musical del maestro Juanjo Mena.

Recientes y próximos compromisos incluyen roles operísticos como: Morgana en Alcina (Haendel), Pamina en Die Zauberflöte y Donna Anna en Don Giovanni (Mozart), Marguerite en Fausto (Gounod), Violetta en La Traviata y Alice Ford en Falstaff (Verdi), Sour Angelica y Lauretta en El Triptico y Mimi en La Bohème (Puccini), en teatros como: Teatro Verdi de Trieste, Teatro Real de Madrid, Maestranza de Sevilla, Teatro Cervantes de Málaga, Ópera de Tenerife.

Su carrera artística se ve avalada con grabaciones para sellos como: Deutsche Grammophon, y Chandos. Raquel Lojendio estudió en el Conservatorio Superior de su ciudad natal, Santa Cruz de Tenerife, y en el Superior de Música del Liceo de Barcelona con Carmen Bustamante. Ha recibido clases de perfeccionamiento de María Orán y Krisztina Laki.

Además, se formó como bailarina clásica por la Royal Academy of Dance de Londres.

RAQUEL LOJENDIO

Soprano

A soprano canaria Raquel Lojendio é unha das voces máis relevantes do panorama lírico actual. A súa versatilidade permítelle tratar tanto o repertorio de oratorio e lied, como os de zarzuela e ópera.

A artista foi convidada polas principais orquestras do noso país, e por moitas no estranxeiro, entre as que salientan a Berliner Philarmoniker, a BBC Philarmonic Orchestra, a Seattle Symphony Orchestra, a Orchestra Sinfonica Nazionale della Rai de Torino, a Bergen Filharmoniske Orkester, a Dresdner Philharmonie, a Hamburguer Symphoniker, a Boston Symphony Orchestra, a Orchestre National du Capitole de Tolouse ou a Orchestra “Giuseppe Verdi” de Trieste entre outras.

Traballou con directores do prestixio de Sir Neville Marriner, Frühbeck de Burgos, Gianluigi Gelmetti, Juanjo Mena, Jun Märkl, Antoni Wit, López-Cobos, Gómez Martínez, García Calvo, Victor Pablo Pérez, Jiri Kout, Edmon Colomer, Vasily Petrenko, Rus Broseta…

Raquel Lojendio é unha consumada intérprete de Oratorio e Lied, do seu extenso repertorio cabe destacar: Réquiem de Mozart, Die Schöpfung de Haydn, Novena Sinfonía de Beethoven, Ein Deutches Requiem de Brahms, as Sinfonías 2ª, 4ª e 8ª de G. Mahler, Vier Letze Lieder de R. Strauss, O Sombreiro de Tres Picos de M. de Falla, Sinfonía nº14 de Xostacovich, Les Noces de Stravinsky, Morro porque non morro de Menotti, Bacchianas Brasileiras de Villalobos, Maria-Tripychon de F. Martin… en escenarios tan importantes como a Berliner Philarmonie, o Tanglewood Festival, o Manchester Bridgewater Hall, o Benaroya Hall, o George Enescu Festival, o Bergen Grieg Hall, o Halle aux Grains de Toulouse ou o Teatro Colón de Bogotá.

Do noso repertorio lírico trata títulos como O Soño dunha noite de verán, de Gaztambide, As Andoriñas, de Usandizága, San Antonio de la Florida, de Albéniz ou O Casarío de J. Guridi que interpretará proximamente no Teatro da Zarzuela de Madrid, baixo a dirección musical do mestre Juanjo Mena.

Recentes e vindeiros compromisos inclúen roles operísticos como: Morgana en Alcina (Haendel), Pamina en Die Zauberflöte e Donna Anna en Don Giovanni (Mozart), Marguerite en Fausto (Gounod), Violetta en La Traviata e Alice Ford en Falstaff (Verdi), Sour Angelica e Lauretta en El Triptico e Mimi en La Bohème (Puccini), en teatros como: Teatro Verdi de Trieste, Teatro Real de Madrid, Maestranza de Sevilla, Teatro Cervantes de Málaga, Ópera de Tenerife.

A súa carreira artística vese avalada con gravacións para selos discográficos como Deutsche Grammophon e Chandos. Raquel Lojendio estudou no Conservatorio Superior da súa cidade natal, Santa Cruz de Tenerife e no Superior de Música do Liceu de Barcelona con Carmen Bustamante. Recibiu clases de perfeccionamento de María Orán e Krisztina Laki.

Ademais, formouse como bailarina clásica pola Royal Academy of Dance de Londres.

Miembros de la OSG

ORQUESTA SINFÓNICA DE GALICIA

VIOLINES I

Massimo Spadano*****

Ludwig Dürichen****

Vladimir Prjevalski****

Iana Antonyan

Ruslan Asanov

Caroline Bournaud

Gabriel Bussi

Carolina Mª Cygan Witoslawska

Dominica Malec Andruszkiewicz

Dorothea Nicholas

Mihai Andrei Tanasescu Kadar

Florian Vlashi

Roman Wojtowicz

VIOLINES II

Fumika Yamamura***

Adrián Linares Reyes***

Gertraud Brilmayer

Lylia Chirilov

Marcelo González Kriguer

Deborah Hamburger

Enrique Iglesias Precedo

Helle Karlsson

Gregory Klass

Stefan Marinescu

VIOLAS

Eugenia Petrova***

Francisco Miguens Regozo***

Andrei Kevorkov*

Raymond Arteaga Morales

Alison Dalglish

Despina Ionescu

Jeffrey Johnson

Jozef Kramar

Luigi Mazzucato

Karen Poghosyan

Wladimir Rosinskij

VIOLONCHELOS

Rouslana Prokopenko***

Raúl Mirás López***

Gabriel Tanasescu*

Mª Antonieta Carrasco Leiton

Berthold Hamburger

Scott M. Hardy

Florence Ronfort

Ramón Solsona Massana

CONTRABAJOS

Risto Vuolanne***

Diego Zecharies***

Todd Williamson*

Mario J. Alexandre Rodrigues

Douglas Gwynn

Jose F. Rodrigues Alexandre

FLAUTAS

Claudia Walker Moore***

Mª José Ortuño Benito**

Juan Ibáñez Briz*

OBOES

Casey Hill***

David Villa Escribano**

CLARINETES

Juan Antonio Ferrer Cerveró***

Iván Marín García**

Pere Anguera Camós*

FAGOTES

Steve Harriswangler***

Mary Ellen Harriswangler**

Alex Salgueiro *

TROMPAS

Nicolás Gómez Naval***

David Bushnell**

Manuel Moya Canós*

Amy Schimelmann*

TROMPETAS

Thomas Purdie**

Michael Halpern*

TROMBONES

Jon Etterbeek***

Óscar Vázquez Valiño***

TUBA

Jesper Boile Nielsen***

PERCUSIÓN

José A. Trigueros Segarra***

José Belmonte Monar**

Alejandro Sanz Redondo*

ARPA

Celine C. Landelle***

MÚSICOS INVITADOS TEMPORADA 21-22

OBOE

Carolina Rodríguez Canosa*

Notas:

***** Concertino

**** Ayuda de Concertino

*** Principal

** Principal-Asistente

* Coprincipal

MÚSICOS INVITADOS 21 y 22 DE ABRIL

VIOLIN I

Adriaan Rijnhout Díaz

Ángel Enrique Sánchez Marote

Petre Abraham Smeu

VIOLIN II

Pedro Rodríguez Rodríguez*

Natalia Cid Iriarte

Tomás Ionescu Ionescu

Rebeca Maseda Longarela

VIOLA

Víctor Gil Gazapo

Virginia González Leondhart

VIOLONCHELO

Mª Victoria Pedrero Pérez

CONTRABAJO

Gerardo Tandioy Valladares

OBOE

Avelino Ferreira López*

CLARINETE

Bruna Beatriz de Silva Moreira*

TROMPA

Pablo Lago Soto***

TROMPETAS

Manuel Fernández Alvárez***

Luis Serrapio Fernández***

Pedro Antonio Martínez López*

Adrián Real López*

TROMBÓN TENOR

David Manuel Rodríguez Alvárez*

Consorcio para la Promoción de la Música

Inés Rey

Presidenta

Anxo M. Lorenzo

Vicepresidente

EQUIPO TÉCNICO - ADMINISTRATIVO

Andrés Lacasa Nikiforov

Gerente

Olga Dourado González

Secretaria-interventora

María Salgado Porto

Jefa de gestión económica

Ángeles Cucarella López

Coordinadora general

José Manuel Queijo

Jefe de producción

Javier Vizoso

Jefe de prensa y comunicación

Alberto García Buño

Contable

Zita Kadar

Archivo musical

Iván Portela López

Programas didácticos

José Antonio Anido Rodríguez

Angelina Déniz García

Noelia Roberedo Secades

Administración

Inmaculada Sánchez Canosa

Gerencia y coordinación

Nerea Varela

Secretaría de producción

Lucía Sández Sanmartín

Prensa y comunicación

José Manuel Ageitos Calvo

Daniel Rey Campaña

Regidores

Diana Romero Vila

Auxiliar de archivo

PRÓXIMOS CONCIERTOS

Viernes 13 de mayo 2022 – 20h.

Concierto en familia “El viaje de Walt”

Palacio de la Ópera de A Coruña

ELTON JOHN

El ciclo sin fin (El Rey León)

MOORE

Que hay más allá (Vaiana)

SHERMAN

Supercalifragilisticoespialidoso (Mary Popins)

MICHAEL GIACCHINO

Un poco loco (Coco)

ALAN MENKEL

Un mundo ideal (Aladdin)

ELTON JOHN

Hakuna Matata (El Rey León)

SHERMAN

Quiero ser como tú (El libre de la Selva)

ANDERSON-LÓPEZ

Suéltalo (Frozen)

ELTON JOHN

El ciclo sin fin (El Rey León)

DANIEL GARCÍA ARTÉS arreglos

CHARLENE HARRISWANGER soprano

LUCAS LÓPEZ barítono

VÍCTOR GRANDE narrador

FRANS-AERT BURGHGRAEF director

Viernes 20 de mayo 2022 – 20h.

Palacio de la Ópera de A Coruña

Sábado 21 de mayo 2022 – 20h.

Palacio de la Ópera de A Coruña

SERGUÉI PROKOFIEV

Concierto para violín nº 2 en sol menor, op.63

JOSEF SUK

Sinfonía nº 2 en do menor, op. 27 “Asrael”

VIKTORIA MULLOVA violín

DIMA SLOBODENIOUK director

Jueves 26 de mayo 2022 – 20.00h.

Centro Cultural Afundación (Vigo)

Viernes 27 de mayo 2022 – 20.00h.

Palacio de la Ópera (A Coruña)

HÉCTOR BERLIOZ

Harold en Italia, op. 16* (43’)

MAURICE RAVEL

Daphnis et Chloé: suite nº 2 (18’)

NILS MÖNKEMEYER viola

PABLO GONZÁLEZ director

Jueves 2 de mayo 2022 – 20h.

Palacio de la Ópera (A Coruña)

Viernes 3 de mayo 2022 – 20h.

Auditorio de Ferrol

FÉLIX MENDELSSOH

Elías, op. 70 (131’)

ELIZABETH WATTS soparano

HELEN CHARLSTON alto

JAMES GILCHRIST tenor

ANDREW FOSTER-WILLIAMS bajo

RICHARD EGARR director

JOAN COMPANY director Coro

CORO DE LA OSG

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El consorcio para la Promoción de la Música cuenta con la financiación de:

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